http://finam.fm/broadcast/19/ Программа о рок-музыке 60-70 годов и об исполнителях, чей вклад в развитие мировой рок-культуры незаслуженно недооценен в нашей стране. Имя автора и ведущего программы Николая Арутюнова хорошо известно любителям рок-музыки в нашей стране. За годы музыкальной карьеры ему посчастливилось лично познакомиться и играть на одной сцене вместе со многими интереснейшими западными исполнителями. Благодаря этому программе не грозит стать банальным перечислением общеизвестных вех и событий в развитии рок-музыки. Программа "Историческая справедливость", по сути, взгляд изнутри на рок-музыку, ее кумиров и позабытых героев. Это личные впечатления и малоизвестные факты, хорошо знакомые композиции в порой неожиданном оригинальном исполнении и открытие, возможно, новых для нас, но достойных и пользующихся заслуженным авторитетом в мировой рок-культуре имен. Николай Арутюнов постарается восстановить по отношению к ним историческую справедливость. "Давайте вспоминать вместе!" http://finam.fm/i/logoprog.jpg http://finam.fm/19/ "Историческая справедливость" - выпуски программы на Финам FM Финам FM no Историческая справедливость Финам FM radio@finam.fm http://finam.fm/archive-view/6026/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 12.05.2012   ]]> Sat, 12 May 2012 12:05:00 +0400 "Dr. Feelgood" В студии: Николай Арутюнов 54:01 no http://finam.fm/archive-view/6006/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 05.05.2012   ]]> Sat, 05 May 2012 12:05:00 +0400 "Spooky Tooth" В студии: Николай Арутюнов 51:59 no http://finam.fm/archive-view/5973/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 28.04.2012   ]]> Sat, 28 Apr 2012 12:05:00 +0400 "Ten Years After" В студии: Николай Арутюнов 49:43 no http://finam.fm/archive-view/5938/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 21.04.2012   ]]> Sat, 21 Apr 2012 12:05:00 +0400 "Three Dog Night" В студии: Николай Арутюнов 54:43 no http://finam.fm/archive-view/5901/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 14.04.2012   ]]> Sat, 14 Apr 2012 12:05:00 +0400 Mick Abrahams В студии: Николай Арутюнов 56:56 no http://finam.fm/archive-view/5862/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 07.04.2012   ]]> Sat, 07 Apr 2012 12:05:00 +0400 "The Guess Who" В студии: Николай Арутюнов 55:36 no http://finam.fm/archive-view/5828/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 31.03.2012   ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Where Have You Been All My Life Good Natured Emma - "Amboy Dukes" Hey Baby Light My Way Live It Up Take It or Live It High Enough - "Damn Yankees" Cat Scratch Fever НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Ted Nugent - 1976 Cat Scratch Fever - 1977   АРУТЮНОВ: Как всегда, я приветствую вас, дорогие слушатели программы "Историческая справедливость", меня зовут Николай Арутюнов, я автор и ведущий этой программы. Сегодня нам с вами предстоит поговорить об американском поющем гитаристе, которого зовут Тед Ньюджент.   ( Звучит песня "Where Have You Been All My Life".)   АРУТЮНОВ: Ну что ж, дорогие друзья, сегодня нам в течение ближайшего часа придется провести время, что значит "придется"? – с удовольствием мы проведем время в атмосфере самого настоящего хард-рока, ну, по-нашему говоря, хардешника, мне кажется, так вот поточнее будет применительно к музыке Теда Ньюджента. Тед Ньюджент – человек, который сказал следующую историческую фразу, вообще, он сказал очень много исторических фраз, но вот для начала нашей программы сгодится такая: "Если это слишком громко для вас, то вы слишком старый". Ну, надеюсь,... ]]> Sat, 31 Mar 2012 12:05:00 +0400 Ted Nugent В студии: Николай Арутюнов ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Where Have You Been All My Life Good Natured Emma - "Amboy Dukes" Hey Baby Light My Way Live It Up Take It or Live It High Enough - "Damn Yankees" Cat Scratch Fever НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Ted Nugent - 1976 Cat Scratch Fever - 1977 АРУТЮНОВ: Как всегда, я приветствую вас, дорогие слушатели программы "Историческая справедливость", меня зовут Николай Арутюнов, я автор и ведущий этой программы. Сегодня нам с вами предстоит поговорить об американском поющем гитаристе, которого зовут Тед Ньюджент. ( Звучит песня "Where Have You Been All My Life".) АРУТЮНОВ: Ну что ж, дорогие друзья, сегодня нам в течение ближайшего часа придется провести время, что значит "придется"? – с удовольствием мы проведем время в атмосфере самого настоящего хард-рока, ну, по-нашему говоря, хардешника, мне кажется, так вот поточнее будет применительно к музыке Теда Ньюджента. Тед Ньюджент – человек, который сказал следующую историческую фразу, вообще, он сказал очень много исторических фраз, но вот для начала нашей программы сгодится такая: "Если это слишком громко для вас, то вы слишком старый". Ну, надеюсь, что нас с вами это не касается. Не слишком громко, да? На самом деле, Тед Ньюджент – яркий, явный представитель музыки в стиле хард-рок, причем, можно даже немножко запутаться там, второй или третьей волны этого направления. Если оставить за скобками такие подступы к хард-року, прото-хард середины 60-х, о которых мы иногда так вскользь упоминали, то все же стоит точкой отсчета признать самый конец 60-х, начало 70-х – появление первых реальных хард-роковых групп, которые, собственно говоря, себя так и называли. В основном это были английские группы, и в основном это группы, которые в нашей стране до сих пор в самых первых рядах популярности: "Black Sabbath", "Uriah Heep", "Deep Purple", "Led Zeppelin", ну и, может быть, что-то еще я забыл, тем не менее, вот эти группы, так, условно первой волны хард-рока, отличались все же таким существенным разнообразием, и в их музыке, в частности, достаточно ощутим был элемент прог-рока или арт-рока, может быть, чего-то еще. Напомню, это самое начало 70-х, в Америке это направление славно представляли "Grand Funk Railroad". Где-то с 1973 года появились новые хард-роковые группы, в Англии – "Judas Priest", в Америке – "Mahogany Rush", "Montrose", "Aerosmith". Вот эти группы были уже попроще, существенно попроще, это уже, наверное, такой хард-рок в чистом виде. И, наконец, третья такая волна условная хард-рока началась примерно в 1975-76 годах, и ее олицетворяют такие группы, как вначале в Австралии, потом в Англии – "AC/DC" и "Motorhead", и в Америке наш с вами сегодняшний герой Тед Ньюджент. Это еще чище, это совсем такой кристальный хард-рок, это все было громко, просто, и очень быстро. Вот эти группы уже практически обходились без баллад, и, кстати, в основном у Теда Ньюджента это иногда встречалось, там, в соотношении 1 к 100, наверное. Не помню, например, ни одной медленной песни в репертуаре ансамбля "Motorhead". Эти группы уже играли, повторюсь, самый чистый хард-рок без изысков, они уже не тратили свои интеллектуальные силы на поиски каких-то новых гармоний, все это, гармонический набор был достаточно тривиален, и упор делался в первую очередь на энергетику, на пробивную мощь, на драйв, ну и, в общем-то, на хорошую игру музыкантов. А Тед Ньюджент из них был самый, наверное, простецкий. Вообще да, вот он, пожалуй, такой был американский аналог британских "Motorhead", эти люди играли такой крайне напористый, грязноватый рок-н-ролл, ну, тяжелый рок-н-ролл, естественно. Вот мы сегодня будем слушать Теда Ньюджента, он этого заслуживает, безусловно, как музыкант и как личность, очень своеобразная личность. Давайте сейчас для затравки послушаем песню группы, в которой Тед Ньюджент играл до, собственно говоря, вывески "Тед Ньюджент", он играл в группе "Amboy Dukes", это была его группа, такая, весьма заметная группа, которая записала много пластинок, существовала восемь лет, и началась еще в середине 60-х. Давайте представим одной песней творчество команды. "Good Natured Emma", напоминаю, группа "Amboy Dukes". (Звучит песня " Good Natured Emma " .) АРУТЮНОВ: Это была песня "Good Natured Emma" ансамбля "Amboy Dukes", в котором имел честь играть на гитаре, петь и верховодить Тед Ньюджент до начала своей сольной карьеры под вывеской "Тед Ньюджент" же. Насчет вокала в предыдущей песне. Это не пел Тед Ньюджент, пел один очень симпатичный человек, к сожалению, ныне покойный. Ну, не буду устраивать головоломку, может, и я бы сам не догадался, если бы не знал, хотя, вы знаете, что-то есть вот в этом опусе вокальном от того, чем человек впоследствии прославился. Короче говоря, я уже запутался. Это поет Расти Дэй, не кто иной, как Расти Дэй – человек, который пел в группе "Cactus", уж эту-то группу мы с вами знаем о-го-го как, да? Первая историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Американский музыкант по прозвищу "Безумец из Города Моторов", легендарный певец, гитарист и композитор Тед Ньюджент – одна из самых противоречивых фигур классического рока. С одной стороны, во второй половине 70-х этот артист мог похвастаться мультиплатиновыми продажами и рекордной посещаемостью концертов, а такие хиты, как "Stranglehold" или "Cat Scratch Fever", сегодня украшают плейлисты рок-станций по всему миру, с другой, Ньюдженту больше, чем любому другому рокеру, доставалось от критики за одномерность, примитивность и заштампованность, и если в свое время в этих претензиях и было рациональное зерно, то сегодня такой подход к творчеству Ньюджента стал расхожим поверхностным клише. Между тем, в тяге Теда Ньюджента к простому бодрому риффовому хард-року нет ничего наигранного, музыкант был просто-напросто верен своим корням, ведь его родной Детройт уже к началу 70-х заслужил репутацию всеамериканского центра гитарного дикарства. Теодор Энтони Ньюджент родился 13 декабря 1948 года, и уже в ранней юности увлекся рок-н-роллом и освоил гитару. Родители мальчика, несмотря на глубокую религиозность и приверженность консервативным ценностям, не препятствовали увлечению своего сына, однако строгое воспитание вскоре дало о себе знать. В 70-х Тед Ньюджент стал одним из очень немногих рокеров, открыто выступавших против наркотиков, алкоголя и даже курения. АРУТЮНОВ: Добавлю еще вот что к этой справке: с раннего детства Тед Ньюджент выказал, так сказать, явный интерес в двух направлениях, его уже тогда и до сих пор больше всего в жизни интересуют две вещи: рок-н-ролл и охота. Он, еще будучи совсем ребенком, играл со сверстниками в охотников, а потом заиграл на гитаре в 9 лет, в 12 лет Тед Ньюджент возглавил свою первую, так сказать, серьезную, как тогда ему казалось, рок-группу, и после этого еще две рок-группы, не менее серьезных, он возглавлял. Наконец, в 18 лет он возглавил ту самую "Amboy Dukes". Так, в двух словах, было до этой группы еще две группы "Amboy Dukes", одна – в том же Детройте в начале 60-х, и, собственно говоря, ребята как бы переняли это название у своих предшественников, а одна группа даже в Англии была под таким названием, но все это было очень локально. Надо сказать, что состав "Amboy Dukes" за период их существования с 1965-66 по 1974 год очень часто менялся, и не только из-за чисто музыкальных и человеческих разногласий, как это обычно бывает. Помните, что было только что сказано в справке? Тед Ньюджент изгонял из своего ансамбля музыкантов не только за пристрастие к наркотикам тяжелым, а даже за курение "травы", то есть вот человек был совершенно бескомпромиссный в этом вопросе. Совершенно удивительное, искреннее противостояние Теда Ньюджента вот этой беде рок-н-ролльной, наверное, лучше всего сформулировано им самим на одном из концертов уже сравнительно в наши дни, на одном из концертов в 90-е годы он сказал вот такую фразу: "В 1970 году Джими Хендрикс думал, что я глупец, а я думал, что он Бог". А вот дальше разрешите закончить цитату без перевода, по-английски это звучит очень убедительно: "Now he’s dead, and I am still Ted". Ну, на всякий случай переведу: "А вот теперь он умер, а я по-прежнему Тед". Да, наверное, по-русски не так выигрышно звучит, но смысл понятен, да, суть понятна. Давайте слушать следующую песню, вот сейчас уже будет песня того периода Теда Ньюджента, который мы сегодня рассматриваем, то есть сольный период, все это называлось "Тед Ньюджент". Это песня из его первого альбома, это самый первый его сингл, и один из самых знаменитых – песня "Hey Baby". Кстати, написал ее не Тед Ньюджент, а его ритм-гитарист поющий – Дерек Сент-Холмс. Итак, 1975 год, первый альбом, одноименный – "Ted Nugent", "Hey Baby". (Звучит песня " Hey Baby " .) АРУТЮНОВ: Ну вот мы уже начали слушать реальную музыку реального Теда Ньюджента. Это песня "Hey Baby" с его первого альбома. Конечно, вы слышите, это существенно отличается от музыки его предыдущего ансамбля "Amboy Dukes", где он предавался такой, иногда высосанной из пальца гаражной психоделии. Ну хорошо, Тед Ньюджент – конечно, это буквально кладезь для журналистов, то есть человек, у которого рот такой же громкий, как его гитара, так если образно говорить. То есть свое мнение и свои права этот человек всегда высказывал и отстаивал бескомпромиссно, ярко, образно, иногда резко, дерзко и топорно. Ну, собственно, вот за это его и любят журналисты, вы сами знаете – их хлебом не корми, спровоцируй музыканта на какое-нибудь такое резкое высказывание, а здесь и провоцировать не нужно было. Однажды в каком-то ТВ-шоу, это было такое секс-терапевтическое шоу, его вела знаменитый доктор Рут Вестенхаймер, и вот участвуя в этом шоу, Тед Ньюджент изрек: "Жизнь – это одно большое сафари с женщинами, а доктор Вестенхаймер – мой проводник в этом сафари". Умно. Вообще, конечно, Тед Ньюджент – это такой ходячий тестостерон, и в высказываниях, и в музыке, конечно же, и на концертах. Однажды на концерте какая-то его фэнша юная вылезла на сцену, он раздел ее ну, не догола, но до нижнего белья, и потом заявил, речь шла о возможном аресте за это дело, а он заявил: "Я проделал такую хорошую работу, что у них (у полицейских) хватило совести не арестовывать меня". Вообще, вот согласитесь, какая-то до боли знакомая картина, если учитывать и внешность музыканта – такой высокий, атлетичный, подкачанный, с гривой светлых волос человек с тонкими чертами лица, и все это вкупе с его высказываниями – не напоминает ли вам одного очень популярного ныне на сомнительных наших ток-шоу артиста? Ладно, идем дальше. Следующая песня нашей программы – песня из его второго альбома, тоже 1976 года, который назывался "Free-for-All", песня называется "Light My Way". ( Звучит песня "Light My Way".) *** АРУТЮНОВ: Прозвучала песня "Light My Way", а теперь прозвучит вторая историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: Первой серьезной командой Теда Ньюджента стала группа "The Amboy Dukes", которую молодой человек собрал, переехав с семьей в Чикаго в 1965 году. "Amboy Dukes" начинали как хаус-бэнд в чикагских танцевальных клубах, состав часто менялся, однако постепенно у коллектива появилась стабильная местная фэн-база. Стиль "The Amboy Dukes" сложился под влиянием как классического американского ритм-энд-блюза, так и музыки групп британского вторжения, особенно "The Yardbirds". Позже к этой горячей смеси добавился неизбежный во второй половине 60-х элемент психоделии. С годами развивался и талант лидера команды – Теда Ньюджента. Если в первых составах "Amboy Dukes" присутствовали отдельные вокалисты, то к концу 60-х Ньюджент стал все чаще совмещать игру на гитаре с пением. При этом, как гитарист, он с самого начала пользовался особой славой на местной сцене, его сырая инстинктивная и эмоциональная манера дополнялась буйным сценическим поведением, а любимая гитара Ньюджента – громоздкий полуакустический "Gibson Byrdland", модель, до него ассоциировавшаяся исключительно с джазом, отвечала за фирменный неповторимый звук и облик артиста. АРУТЮНОВ: Ну хорошо, давайте поговорим о другой страсти Теда Ньюджента – охоте, и, возможно, рыбалке, вот про рыбалку я мало чего знаю, а вот про охоту знаю кое-что, да и мне кажется, все, кто знает Теда Ньюджента, знают об этой его страсти. Он – охотник с луком и стрелами, вот это его охотничья специализация. Он, кстати, и на сцену иногда выносил вот это хозяйство. Во всяком случае, вот все это создавало абсолютно достоверную картину человека из каменного века, стоящего, правда, на рок-сцене с гитарой, в общем, задолго до ныне широко известного интеллектуального ансамбля "Manowar", ну, по-русски говоря – "Мановар". Короче, на своей ферме в Мичигане Тед Ньюджент охотится до сих пор, и трофеи, которые он приносит с охоты, он бросает под ноги детям, жене или своим домочадцам другим, и это является их основной едой. Согласитесь, здорово, хотя и не для всех, надо сказать, "зеленые" так, в общем-то, не любят его и даже иногда были пару резких акций против него, и даже с угрозой применения оружия, ну ладно, сейчас это уже слишком в сторону, да и, собственно говоря, не в восторге те люди, которые просто, в общем-то, не любят охоту, а таких тоже, наверное, среди нас много. Но, тем не менее, вот это его жизнь. Он очень давно стал и до сих пор является активным членом Национальной стрелковой ассоциации, больше вам скажу, в 1974 году Тед Ньюджент победил в национальном конкурсе в стрельбе из лука. Каким образом? Он поразил белку с расстояния 150 ярдов. Не знаю, уж в глаз или нет, дабы сохранить шкурку, но вот он это сделал. В 1990 году Тед Ньюджент стал издавать свой собственный журнал, весьма популярный вот в этих кругах, он называется "Ted Nugent World Bowhunters", ну, то есть журнал для любителей охоты с помощью лука, да. И в 90-е годы он однажды так весьма своеобразно подтвердил свою еще одну кличку "Охотник за оленями". Он в Детройте принес в местное отделение Армии Спасения, ну, то есть он принес для бездомных, и, соответственно, голодных людей, 200 килограммов свежей оленины, со словами, опять же позвольте по-английски процитировать: "I kill it – you grill it". Ну, и, наконец, немного на другую тему, но тоже весьма такая острая ситуация однажды с ним приключилась. Он однажды поставил автограф на руке какого-то фэна с помощью кончика ножа. Ближе к природе, друзья. Так, ладно, давайте мы ближе к музыке будем. "Live It Up". ( Звучит песня "Live It Up".) АРУТЮНОВ: Это была песня "Live It Up", поет Дерек Сент-Холмс, неплохой певец, согласитесь, да? Между прочим, вот помимо Расти Дэя, еще из недр Теда Ньюджента (хорошо сказал) вышел заметный певец – Брайан Хоу в конце 80-х ушел от Ньюджента и присоединился к "Bad Company". Ну и вы сами слышите, несмотря на все обвинения в дубовости его музыки, вполне симпатично и так вполне рок-н-ролльный корень ощущается в его музыке, согласитесь, да? Так, ну давайте теперь уже от охоты, секса и других радостей жизни Теда Ньюджента перейдем к еще одной – непосредственно к музыке, собственно, для чего мы здесь с вами посажены. В 1967 году группа "Amboy Dukes" выпустила свою первую сорокапятку, это была, кстати, песня "Baby Please Don’t Go", это блюзовый стандарт, они сделали ее ближе к варианту группы "Them". В 1968 году "Amboy Dukes" выпустили первый лонгплей, он назывался "The Amboy Dukes", и сразу он вошел во вторую сотню лучших пластинок того времени. В 1968 же году вторая пластинка с интересным названием, обращаю ваше внимание – "Journey to the Center of the Mind". Между прочим, вот этот диск, "Journey to the Center of the Mind", занял 74-е уже место, видите, как высоко достаточно, а сама песня одноименная – 16-место в чартах. Одним словом, за восемь лет существования "Amboy Dukes" выпустили семь – подчеркиваю, семь долгоиграющих пластинок, и никогда при этом они, конечно, не выбивались ни в какие высшие эшелоны американского рока, но всегда были на виду. Мало того, делали какие-то такие шажочки вперед, с 1970 года они выпускались на "Polydor", это хорошая рекомендация для группы, да, выпуск на этой фирме, а два последних диска они выпустили в 1973-74 годах на фирме "DiscReet", это фирма Фрэнка Заппы. За время своего существования группа "Amboy Dukes" совершила такой существенный переход от гаражной психоделии к более такому гитарно-хендриксообразному, что ли, року. Все больше и больше Тед Ньюджент концентрировался на гитаре, все больше и больше он концентрировал власть в ансамбле в своих руках. Между прочим, насчет гитары – в 1973 году во время длительных совместных туров с другими группами, он устраивал гитарные дуэли, например, с такими людьми, как Майк Пинера из группы "New Cactus Band", Уэйн Крамер из "MC 5", и Фрэнк Марино из "Mahogany Rush". Надо сказать, что в конце карьеры группа уже называлась "Ted Nugent & the Amboy Dukes", то есть это уже подчеркивало роль Теда Ньюджента в этой команде, и он, в общем-то, абсолютно созрел для того, чтобы отбросить из названия последние два слова. С 1975 года все это стало называться просто "Ted Nugent". Вот сейчас мы это и послушаем еще раз. Пластинка 1979 года, она называлась "State of Shock", песня "Take It or Live It". ( Звучит песня "Take It or Live It".) АРУТЮНОВ: Мы только что прослушали песню Теда Ньюджента "Take It or Live It". Итак, в 1975 году "Amboy Dukes" закончились. Тед Ньюджент тогда подписал соло-контракт, между прочим, с фирмой "Epic", с большой очень фирмой, он взял из последнего состава "Amboy Dukes" Роба Грэнджа на бас-гитару, Дерека Сент-Холмса на ритм-гитару и вокал, и нашел барабанщика Клиффа Дейвиса, и таким образом началась сольная карьера Теда Ньюджента. В начале 1976 года он выпустил свой первый альбом, который так и назывался – "Ted Nugent", который сходу занял 28-е место в списках лучших лонгплеев в Америке. В конце 1976 года вышел второй альбом "Dog Eat Dog", на нем в качестве специального гостя проучаствовал вокалист Мит Лоуф, небезызвестный вам, я надеюсь. Летом 1976 года состоялся дебют, такое разовое выступление Теда Ньюджента в Англии, на фестивале Рединг, знаменитом фестивале. В начале 1977 года уже состоялся первый полноценный английский тур Теда Ньюджента. Летом 1977 года вышла та самая знаменитая "Cat Scratch Fever", она заняла 17-е место в американских списках, и уже 28-е место в английских, а сингл одноименный "Cat Scratch Fever" – 30-е место в Америке, это был самый продаваемый сингл Теда Ньюджента. 1978 год отмечен для Теда Ньюджента выходом двойного концертного альбома, который назывался "Double Live Gonzo!", этот альбом со временем получил платиновый статус. В том же 1978 году Тед Ньюджент участвовал в грандиозном мероприятии – "The Second California Jam" в компании с "Aerosmith", "Heart", "Santana", и многими другими группами. На этом мероприятии присутствовало 250 тысяч человек. В том же 1978 году в конце года вышел очередной студийный лонгплей "Weekend Warriors", 24-е место в хит-парадах в Америке, ну, видите, примерно одинаковые места занимал Тед Ньюджент. Не первые, но уж отнюдь и не последние. В 1979 году весной еще один фестиваль в Калифорнии, он назывался "California Music Festival", в нем участвовали, помимо Теда Ньюджента, "Cheap Trick", "Van Halen", те же "Aerosmith", вообще, это друзья Теда Ньюджента. На этот раз 120 тысяч человек были свидетелями этого хард-рокового действа. Летом 1979 года "State of Shock" – диск, песню с которого мы только что слушали. И в том же году еще один грандиозный концерт на стадионе в Кливленде, в компании с "Journey", "Thin Lizzy", и, с кем бы вы думали? – опять с "Aerosmith". Наконец, декада для Теда Ньюджента завершилась в 1980 году выпуском пластинки "Scream Dream". Она заняла 13-е место – чуть повыше, чем обычно. Очень любопытная пластинка вышла у Ньюджента в 1981 году, она называлась "Intensities In 10 Cities". "Что же необычного? – спросите вы. – Это концертный альбом, ну и что?" Так вот, что я вам скажу. Обычно, как мы с вами знаем, музыканты для концертного альбома записывают, как правило, свои хиты или известные песни, в общем, те песни, которые уже давно знает аудитория. Здесь Тед Ньюджент предпринял любопытный ход: он в то время написал серию новых песен, и записал их вначале на концерте, вот этот концертный альбом "Intensities In 10 Cities" 1981 года. Наконец, в 1982 году он сменил "Epic" на "Atlantic", и выпустил альбом, который назывался "Nugent". Ну, самое любопытное в этом альбоме то, что барабанит на нем Кэрмайн Эпис из тех же "Cactus". Наконец, в 1989 году он стал инициатором создания супергруппы вместе с Томми Шоу из группы "Styx" и Джеком Блейдсом из группы "Night Ranger". В 1990 году эта новая группа, она называлась "Damn Yankees", совершила грандиозный тур по Америке в компании с… в плохой компании, одним словом, вместе с группой "Bad Company". И в 1991 году "Damn Yankees" дали грандиозный концерт для вернувшихся с войны в Заливе американских солдат, что лишний раз подчеркивает еще одну грань таланта Теда Ньюджента – у него есть талант патриота. Ну, надо сказать, что вот такого рода музыкальные поступки характерны для Теда Ньюджента, такие патриотические музыкальные поступки, недавно он с группой побывал в Ираке, и даже за это получил преференцию – его пустили во дворец Саддама Хусейна, и даже, как говорят, Тед Ньюджент воспользовался знаменитым золотым унитазом диктатора. Ну ладно, это уже немножечко не музыка. В 1994 году он вернулся к соло-карьере, и совершил большой американский тур в компании с другими патриотами – ансамблем имени "Lynyrd Skynyrd". И, наконец, в 1995 году – опять американский тур, и опять в компании с "Bad Company". То есть, видите, вот такая наблюдается постоянность Теда Ньюджента в выборе его партнеров по большим турам, это все его друзья. Давайте сейчас вкратце представим творчество ансамбля "Damn Yankees", давайте послушаем их песню "High Enough" с их первого альбома 1990. (Звучит песня " High Enough ".) АРУТЮНОВ: Это была песня "High Enough" ансамбля "Damn Yankees", в котором на гитаре играл Тед Ньюджент. И, как вы догадываетесь, эта пьеса, конечно же, не могла не поиметь какую-то бешеную, жесточайшую ротацию на американских FM-станциях. Последняя историческая справка на сегодня. НОВГОРОДСКИЙ: Несмотря на стабильный, но умеренный успех "Amboy Dukes", к середине 70-х Тед Ньюджент решил начать сольную карьеру. Подписав контракт с мэйджором "Epic", музыкант записал целую серию пластинок, ставших его пропуском на рок-Олимп. Такие классические работы, как "Ted Nugent" 1975 года, "Free-for-All" 1976-го и "Cat Scratch Fever" 1977-го, во многом определили развитие американского хард-рока второй половины 70-х. Синглы артиста завладели американским радио-пространством, а билеты на его концерты сметались за считанные минуты. Не будет преувеличением сказать, что тогда для тысяч молодых американцев Тед Ньюджент стал олицетворением настоящего гитарного рок-н-ролла без заморочек – музыки для вечеринок и свиданий, спрос на которую был стабильно высок еще со времен золотой эры рокабилли. После урожайных 70-х карьера Ньюджента несколько сбавила обороты, однако и пластинки, и билеты на концерты продолжали стабильно продаваться. Уже в конце 80-х, впрочем, имя Ньюджента было вновь на слуху. В 1990-м году собранная им супергруппа "Damn Yankees" выпустила мультиплатиновый одноименный альбом, а баллада "High Enough" звучала из каждого радиоприемника. В 1995-м музыкант вернулся к сольной карьере, и с успехом продолжает выступать и записываться по сей день. Кроме того, в последние десять лет этот артист все чаще заявляет о себе во внемузыкальных сферах деятельности, начиная с охоты и заканчивая большой политикой. Впрочем, порой и это кажется частью его шоу, ведь сегодня ультраконсервативные взгляды, скандальные заявления и курьезные выходки Теда Ньюджента стали такой же легендой, как его громкий, бесшабашный рок-н-ролл. АРУТЮНОВ: Абсолютно справедливо. И я думаю, очень удачно в конце программы будет стоять высказывание сенатора от штата Вайоминг Малкольма Уэллапа. Он, этот сенатор, за заботу о детях, за благотворительность и за активную пропаганду здорового образа жизни, и, соответственно, за антинаркотическую пропаганду, назвал Теда Ньюджента "великим американцем". Вот так. Я понимаю, что Теда Ньюджента у нас довольно неплохо знают, особенно любители хард-рока, но для тех, кто его знает не очень хорошо, я бы предложил, по крайней мере, две пластинки – его первый альбом, который назывался "Ted Nugent", то ли 1975, то ли 1976 год, и знаменитый диск "Cat Scratch Fever" 1977 года. И, соответственно, этой песней, одноименной песней мы сегодня завершаем программу. "Cat Scratch Fever"! Это была программа о Теде Ньюдженте. До свидания, всего хорошего. (Звучит песня " Cat Scratch Fever ".) 55:59 no http://finam.fm/archive-view/5796/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 24.03.2012     ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Who Do You Love? Mississippi Woman Built for Comfort Midnight Rider Cuckoo Strangeher - "Tempest" Give Me the News Win or Loose   НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ:  Get a Whiff a This - 1971  Blue Thunder" - 1996      АРУТЮНОВ: Привет всем любителям классического рока, мы с вами в программе "Историческая справедливость" на "Финам FM" радио, я – автор и ведущий этой программы Николай Арутюнов. Напоминаю, что в нашей программе мы рассуждаем, да, о классическом роке, но не совсем о том наборе, который в нашей стране принято ассоциировать с понятием "классический рок". Вот сегодняшняя наша тема ярко иллюстрирует наш базовый подход к программе. Сегодня мы говорим о группе из Великобритании "Juicy Lucy".   ( Звучит песня "Who Do You Love?")   АРУТЮНОВ: Итак, "Juicy Lucy" – британский ансамбль с очень любопытной судьбой, и, между прочим, говорить о нем, как о стопроцентном британском ансамбле нельзя. Но не будем забегать вперед, все по порядку, все сегодня узнаем. Первая историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Англо-американская группа... ]]> Sat, 24 Mar 2012 12:05:00 +0400 "Juicy Lucy" В студии: Николай Арутюнов ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Who Do You Love? Mississippi Woman Built for Comfort Midnight Rider Cuckoo Strangeher - "Tempest" Give Me the News Win or Loose НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Get a Whiff a This - 1971 Blue Thunder" - 1996 АРУТЮНОВ: Привет всем любителям классического рока, мы с вами в программе "Историческая справедливость" на "Финам FM" радио, я – автор и ведущий этой программы Николай Арутюнов. Напоминаю, что в нашей программе мы рассуждаем, да, о классическом роке, но не совсем о том наборе, который в нашей стране принято ассоциировать с понятием "классический рок". Вот сегодняшняя наша тема ярко иллюстрирует наш базовый подход к программе. Сегодня мы говорим о группе из Великобритании "Juicy Lucy". ( Звучит песня "Who Do You Love?") АРУТЮНОВ: Итак, "Juicy Lucy" – британский ансамбль с очень любопытной судьбой, и, между прочим, говорить о нем, как о стопроцентном британском ансамбле нельзя. Но не будем забегать вперед, все по порядку, все сегодня узнаем. Первая историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Англо-американская группа "Juicy Lucy" – яркий пример того, как история создания коллектива может быть не менее интересной, чем его творчество. Прежде всего, эта команда – один из тех немногочисленных случаев, когда в одном составе встретились музыканты с разных берегов Атлантики. Кроме того, фронтменом первой версии "Juicy Lucy" стал чернокожий британец. История группы "Juicy Lucy" сегодня, как правило, приписываемой к классике британского блюз-рока, началась далеко от Лондона, в калифорнийском городе Риверсайд. Именно здесь под влиянием групп "Британского вторжения" и собралась в 1963 году команда "The Misunderstood", начавшая как вполне заурядный серф-ансамбль, со временем снискавший славу одного из провозвестников психоделического рока. Чуть позже в команду пришел гитарист Гленн Росс Кэмпбелл, замечательный тем, что одним из первых в истории рока начал использовать в этой музыке steel-гитару – инструмент, характерный главным образом для кантри или карибских стилей. Во многом под его влиянием группа стала исполнять более радикальную музыку, которую сами "Misunderstood" называли эйсид-блюз. Еще одним интересным персонажем, связанным с "Misunderstood", был их менеджер – временно работавший тогда в Штатах молодой англичанин по имени Джон Пил. Когда подопечные Пила стали делать заметные успехи на калифорнийской сцене, он уговорил музыкантов перебраться в Лондон – в те годы безусловную столицу рок-н-ролльной моды. Стоит признать, что Джона Пила, будущего рок-диджея № 1 и первооткрывателя всевозможных модных трендов, тогда элементарно подвело чутье. Переехав в 1966-м в Англию, "Misunderstood" изо всех сил старались конкурировать с "Yardbirds" или "Who", однако перещеголять местную сцену оказалось совсем не просто. К тому же, на группу давили британские иммиграционные власти, а на родине некоторых музыкантов ждали повестки в армию, и, в конце концов, к 1969 году группа распалась, оставив после себя несколько любопытных сорокапяток. АРУТЮНОВ: Ну да, вот видите, забавная ситуация, ну очень нестандартная, особенно для того времени. Мы с вами знаем много примеров обратных, когда английские музыканты, вначале получив славу в Америке, после этого перебирались туда, и фактически "меняли прописку", если оперировать нашими понятиями. Ну, вспомните, мы, таким образом, говорили о "Foghat", о Питере Фрэмптоне, о группе "Savoy Brown", и многих-многих других. Ну, достаточно сказать, что король британского блюза Джон Мэйолл, уже давно американец. Вот здесь пример наоборот, ну, мы еще не говорим о группе "Juicy Lucy", мы говорим о предшественнице, о предтече этой группы – группе "The Misunderstood". Вот видите, американская группа целиком перебралась в Лондон, да, по инициативе Джона Пила – легендарного диск-жокея. А вы знаете, кстати, как Джон Пил услышал и увидел первый раз группу "The Misunderstood"? Он их увидел играющими на открытии какого-то торгового центра в Калифорнии в 1965 или 1966 году. Видите, как, у нас все-таки есть такой стереотип устойчивый, что настоящие рок-музыканты играют в залах, на стадионах, ну, в клубах, в пабах, в общем, в такой вот рок-н-ролльной обстановке. Вы знаете, ничего подобного, даже самые такие прожженные рокеры, и даже уже не сегодня – сегодня, конечно, все это размылось, а даже на заре рок-музыки, в начале, в середине 60-х годов, многие рок-музыканты, да практически все, играли не только в специфических рок-н-ролльных заведениях, и, вы знаете, у нас есть такая расхожая идиома, среди наших музыкантов, вот на вопрос: "А где вы играете?" – люди часто отвечают: "Да куда позовут – играем на свадьбах, на днях рождениях", вот такая идиома – "играем на свадьбах и днях рождениях". И должен вам сказать, я много общался с британскими рок-музыкантами, и со многими музыкантами старшего поколения, которые начинали рок-музыку в Англии. Так вот, они все, практически все говорят, что в середине 60-х никто не брезговал такими мероприятиями – всяческими корпоративными, семейными праздниками, и, естественно, играли и на днях рождения у всех своих друзей, и не только, и на свадьбах, на всех подобных таких увеселительных мероприятиях, это все здорово кормило людей. Ну да, в дальнейшем, когда многие из них перешли уже в большие залы, то они отказались от этого. А, между прочим, многие не отказываются до сих пор, и спросите у жителей Рублевки, вообще, кого они слушают там в свои уикенды – они вам много чего интересного расскажут. Вот таким образом в 1969 году уже в Англии три человека из "The Misunderstood", из калифорнийской группы, во главе со своим лидером Гленном Кэмпбеллом стали группой "Juicy Lucy". Ну, об этом впереди, и поподробнее. Давайте послушаем песню с первого альбома группы "Juicy Lucy", он так и назывался, 1969 год, песня называется "Mississippi Woman". ( Звучит песня "Mississippi Woman".) АРУТЮНОВ: Это была "Mississippi Woman" с первого альбома "Juicy Lucy" 1969 года. Ну, согласитесь, вряд ли кто-нибудь в Англии тогда звучал так по-американски, я бы сказал, так по West Coast-овски, как "Juicy Lucy", но это было у них только на первом альбоме, пожалуй, вполне такой вот, за исключением вот этой вставочки саксофонной, такой тангообразной, все остальное вполне смахивает на "Steppenwolf", ну, и на другие группы West Coast того времени. Но давайте вернемся немного еще к группе "The Misunderstood", предтече "Juicy Lucy". Между прочим, в Америке в 1965 году на счету этой группы было уже два сингла, а следующие синглы этой группы были уже в Англии. Как мы уже с вами знаем, летом 1966 года группа по инициативе Джона Пила в полном составе перебралась в Лондон, и очень быстро подписала контракт с фирмой "Fontana", могучей фирмой тогда. В период с 1967 по 1968 годы "The Misunderstood" выпустили четыре сингла, и надо сказать, что они весьма и весьма высоко котировались в Лондоне в то время, на тех же сценах, на которых тогда котировались уже Джими Хендрикс, предположим, и "Pink Floyd", то есть на сценах андерграундных, таких, психоделических клубов. Группа "The Misunderstood" привлекала к себе внимание своим буйным, надо сказать, шоу по тем временам, и они как раз были в авангарде всяческих психоделических и музыкальных, и визуальных новаций. Одну штуку они делали такую, которую никто не делал до них, по-моему, и после тоже не особо. Их лидер, тот самый Гленн Кэмпбелл, делал вот что: он подключал к гитарному своему усилителю фару от автомобиля, и таким образом фара реагировала на все звуки, которые издавала гитара, в общем, это, конечно, надо себе представить, производило сильнейший эффект на публику. Одним словом, группа "The Misunderstood" – это ныне один из мифов британской рок-сцены, это одна из групп, которая, не выпустив ни одного лонгплея, так сказать, при жизни и ограничившись только сорокапятками, вошла в рок-мифологию, ну, вот много очень таких примеров, предположим, группа "Bow Street Runners", в которой начинали будущие "Fleetwood Mac" и "Patto", вообще таких групп очень много. Сегодня это особенно в рок-мифологии ценно, вот такие команды. Ну так вот, постепенно американская группа "The Misunderstood", жившая в Лондоне, начала превращаться в английскую, уже, так сказать, по своему национальному, что ли, составу, и таким образом на позднем этапе "The Misunderstood" там играли Крис Мерсер – саксофонист, и Нейл Хаббард – гитарист, это уже ребята из местных, из англичан. Они вместе с Гленном Кэмпбеллом и оформили ядро будущих "Juicy Lucy". В 1969 году эти трое решили создать новую команду, и начали искать музыкантов в свой новый проект. Потихонечку музыканты появлялись, и когда появился певец, в октябре 1969 года группа "Juicy Lucy" стартовала. Певцом был Рэй Оуэн, темнокожий, внимание – англичанин, ну Юра уже об этом сказал. Но человек с любопытной, может быть, трагической судьбой. Сведений о его родителях в анналах истории не сохранилось, просто потому, что он был подкидышем. Ну, Рэй Оуэн – это, может быть, не столько вокалист, как вы уже успели, наверное, расслышать, сколько такой эксцентричный рок-музыкант, вот так я бы сказал. Однажды он попал на какой-то фестиваль бесплатно таким образом: он взял с собой гитару, окружил себя толпой каких-то своих друзей, и их пропустили, знаете, почему? Потому что Рэй Оуэн был похож на Джими Хендрикса, его приняли за Джими Хендрикса. Давайте слушать песню из их второго альбома 1970 года, альбом назывался "Lie Back and Enjoy It", а песня называется "Built for Comfort", ну, многие из вас узнали – это песня Уилли Диксона, один из самых главных блюзовых стандартов, особенно того времени в Англии. ( Звучит песня "Built for Comfort".) АРУТЮНОВ: Это была "Built for Comfort", версия знаменитой песни Уилли Диксона, ну, вы, конечно, услышали, здесь поет уже другой человек – здесь уже поет вокалист с большой буквы, Пол Уильямс, скоро мы о нем пару слов скажем отдельно. Вообще, конечно, постоянная текучесть кадров – это такой родовой признак группы "Juicy Lucy", ну, собственно, и некоторых других британских групп того времени. Еще одной отличительной особенностью группы "Juicy Lucy", и тоже, наверное, не самой положительной, была очень скупая доза собственного материала. Они, надо сказать, мало писали, особенно вот тогда, на том этапе, и, наверное, этот аспект, а также вышеупомянутый насчет текучки кадров, были причинами неудавшегося прорыва "Juicy Lucy" в высшую лигу британского рока. Ну, здесь надо сказать, что я не очень люблю вот это понятие – "высшая лига", "вторая", "третья". Все это очень условно, и коль скоро мы сегодня говорим об этой команде, то уже она была в нужной лиге, просто я имею в виду, наверное, какие-то здесь очевидные такие, коммерческие, что ли, достижения. Этим группа была, к сожалению, обделена. С другой стороны, вот то, что группа много не играла своего материала, приводило к тому, что, естественно, группа играла много чужого материала, так вот, это она делала великолепно. Достаточно вспомнить их потрясающие кавер-версии таких песен, как "Mr. Skin", это песня группы "Spirit", или такой песни, как "Willie the Pimp" небезызвестного Фрэнка Заппы, и многих других рок-песен, подчеркиваю. Конечно, "Juicy Lucy" играли изрядно блюзовой классики, ну, собственно, как и любая группа их окружения, их времени, но обращаю ваше внимание – они очень быстро подхватывали вновь появлявшиеся тогда рок-хиты, и быстрее многих понимали, что появлялась рок-классика, один такой пример у нас впереди. Итак, в 1969 году образовавшись, группа очень быстро записала свой первый альбом – "Juicy Lucy". Альбом вышел на знаменитой ныне и тогда еще начинавшейся британской фирме "Vertigo", на "спиральном" лейбле, лейбле со спиралью, ну, завзятые коллекционеры винила меня поймут, это сейчас является предметом гордости коллекционеров – пластинки, выпущенные вот на этой "спиральке", как они это называют. Украшением первого альбома была их версия, еще одна кавер-версия знаменитого блюза Бо Диддли, быстрого блюза "Who Do You Love?" Ну, я надеюсь, вы распознали эту песню в начале нашей сегодняшней программы, и надо сказать, что это их единственный успех в песенных списках, она вышла и на сингле тоже, эта песня. Второй альбом вышел на той же фирме "Vertigo" в 1970 году, он назывался "Lie Back and Enjoy It", ну, мы только что оттуда песню слушали. На втором альбоме появились новые лица в составе "Juicy Lucy", ну вот начиналась та самая кадровая свистопляска. Из группы "Tramline" пришел гитарист, специалист по слайдовой гитаре, который очень быстро завоевал репутацию одного из лучших слайд-гитаристов Англии – Микки Муди, ну, эта фамилия нашим любителям рок-музыки хорошо знакома. Барабанщиком стал Род Кумбс, и, наконец, появился этот самый вокалист Пол Уильямс. Появился так: саксофонист "Juicy Lucy" Крис Мерсер, чьи очень убедительные соло мы уже прослушали в двух предыдущих песнях, вспомнил, что когда он играл до "Juicy Lucy" у Джона Мэйолла, между прочим, в "Bluesbreakers", там в то же время играл бас-гитарист Пол Уильямс, поющий бас-гитарист, но петь он у Джона Мэйолла не мог, потому что у Джона Мэйолла может петь только сам Джон Мэйолл. Но, тем не менее, Крис Мерсер запомнил его хороший вокал, и порекомендовал своим друзьям этого певца. Таким образом, Пол Уильямс появился в составе "Juicy Lucy", на бас-гитаре здесь он уже не играл, и в дальнейшем он уже прекратил это дело, он в дальнейшем стал профессиональным певцом. На бас-гитаре в "Juicy Lucy" играл Кит Эллис. Давайте слушать следующую песню, это будет песня из их третьего альбома, альбом назывался "Get a Whiff a This", песня "Midnight Rider", 1971 год, эту песню написал Грэг Оллмэн, ну, это все к разговору о том, что "Juicy Lucy" здорово подхватывали вновь появлявшуюся тогда рок-классику. "Midnight Rider". (Звучит песня " Midnight Rider ". ) *** АРУТЮНОВ: Это была песня "Midnight Rider", 1971 год, их версия знаменитой песни группы "Allman Brothers Band". Итак, на третьем альбоме "Juicy Lucy", который назывался "Get a Whiff a This" из оригинальных участников группы оставались только Гленн Кэмпбелл и Крис Мерсер. Третий альбом "Juicy Lucy" вышел уже на не менее ныне легендарной фирме "Bronze", тогда тоже эта фирма только начинала свою бурную деятельность, "Colosseum" на ней издавались. В группу тогда пришел новый бас-гитарист Джим Левертон. Четвертый альбом назывался "Pieces", вышел в 1972 году на все той же фирме "Bronze". Вот на этом четвертом альбоме, я вас поздравляю, уже никого из оригинальных участников "Juicy Lucy" не было. На нем пел все тот же Пол Уильямс, он со временем стал лидером группы, играл на гитаре все тот же Микки Муди – еще один лидер группы, и новая ритм-секция появилась, из группы "Blodwyn Pig" Мика Абрахамса – драммер Рон Берг и бас-гитарист Энди Пайл. После четвертого диска группа "Juicy Lucy" распалась. Гленн Кэмпбелл, побыв некоторое время еще в Англии у Джо Кокера, вернулся домой, на свой этот West Coast, а дальше, ну, я думаю, а справке о нем Юра пару слов скажет. Певец Пол Уильямс ушел в группу "Tempest", об этом тоже пару слов впереди. После группы "Tempest", недолгого пребывания там, он записал и любопытный диск, я думаю, что это один из первых в истории рока таких тематических кавер-лонгплеев – он записал свои версии песен Роберта Джонсона, одного из отцов блюза. Весьма любопытная пластинка, ну, помните, вот тогда еще, по-моему, в 1969 году "Hollies" выпустили тоже тематический кавер-лонгплей, там они пели песни Боба Дилана, тогда это было в диковинку. Гитарист Микки Муди же после "Juicy Lucy" ушел делать хард-роковую группу "Snafu", но тогда это был вполне передовой шаг, хард-рок в Англии уже начался, но отнюдь не сформировался как такой массовый тренд. Ну давайте сейчас послушаем песню из последнего на тот момент альбома группы "Juicy Lucy", он назывался "Pieces", 1972 год, песня называется "Cuckoo". (Звучит песня " Cuckoo ".) АРУТЮНОВ: Это была песня "Cuckoo" с их последнего альбома 1972 года, последнего – я имел в виду, классического альбома. Ну, слышали, здесь такие родовые признаки группы "Juicy Lucy" позднего этапа – великолепную слайд-гитару Микки Муди и вокал Пола Уильямса? Обратили ли вы внимание, что все три предыдущих прослушанных нами песни он поет разными звуками немного, такой немножко хамелеонистый был певец, но свое дело знал туго, конечно. А теперь вторая историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: Для карьеры steel-гитариста Гленна Кэмпбелла провал "Misunderstood" обернулся новым, гораздо более продуктивным этапом. Его манера игры на гитаре практически не имела аналогов на рок-сцене того времени, и музыкант не испытывал недостатка в интересных предложениях. В 1969-м новыми компаньонами Кэмпбелла стали чернокожий британец Рэй Оуэн у микрофона и саксофонист и клавишник Крис Мерсер, а чуть позже состав был доукомплектован басистом Китом Эллисом, барабанщиком Питом Добсоном и гитаристом Нейлом Хаббардом. Свое название новоиспеченная группа позаимствовала у персонажа романа "Virgin Soldiers" популярного английского писателя Лесли Томаса. Молодой группе повезло прославиться, едва собравшись. В первую очередь, этому способствовал успех дебютного сингла "Juicy Lucy". Их версия шедевра Бо Диддли "Who Do You Love?" уверенно ворвалась в британскую двадцатку. Кроме того, скандальной славы команде добавила смелая обложка дебютной пластинки, на которой было достаточно буквально проиллюстрировано название группы. Несмотря на моментальный успех, обстановка в коллективе была напряженной, и первым группу покинул фронтмен Рэй Оуэн, решивший начать сольную карьеру. Его уход стал заразительным примером для остальных музыкантов, и к 1971 году состав "Juicy Lucy" поменялся не один раз. Все это время группа продолжала выступать и записываться, однако повторить чартовый успех дебютного альбома музыкантам не удавалось. В результате в 1972-м ушли и основатели коллектива Кэмпбелл и Мерсер, а сама группа, просуществовав по инерции еще год, тихо распалась. АРУТЮНОВ: А что же имел в виду Юра в своей справке, когда говорил о буквальной иллюстрации названия группы? "Juicy Lucy" – это исторический персонаж, вернее, персонаж исторического романа, в котором шла речь о жизни британского воинского контингента ближе ко Второй мировой войне, в 30-е годы в Гонконге. Молодые британские солдаты тогда крепко дружили с местной женщиной легкого поведения, ее звали Джуси Люси, и вот, значит, ансамбль, мало того, что взял это название – он еще и так буквально отобразил его на своей первой пластинке. Там обнаженная женщина, ну, имелась в виду, наверное, Джуси Люси, лежит в куче всяческих всевозможных фруктов, и даже, может быть, овощей. Итак, "Juicy Lucy" распались в 1972 году, и их вокалист Пол Уильямс пошел в группу "Tempest". Это – признание его вокального уровня. Группа "Tempest" – это такой вот осколок "Colosseum", в группе "Tempest" играли барабанщик и басист "Colosseum" Джон Хайсман и Марк Кларк, и музыка достаточно была такая "Colosseum"-образная, ну, там, может быть, без джаз-роковых каких-то излишеств, тем не менее, в этой группе, в группе "Tempest", на гитаре дебютировал будущая звезда джаз-рока Алан Холсуорт. Так вот, почему я сказал, что это подтверждение уровня Пола Уильямса? Потому что он, Пол Уильямс, как бы был заменой Крису Фарлоу – певцу "Colosseum", и он сдюжил, надо сказать, я бы вам посоветовал эту пластинку, может быть, не в рамках этой программы, а так вот, как бы факультативно. Но, вы знаете, честно говоря, так по-человечески признаюсь, просто очень хочется, чтобы вы послушали группу "Tempest", тем более, это в тему. Поет Пол Уильямс, группа "Tempest", 1973 год, их первый альбом, который так и назывался, песня называется "Strangeher". (Звучит песня группы " Tempest " " Strangeher ".) АРУТЮНОВ: Ну вот, таким образом мы с вами прослушали, по меткому выражению Юрия Новгородского, образец "блюзового кубизма". Это не "Juicy Lucy", это была группа "Tempest", в которой пел Пол Уильямс. Давайте вернемся к "Juicy Lucy". Когда я думаю об этой команде, я в первую очередь думаю вот что: это часть генеалогии британского рока, вот если представить себе генеалогическое древо британского рока, то мы видим, так сказать, основной ствол, такой мощный, от него мощные ветви, и одна из этих мощных ветвей – это и есть "Juicy Lucy", и, в свою очередь, эта мощная ветвь – она произрастает из основного ствола, и дает какие-то новые тоненькие веточки, которые со временем стали мощными тоже в свою очередь. Вот теперь я поясню эту метафору. Я имею в виду, что музыканты группы "Juicy Lucy" весьма котировались, во-первых, сами по себе, и почти все из них имели серьезную биографию и до, и главное – после группы "Juicy Lucy". Судите сами. Ну, как мы уже с вами знаем, Гленн Кэмпбелл – гитарист и основатель группы, еще до "Juicy Lucy" прославился в составе "The Misunderstood". Другой гитарист "Juicy Lucy", Нейл Хаббард, уже был известен до нее участием в таких командах, как "Bluesology", лидером которой был Лонг Джон Болдри, и также он играл у Грэма Бонда, и, между прочим, он играл в оригинальном саундтреке рок-оперы "Jesus Christ Superstar", что, естественно, особо дорого нашим любителям рок-музыки. После "Juicy Lucy" Нейл Хаббард стал весьма заметным сессионным музыкантом, он еще одно время играл в группе "Grease Band", которая, в свою очередь, обслуживала Джо Кокера на определенном этапе. Саксофонист Крис Мерсер до "Juicy Lucy" играл, я уже это говорил, у Джона Мэйолла на знаменитом диске "Crusade" 1967 года. Ну, то есть он участвовал в золотом периоде Джона Мэйолла и его "Bluesbreakers". После "Juicy Lucy" Крис Мерсер стал тоже весьма востребованным сессионным музыкантом. Басист Джим Левертон, был и такой бас-гитарист у "Juicy Lucy", до "Juicy Lucy" играл в группе "Fat Mattress", два альбома он с ними записал, эта группа известна тем, что ее лидером был Ноэл Рединг – бас-гитарист Джими Хендрикса, и Ноэл Рединг тогда – он, в общем-то, по рождению гитарист, и он тяготился бас-гитарой, так что Джим Левертон очень ему помогал, Рединг перешел на гитару тогда и пел. И после "Juicy Lucy" Джим Левертон играл… с кем он только не играл. Он играл и в "Savoy Brown", и у Стиви Мэриотта, и со многими-многими другими, короче говоря, звездами британского блюза и рока он играл, этот самый Джим Левертон. Барабанщик Род Кумбс, уйдя из "Juicy Lucy", попал в гигантов прог-музыки, группу "Strawbs", и после этого еще играл у Джерри Рафферти в его знаменитой группе "Stealers Wheel". Я отдаю себе отчет в том, что я вас немножечко сейчас так подгружаю фамилиями и именами, но мы с вами говорим, не забывайте, о генеалогии британского рока, здесь нам без фамилий и имен никак не обойтись. Еще один бас-гитарист из "Juicy Lucy", Кит Эллис, после этой группы играл в группе "Boxer", в которой пел Майк Пэттоу, теперь нам с вами хорошо знакомый, и даже этот самый Кит Эллис играл в составе гигантов британского прога – в группе "Van der Graaf Generator", и, вы знаете, трогательный факт: Питер Хэммилл, знаменитый лидер "Van der Graaf", написал небольшую книгу, которую посвятил Киту Эллису, она называлась "Not for Keith". Дело в том, что Кит Эллис рано умер, он умер на гастролях в Германии в 1978 году. Ну, и наконец, знаменитый слайд-гитарист Микки Муди – я думаю, что этот человек больше всего известен нашим любителям рок-музыки, поскольку участвовал в группе "Whitesnake". Вообще, я думаю, что Микки Муди коллекционировал в своей карьере лучшие британские голоса. В свое время он играл с такими певцами, как Грэм Боннет, ну, тот же Дэвид Кавердейл, и с Роджером Чэпменом – опять же, нашим с вами старым другом. Ну, я думаю, что свою коллекцию лучших британских голосов Микки Муди начал еще в 60-е годы, в середине 60-х, вспомните, мы об этом с вами упоминали – он еще в школьной группе играл с неким певцом Полом Роджерсом. Ну, и завершает эту подборку Пол Уильямс – вокалист "Juicy Lucy". Этот человек, ну, я не знаю, был ли он звездой, но, во всяком случае, был очень уважаемым музыкантом задолго до "Juicy Lucy". Свою карьеру, тогда еще бас-гитариста, он начал в 1964 году в группе Джорджи Фэйма. Видите, все сплошь и рядом знакомые лица. От Джорджи Фэйма он пошел к другу Джорджи Фэйма – он пошел в группу "Zoot Money’s Big Roll Band", и он был с Зутом Мани в 1965-1967 годах, и участвовал в их первых двух альбомах. Это все не просто так я упоминаю, вот эти вот первые альбомы группы Зута Мани "Bog Roll Band" – это все такая редчайшая на сегодня на виниле классика британского джаз-блюза того времени. Ну, и затем, вот мы уже с вами знаем, Пол Уильямс еще в качестве бас-гитариста пошел к Джону Мэйоллу, а оттуда уже он шагнул в "Juicy Lucy", и дальше – в историю британского рока. Конечно, Пол Уильямс – один из видных певцов британского рока, давайте в этом еще раз убедимся, послушаем поздний вариант "Juicy Lucy". Их пластинка 1996 года, она называлась "Blue Thunder", песня называется "Give Me the News". ( Звучит песня "Give Me the News".) АРУТЮНОВ: Это была песня "Give Me the News", поздние "Juicy Lucy", в которой вполне, тем не менее, явственно слышны их самые яркие признаки – вокал Пола Уильямса и слайд-гитара Микки Муди. Последняя историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: Распад "Juicy Lucy" не помешал ее участникам с успехом продолжить свой путь. Гленна Кэмпбелла тут же взял в свой концертный состав Джо Кокер, давно положивший глаз на этого уникального гитариста. В дальнейшем к сессионным услугам Кэмпбелла прибегали многие заметные артисты, среди которых рокер Сэмми Хэгер и блюзмен Род Пьяцца, а в последнее время музыкант живет в Новой Зеландии, где играет в собственной группе. Среди "выпускников" "Juicy Lucy" можно упомянуть и оригинального гитариста Нейла Хаббарда, продолжившего карьеру у Брайана Ферри, и его коллегу Мика Муди – впоследствии участника первого состава "Whitesnake", а также знаменитого барабанщика Рода Кумбса. В 90-х экзотический оригинальный фронтмен "Juicy Lucy" Рэй Оуэн, основавший в 70-х собственную группу "Moon" и пропавший из виду к концу десятилетия, решил возродить материнский коллектив. Уладив юридические проблемы с остальными участниками команды, Оуэн получил право на название, и набрал совершенно новый состав, который в 90-х и 2000-х активно гастролировал по Англии и Германии, и даже записывал пластинки. Сегодня, однако, здоровье практически не позволяет Оуэну подниматься на сцену, а под вывеской "Juicy Lucy" по английским пабам разъезжает его аккомпанирующий бэнд. Наконец, не меньший исторический и особенно эстетический интерес представляет и та версия реюниона "Juicy Lucy", которую в 1996 году представили ветераны группы – вокалист Пол Уильямс и гитарист Мик Муди. Записанная ими с участием звезд британской сцены пластинка оригинального материала "Blue Thunder", самым достойным образом продолжила большое блюз-роковое дело "Juicy Lucy". АРУТЮНОВ: Тут же вдогонку Юриной справке пару слов. Он сказал, что пластинка 1996 года была записана с участием ведущих музыкантов там, короче говоря, на ней играли Энди Саммерс из "Police" и Мик Тейлор из "Rolling Stones". И, вы знаете, это очень удачная работа, удачная в первую очередь тем, что там просто реально сильные песни. Редчайший случай для "Juicy Lucy", помните, да, они редко это делали – писали вообще свои песни, а тут еще свои, да еще и сильные. Я надеюсь, предыдущая песня вас в этом убедила, и, конечно же, я вам сейчас буду эту пластинку рекомендовать. Прямо сейчас я вам ее и рекомендую, напоминаю, она называлась "Blue Thunder", 1996 год. Ну, а из ранних "Juicy Lucy" я бы посоветовал "Get a Whiff a This" 1971 года. Заканчиваем программу песней "Win or Loose". Это была программа о группе "Juicy Lucy" из Великобритании. Пока! (Звучит песня " Win or Loose " .) 55:22 no http://finam.fm/archive-view/5762/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 17.03.2012   ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: We’re An American Band Got This Thing on the Move Country Road No Lies Rain Keeps Fallin’ Responsibility Rock & Roll Soul НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Grand Funk - 1970 Phoenix - 1972 We’re an American band - 1973 АРУТЮНОВ: Я приветствую всех слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM" радио. Я – автор и ведущий этой программы Николай Арутюнов, приветствую всех с особым настроением, с особым воодушевлением. Дело в том, что сегодня у нас с вами праздник, сегодня у нас с вами юбилей – 150-й выпуск нашей программы. Я уже привык говорить "нашей", потому что, ну да, мы с Юрием Новгородским и нашими коллегами делаем эту программу, но делаем ее для вас, и когда я что-нибудь говорю и вы слышите мой голос в своих приемниках, вы должны знать, что я представляю вас, как бы вижу вас, и считаю вас, в общем-то, в какой-то степени соавторами этой программы, во всяком случае, вы люди, для которых все это делается, и где-то даже считаю вас участниками диалога, и благодарен вам за ваши отклики, за вашу поддержку, вижу все, что вы пишете, к сожалению, вот диалог в прямом смысле этого слова не могу... ]]> Sat, 17 Mar 2012 12:05:00 +0400 "Grand Funk Railroad" В студии: Николай Арутюнов ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: We’re An American Band Got This Thing on the Move Country Road No Lies Rain Keeps Fallin’ Responsibility Rock & Roll Soul НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Grand Funk - 1970 Phoenix - 1972 We’re an American band - 1973 АРУТЮНОВ: Я приветствую всех слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM" радио. Я – автор и ведущий этой программы Николай Арутюнов, приветствую всех с особым настроением, с особым воодушевлением. Дело в том, что сегодня у нас с вами праздник, сегодня у нас с вами юбилей – 150-й выпуск нашей программы. Я уже привык говорить "нашей", потому что, ну да, мы с Юрием Новгородским и нашими коллегами делаем эту программу, но делаем ее для вас, и когда я что-нибудь говорю и вы слышите мой голос в своих приемниках, вы должны знать, что я представляю вас, как бы вижу вас, и считаю вас, в общем-то, в какой-то степени соавторами этой программы, во всяком случае, вы люди, для которых все это делается, и где-то даже считаю вас участниками диалога, и благодарен вам за ваши отклики, за вашу поддержку, вижу все, что вы пишете, к сожалению, вот диалог в прямом смысле этого слова не могу поддерживать, я уже об этом говорил, но ощущаю вас, вашу отдачу, вашу заинтересованность, и разбиваюсь в лепешку, можно сказать, для вас, собственно говоря, да и для себя тоже, а, наверное, в результате – для музыки, для этой музыки, для музыки рок, которую мы с вами любим. Так что 150-й выпуск, праздничный выпуск начинается. И, насколько я помню, юбилейные наши программы были ознаменованы разговорами о не таких уж раритетных исполнителях, 50-й выпуск был о "Kinks", 100-й выпуск был о Дэвиде Боуи, и, я думаю, что эту традицию я сегодня поддержу, поговорю с вами о группе, которую, я знаю точно, очень и очень многие люди у нас любят, любят до сих пор, но так же точно я знаю, что она подходит нам по формату, потому что, пожалуй, эта группа, как никакая другая, потеряла в популярности у нас в стране по сравнению с 70-ми годами. Сегодня мы будем говорить о группе "Grand Funk Railroad" из США. ( Звучит песня "We’re An American Band".) АРУТЮНОВ: Ну, эту песню, конечно, очень многие из вас знают, ну что говорить, эта песня, как и другие песни группы "Grand Funk Railroad" или просто "Grand Funk" – это, конечно же, гимны поколения, нашего с вами поколения. К сожалению, нынешнее поколение, нынешняя молодежь вряд ли может о себе так сказать, и у них, наверное, какие-то другие гимны, тоже хорошие, но, согласитесь, не помешают им наши с вами гимны, грэндфанковские, верно? Вообще-то надо сказать, вспоминая 70-е годы, группа "Grand Funk" тогда была едва ли не самой популярной, я это все очень хорошо помню. Это начало 70-х, середина 70-х, начало эры хард-рока, уже "Beatles", Джими Хендрикс, "Rolling Stones" и некоторые другие герои 60-х уступили массовую популярность новым хард-роковым командам того времени. Ну, джентльменский набор не мне вам напоминать: "Deep Purple", "Uriah Heep", "Led Zeppelin", "Black Sabbath". А "Grand Funk" – то, что они не уступали в популярности эти командам – это я зуб на отсечение, то есть зуб на вырывание, голову на отсечение, и на рельсы, и все такое прочее, в общем, все это я даю. Это я все очень хорошо помню. Мало того, что их все слушали тогда, и хорошо знали и любили – под них танцевали тогда, и практически все андерграунд-группы в Москве играли или немного, или очень много песен "Grand Funk", я помню даже команды, которые на этом специализировались, и люди, может быть, еще тогда не очень умели петь, и высокие ноты пели, или вообще всю вокальную партию Марка Фарнера пели фальцетом. Тогда, в общем, ну, все это было довольно непритязательно, и никто особо ни во что не вникал, просто все было весело, начиналась новая эра, появилась новая музыка. "Grand Funk" было удобно еще играть андерграундным командам просто потому, что это было трио, ну, в начале своей карьеры, и в Москве очень многие музыканты играли их материал, потому что это было достаточно доступно – достаточно доступно, подчеркиваю. Можно было обойтись и без клавиш, "Deep Purple" без клавиш-то не сыграешь. Скажу больше, даже ансамбль "Лига блюза" на заре своей деятельности отдал дань "Grand Funk", ну, в основном по инициативе Бориса Булкина, но, кстати, я ничего не имел против, а даже был очень "за", и, насколько я знаю, Боря до сих пор играет песню "Loco-Motion", но это не совсем "Grand Funk", но это их, так сказать, версия знаменитая. И еще парочку песен он играет, во всяком случае, Борис молодец, он не изменяет своим принципам, и до сих пор любит "Grand Funk", и, в общем-то, я могу под этим тоже подписаться, и мы, я помню, так выходили, выбегали, и начинали месить там "Got This Thing on the Move" – следующая песня нашей программы, между прочим. И даже мы играли, вот сейчас смешно – мы даже играли песню "We’re an American band", и даже в те годы мы придумали такую конспиративную уловку – мы пели эту песню так: ""We are a rock’n’roll band", ну не могли же советские музыканты петь, что они американцы. Одним словом, эта группа сегодня видится, как реальный символ 70-х, мне, во всяком случае, да я думаю, что не только мне. Вспомните недавний фильм, очень симпатичный фильм Гарика Сукачева "Дом солнца", недаром же там Гарик в качестве основной темы выбрал песню "Grand Funk" "Mean Mistreater". Я думаю, что очень много народа того поколения до сих пор носит где-то у сердца или в самом сердце музыку "Grand Funk". Вы знаете, вот в 70-е годы не знать "Grand Funk" – это было невозможно в среде мало-мальски такой прогрессивной, и там самым ходовым разговором был, предположим, такой: "А какая у тебя любимая песня "Grand Funk" с альбома, предположим, "Closer to Home"? Или: "Какой твой любимый диск?" А сегодня мне приходилось несколько раз слышать такой примерно разговор: "Слушай, а говорят, была в 70-е годы какая-то хорошая командочка, "Grand Funk"? Так что не так уж и далеки они от нашего основного формата, и, конечно, выросло целое поколение людей, кто знает об этой команде крайне мало или вообще ничего не знает. Ну, посильно сегодня мы этот пробел постараемся восполнить. Ну, и, наконец, тем ярым любителям "Grand Funk", которые считают, что "Grand Funk" и без того у нас здорово знают, ну, они-то знают, это понятно, да – вот этих людей я бы так с горечью отослал к недавнему концерту в Москве Марка Фарнера. Я был на этом концерте, и, конечно, очень был расстроен. Концерт проходил в огромном клубе, там на 3000 мест, наверное, а то и больше, и в зале было, ну, максимум – 1000 человек. Я был оскорблен в лучших чувствах, потому что по моим ощущениям, это должно было быть какое-то, ну, событие года, по меньшей мере, то есть никогда никто из "Grand Funk" не был в Москве, и мне казалось, что этого события так же, как и я, ждут тысячи людей. Нет, дорогие друзья, к сожалению, все было отнюдь не так. Звучало все ужасно, и я поймал себя тогда, помню, на мысли, что зале есть люди, которые открывают для себя музыку "Grand Funk", ну, в лице Марка Фарнера, и эти люди, я так понимал, что вообще ничего не поняли, и тем более уж они не поняли величия происходящего. А Марк Фарнер был, в общем-то, в неплохой форме, но, конечно, это, наверное, 40 лет назад звучало убедительнее, но, тем не менее, вполне такой кондиционный артист, и вполне драйвовый, и он-то как раз вел себя празднично, для него это было событие – он впервые был в Москве. Но, и, к сожалению, это было событием только-только для тех, кто был в зале, и тогда-то я понял, что – "Да, надо сделать программу о "Grand Funk". Хотя я не думаю, что она что-то решающим образом изменит. Ну ладно, это уже не мой вопрос, вот я хочу сегодня говорить о "Grand Funk" с вами, и уверен, что вам это нужно. Давайте слушать песни, следующая песня, как я и обещал, "Got This Thing on the Move" со второго альбома 1970 года, который так и назывался – "Grand Funk". ( Звучит песня "Got This Thing on the Move".) АРУТЮНОВ: Сотни раз я слушал эту песню, и сотни раз она меня неизменно приводила и до сих пор приводит в восторг. "Got This Thing on the Move". Собственно, в восторг меня приводят и другие песни сегодняшней программы, и я прошу ярых любителей "Grand Funk" иметь в виду, что сегодня не прозвучат "Are You Ready", "Heartbreaker", "I’m Your Captain", "Footstompin’ Music", "Walk Like A Man", "Shinin’ On", "Some Kind of Wonderful", и многие-многие другие песни, и, пожалуйста, не думайте, что я эти песни люблю меньше вас, но просто нет возможности слушать все, у "Grand Funk" этих песен вагон и маленькая тележка. Первая историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: Один из главных в истории генераторов настоящего рок-н-ролльного драйва, ансамбль "Grand Funk Railroad" замечателен не только своей уникальной смесью гаражной эстетики и крепких ритм-энд-блюзовых корней, но и тем, что еще в конце 60-х возглавил немногочисленную когорту американских хард-роковых команд. Тогда безусловными законодателями и лидерами всевозможных форм утяжеленного блюза были англичане, и группа "Grand Funk", отчасти переняв опыт заокеанских коллег, помогла американской сцене со временем выработать свой, оригинальный хард-роковый почерк. Основатель, лицо, голос и энергетический центр команды, певец и гитарист Марк Фарнер родился там, откуда звезды даже в урожайные 60-е происходили совсем не часто. Город Флинт, штат Мичиган, в начале 60-х был известен как один из центров американской автомобильной индустрии, и суровый промышленный пейзаж сыграл не последнюю роль в том, что Марк с ранних лет мечтал о большой сцене. В девять лет потеряв отца, Марк рос трудным ребенком, однако со временем его подростковое буйство нашло применение – молодой человек не на шутку увлекся гитарой. Школа, игра на тубе и футбол моментально остались в прошлом, а первой серьезной группой Марка стал знаменитый региональный коллектив "Terry Knight and The Pack". Эта группа вряд ли могла претендовать на национальный успех, и довольно скоро распалась, однако свою историческую миссию выполнила. Именно в этом составе Марк Фарнер нашел первого компаньона по будущим "Grand Funk" – барабанщика Дона Брюэра. АРУТЮНОВ: Ну и, между прочим, хочу прицепиться к концовке исторической справки и к ее зачину, и поспорить с Юрием Новгородским. Я бы сказал, что Марк Фарнер – это не энергетический центр "Grand Funk", а это один из энергетических центров, потому что там был тот самый Дон Брюэр – это тоже, конечно, бешеный совершенно музыкант. Ну а так, конечно, я всегда согласен с Новгородским. От себя лишь добавлю, что, вообще-то, юный Марк ориентирован был на футбол, американский футбол, и наше с вами счастье, извините, жестко по отношению к Фарнеру скажу, что он получил серьезную травму колена, и тогда от безделья засел с гитарой. И еще хочу добавить, до вот этих самых "Terry Knight and The Pack", Марк Фарнер в нескольких местных ансамблях пробовал свои силы, в одном из них – в ансамбле "The Bossmen", встретился с Диком Вагнером, ну, об этом музыканте мы несколько раз упоминали там в контексте Лу Рида, помните, этот человек еще играл с Элисом Купером, в общем, это один из таких лучших гитаристов Америки начала 70-х. А так – да, значит, все начиналось в этой "Terry Knight and The Pack", Терри Найт – это тогда уже местная знаменитость в городе Флинт, он уже потом и в соседний Детройт наведывался, он тогда работал диск-жокеем на нескольких радиостанциях, и, надо сказать, проповедовал музыку, из которой вскоре как раз-то "Grand Funk" и вытекли – он ставил в своих эфирах в основном британский рок, причем в основном такой жесткий британский рок, ну, насколько это было возможно в середине 60-х – он ставил "Animals", "Stones", "Yardbirds", и вот такого рода всю музыку. Ну и, естественно, Терри Найт пел, и сделал эту группу "The Pack". И в этой группе встретились Дон Брюэр и Марк Фарнер, и ненадолго там же еще и появлялся в свое время Крэйг Фрост – будущий клавишник "Grand Funk". Ну ладно, значит, вот ушли Дон Брюэр и Марк Фарнер от Терри Найта, сделали они группу "Grand Funk", взяли на бас-гитару Мэла Шекера, но вначале дела пошли неважно, и они нуждались в хорошем менеджменте. Ничего лучшего не нашли, как обратиться все к тому же Терри Найту, а он уже тогда там обитал в сферах, уже в Нью-Йорке, в общем, Терри Найт согласился быть их менеджером, продюсером, директором, и вообще начальником Вселенной, то есть он, действительно, поставил жесткие условия: он будет главным. И, собственно говоря, до 1973 года так все и происходило. Но, вы знаете, это была очень удачная находка для "Grand Funk", Терри Найт был очень изобретательным парнем, очень креативным менеджером. Достаточно сказать, что он придумал на заре карьеры "Grand Funk" очень неординарный ход: он однажды, рекламируя их третий альбом "Closer to Home", в Нью-Йорке разместил огромный биллборд с тремя лицами музыкантов, этот плакат видел весь город, потому что биллборд занимал всю стену какого-то большого дома. Стоило это, на секундочку, 100 тысяч долларов, даже по тем временам очень серьезная цифра, тем более, для начинающей команды, но он правильно рассудил: лучше сейчас вложиться, но потом получить очень серьезную отдачу. Так и произошло. Также он придумал один важный ход: в июле 1969 года новоиспеченная группа дебютировала на крупном "Atlanta Pop Festival", и делала это, как музыканты в России говорят, "на ша́ру", то есть бесплатно. И это тоже был очень верный стратегический шаг, потому что они потрясли аудиторию. Правоту Терри Найта тут же подтвердило участие еще в одном, буквально через месяц, фестивале "Texas Pop Festival". Там на этом фестивале играли уже "Led Zeppelin", Джанис Джоплин, "Chicago", и многие другие гиганты уже тогда рока. И на том и на другом фестивалях было по 120 тысяч людей, и тогда практически группу "Grand Funk" узнала рок-н-ролльная американская общественность. Тут же после этих прорывных концертов они получили контракт с "Capitol", и осенью 1969 года выпустили свой первый альбом, который назывался "On Time". Ну, а мы сейчас послушаем песню с их уже пятого альбома 1971 года, который назывался "Survival", песня называется "Country Road", она открывала этот диск. (Звучит песня " Country Road " .) АРУТЮНОВ: Это была песня "Country Road". Вернусь к теме, которую я только что начал, до этой песни – к теме изобретательности и креативности Терри Найта, их менеджера, да и самих ребят. Они очень большое внимание уделяли, ну, PR-аспекту, что ли, причем прошу вас это воспринимать правильно, они не перебарщивали в этом, и они вовсе не делали это главным аспектом своей работы – нет, но они правильно рассуждали, что хорошая музыка нуждается в хорошем PR, в хорошем промоушене, и во всех остальных вот таких умных словах. Отдельного внимания заслуживает оформление пластинок "Grand Funk". Это оформление, безусловно, привлекало дополнительное внимание, усиливало эффект, который производила группа. Ну, вот несколько примеров для тех, кто этого не видел, или, может быть, видел на CD, это, конечно, не так играет, как виниловое оформление, большие альбомы. Второй альбом "Grand Funk", он так и назывался – "Grand Funk", выглядел так: основным фоном был красный, вы разворачивали альбом, и на вас с разворота смотрела группа, прямо рядом, ну, такой, поясной план, в общем, три портрета, это все было примерно в той же эстетике, что и пластинка Джими Хендрикса "Axis: Bold as Love", но здесь картина была даже более такая, атакующая. Музыканты "Grand Funk" предстали с голыми торсами, двое из них – с прической "афро", а третий – блондин, у которого волосы на прямой пробор расчесаны, как тогда было положено, и свисали двумя такими прямыми прядями, двумя "сосульками" почти до поясницы, это был Марк Фарнер, естественно. Надо сказать, что вообще представать с голыми торсами на своих альбомах – это был практически стиль "Grand Funk". В таком же виде они выглядели на пластинке "Phoenix", и также на пластинке "We’re an American band". Там-то они вообще практически голые сидят, но все, что не нужно видеть публике, было закрыто сеном – они сидят в стогу сена где-то, я не знаю, в каком-то сарае. На диске "Survival" они, естественно, опять же практически голые, они предстали на этом диске очень эффектно – неандертальцами в какой-то пещере, в общем, ну, молодцы, конечно, мессидж нам послали очень правильный, это все очень соответствовало их музыке. И я забыл сказать, что вот этот второй альбом, когда все раскрывали его, то следующее, что фэны, особенно в России, делали, я знаю это точно – они вырезали просто эту фотографию, тогда же плакатов не было, и я неоднократно видел вот это фото, разворот этого альбома, на стенах в домах каких-то прогрессивных любителей рок-музыки того времени. Так же с голыми торсами они предстали на обложке диска "All the Girls in the World Beware!!!" Это уже 1974 год, но там они предстали не в своих торсах, то есть их головы были смонтированы с торсами культуристов, такими накачанными, надутыми торсами, представляете это все, да? Ну, в общем, практически каждая вторая пластинка сопровождалась вот таким имиджем "Grand Funk". И о диске "We’re an American band" надо вот что сказать: он был золотым во всех смыслах этого слова. Во-первых, естественно, у него был колоссальный успех, и он приобрел золотой статус, а во-вторых, он был сделан почти из золота, то есть, во-первых, поверхность всего конверта была золотистой, из золотой слюды сделанной, а во-вторых, оригинальный тираж диска вышел на прозрачном желтом, ну, опять же золотистом виниле. Ну, коллекционеры помнят это все. С другой стороны, на пластинке "Born to Die" группа предстала одетой, и одетой шикарно. Музыканты были одеты в смокинги, но при этом лежали в гробах. Ну то есть тоже, в общем, поняли – эта вот эстетика легкого шока четко соблюдалась ансамблем "Grand Funk". Давайте слушать следующую песню, это будет песня с их альбома 1972 года, который назывался "E Pluribus Funk", песня называется "No Lies". (Звучит песня " No Lies ". ) *** АРУТЮНОВ: Мы послушали песню "No Lies", а сейчас будем слушать вторую историческую справку. НОВГОРОДСКИЙ: Конец 60-х был золотой эрой блюз-роковых пауэр-трио, и мечтавшим играть именно в этом формате Марку Фарнеру и Дону Брюэру был позарез нужен басист. В итоге выбор пал на земляка-мичиганца Мэла Шекера, прославившегося на местной сцене игрой в команде "Question Mark and the Mysterians". Начиная с первых же репетиций музыканты поняли, что прекрасно понимают и чувствуют друг друга. Экстатический вокал и высоковольтная гитара Фарнера идеально сочетались с басовыми раскатами Шекера и азартным грувом Брюэра. На выходе получалось уникальное пауэр-трио, сделанное по британским лекалам, но с чисто американским, даже мичиганским темпераментом. Свое название коллектив получил, слегка видоизменив название местного железнодорожного направления – "Grand Trunk Western Railroad". С первых дней своего существования новоявленное трио делало ставку на концерты. Именно живые выступления были коньком команды, и при том, что шоу "Grand Funk" пользовались неизменным успехом по всей Америке, продажи первых двух лонгплеев группы оставляли желать лучшего. Впрочем, к началу 70-х, благодаря неиссякаемому энтузиазму музыкантов "Grand Funk" и маркетинговым уловкам менеджмента команды, ситуацию удалось поправить, и такие релизы, как "Closer to Home", "Grand Funk Live Album", и особенно "E Pluribus Funk", сделали группу вполне конкурентоспособной в национальных чартах. Впрочем, запредельно высокий темп, заданный самими музыкантами и всячески поощряемый их администрацией, к 1972 году обернулся для "Grand Funk" серьезным кризисом. Изнуренная постоянными гастролями, группа погрязла в тяжбах с собственным директором, и была на грани распада. АРУТЮНОВ: С тем самым Терри Найтом, во как! Но ничего, выжили. Но мы до этого сейчас вскоре доберемся, давайте все-таки вернемся к первым денькам "Grand Funk". Итак, летом 1969 года "Grand Funk" представили широкой публике свой музыкальный манифест. Вот об этом чуть поподробнее. Ну, во-первых, все это было громко, все это было очень громко. "Grand Funk" тогда вместе с "Mountain" и "Blue Cheer" были самыми громкими музыкантами на американской сцене. Ну, а теперь о самой музыке. С одной стороны – да, они испытывали сильное влияние новомодного тогда британского формата – формата тяжеленного блюзового трио, такого, как "Taste", "Led Zeppelin", "Cream", но были еще и другая сторона, и третья даже сторона их музыки. Надо четко отдавать себе отчет в том, что "Grand Funk" были музыканты из Мичигана, из Флинта, ну, грубо говоря, из Детройта. Флинт и Детройт сравнительно рядом находились, и были чистым порождением детройтской сцены. А что это такое? Это, с одной стороны, такие группы оттуда, как "MC5" и "Stooges", мы знаем эти группы, говорили, это такие провозвестники панка, то есть грязнющие такие вот по своему звучанию ансамбли, и "Grand Funk", безусловно, очень много от них переняли. И, наконец, почти детройтские корни сказывались в их соул-уклоне, не забываем, что Детройт – тогда уже там гремел Митч Райдер, первый белый соул-исполнитель. И самое главное, тогда в Детройте располагалась цитадель соул-музыки – фирма "Tamla Motown", об этом тоже мы несколько раз говорили. И музыканты "Grand Funk" не могли не уловить этот соул-аромат. И я вам хочу сказать, что когда мы были молоды, мы, конечно, ничего этого не знали, мы просто любили и слушали "Grand Funk", а сейчас-то мы с вами, так сказать, обогащенные, ну, и в некотором смысле отяжеленные знаниями, можем сказать, что пение Марка Фарнера – это, конечно, чистое соул-пение. Вот этот его высокий, пронзительный, чистый голос – это, ну, совершенно очевидно голос, уходящий корнями в соул-, даже в госпел-пение. Таким образом получилось то, чего не было ни у кого: вот эта поразительная смесь хард-роковых жестких риффов, госпел-вокала Марка Фарнера и грязного панкового звучания. Это как раз и есть фирменный знак "Grand Funk", особенно ранних. Последний из этих компонентов – грязный звук, особенно проявился на четвертом их альбоме – на двойном концертном альбоме, естественно. Затем на пятом их альбоме "Survival" этот компонент начал ослабевать, то есть этот альбом звучал уже очень-очень пристойно с точки зрения продюсирования. Саунд ранних "Grand Funk", "Grand Funk" периода трио можно изучать по любому из первых пяти альбомов, но вот в качестве, так сказать, учебного пособия можно взять их второй альбом "Grand Funk" 1970 года. Очень много интересного было на этом альбоме с точки зрения продюсирования. Необычное расположение инструментов по панораме, вот я лично это очень люблю. Ну да, тогда очень многие располагали совершенно конкретно инструменты, свои три инструмента по панораме – в середине барабаны, здесь же вокал, справа или слева гитара, и, соответственно, слева или справа – бас-гитара. У "Grand Funk" было так: у них в центре был вокал, естественно, и бас-гитара, и, соответственно, справа или слева барабаны и гитара. Я хочу обратить ваше внимание вот на что. Да, конечно, "Grand Funk" звучали очень мощно, в этом смысле они напоминали, собственно, всех своих коллег по тяжелому цеху, тех же "Cactus", но у "Grand Funk" была одна интересная особенность. Конечно, все зиждилось на буквально бульдозерном звуке бас-гитары Мэла Шекера, в этом смысле едва ли не самое тяжелое звучание у него было тогда, а все остальное было так сравнительно облегчено, что ли, во всяком случае, звучало легче, чем у многих их коллег, я имею в виду и гитару Марка Фарнера, и барабаны Дона Брюэра, особенно малый барабан, вот он-то точно не использовал такой мощный, жирнющий, бухающий барабан, как другие его коллеги, предположим, Джон Бонэм. Давайте слушать следующую песню, это будет песня с альбома 1972 "Phoenix", она называется "Rain Keeps Fallin’", знаменитая "Rain Keeps Fallin’". ( Звучит песня "Rain Keeps Fallin’".) АРУТЮНОВ: "Rain Keeps Fallin’". Вот слышали, уже органчик появился, но сейчас мы к этому подберемся. Тем не менее, за четыре года существования в формате трио, группа "Grand Funk" выпустила семь альбомов, потрясающая результативность и работоспособность. Популярность группы росла, росла очень быстро, но наряду с этим росла критика. Но это, наверное, известный многим любителям рок-музыки факт – отношения "Grand Funk" с музыкальными критиками. Здесь мы имеем дело с какой-то патологией, мне кажется. Так, как им, не доставалось никому, и совершенно незаслуженно. Ну, почти незаслуженно. Возможно, критики не очень жаловали эту команду за их незаумность, за их простую, может быть, где-то, по мнению критиков, чрезмерно простую музыку, и за их тексты. Ну тексты, конечно, да – это то, к чему можно было придраться при желании, хотя, с другой стороны, все это было так характерно для того времени. Тексты "Grand Funk" такие наивно-назидательные, что ли, я бы сказал. Названия их песен в этом смысле весьма характерны. Вот такой короткий наборчик названий песен "Grand Funk": "Жизнь", "Политик" (не путать с "Политиком" из репертуара "Cream"), "Ответственность", "Прекрати оглядываться", "Назовись мужчиной", "Соберись", "Я – ваш капитан", "Я хочу свободы", "Поговори с людьми", "Нет – лжи", "Спасем страну", и, наконец – "Люди, давайте остановим войну". Ну, давайте остановим. Видите, да, вот такая картина, надо сказать, что спустя 10-15 лет такой активный призыв к действию, желание растормошить зрителей, стало общим местом. Если вы помните, практически у любой рок-группы такого волосатого металла в 80-е годы можно было встретить массу "Don’t Give Up" и "Hold On", ну, а тогда, в начале 70-х, видите, вот как-то критика встречала все это в штыки. Вот насчет музыки критика явно ошибалась, вообще, кто такая эта критика, я ничего не понимаю. "Grand Funk Railroad" – вот это я точно знаю, знаю, что была такая команда. Во всяком случае, когда вот эти критики говорили о примитивности музыки "Grand Funk", наверное, тут в дело вступали какие-то скрытые комплексы. Ладно, вот в этом точно не буду ковыряться. Я думаю, что есть смысл прислушаться к мнению такого выдающегося музыканта, как Питер Фрэмптон, в этом смысле. Тогда, в начале 70-х, его группа "Humble Pie" часто очень играла в одной компании с "Grand Funk" в каких-то сборных концертах, и Питер Фрэмптон вспоминал, что "Grand Funk" на "Humble Pie" производили очень сильное впечатление, это, учитывая то, что сами "Humble Pie" тогда уже были суперзвездами, и вместе с тем, Питер Фрэмптон и Стиви Мэриотт всегда внимательно слушали "Grand Funk", и удивлялись их высокому классу, а главное – их умению общаться с аудиторией, умению зажечь аудиторию. Тем не менее, заканчивался потихонечку период формата трио в музыке "Grand Funk", они еще были фактически трио, но на записях, да и в концертах все чаще появлялись клавиши, в основном "Hammond"-орган. На диске "E Pluribus Funk" 1972 года играл Марк Фарнер, сам играл, он, кстати, и на гармошке губной хорошо играл. Тем не менее, с пластинки "Phoenix" в составе группы появился клавишник Крэйг Фрост, на "Phoenix" он еще был сессионным музыкантом, а вот со следующего диска, который назывался "We’re An American Band", Крэйг Фрост стал четвертым участником ансамбля, и таким образом они стали квартетом. Но надо сказать, что формат трио – это очень эффектная штука, и очень многих привлекает, и на начальной стадии это всегда работает, это всегда возможность раскрепощения какого-то инструментального, и, соответственно, импровизационного, и все это звучит мощно, всегда действует здорово на публику, но музыканты со временем, конечно, начинают испытывать нужду в более насыщенном звуке, и нужду в каком-то изменении вот этого достаточно, ну, однообразного звучания. Поэтому многие трио превращались или в квартеты, или распадались, или меняли музыкальный окрас. Давайте слушать уже такой, сравнительно поздний "Grand Funk", вернее, средний "Grand Funk", песню с альбома 1974 года, который назывался "All the Girls in the World Beware!!!" Песня называется "Responsibility". (Звучит песня " Responsibility ".) АРУТЮНОВ: Итак, с 1973 года "Grand Funk" стали квартетом, 1973-74 год – годы их наивысшего коммерческого успеха, не буду перечислять многочисленные первые места их альбомов и песен, скажу лишь, что они стали квартетом как по сути, де-юре, так и де-факто, вот так. В звуке они стали квартетом, по-прежнему они играли хард-рок, но не такой уже радикальный, как раньше, они играли хард-рок с клавишами, да и бас-гитара Мэла Шекера уже перестала звучать тогда столь агрессивно, радикально, как это было в конце 60-х, в начале 70-х. В их музыке усилились элементы соула, появились даже, боже мой – появились даже какие-то намеки на поп-рок. Ну, одним словом, тогда "Grand Funk" где-то вот с 1974 года стали более, что ли, таким традиционным американским хард-роком, более среднестатистическим, что ли. Ну и стали немного слабее, где-то с 1975 года. 1974 год, альбом "Shinin’ On" еще достаточно уверенный такой, мощный, потом все-таки все пошло уже на коду, это ощущалось. Двойник концертный "Caught in the Act" – 1975 год, в том же году еще один альбом, но не сильный совсем, альбом "Born to Die". И, наконец, последний альбом первого периода "Grand Funk", 1976 год – "Good Singin’, Good Playin’". Самое интересное, что можно сказать об этом альбоме – так это то, что его продюсировал Фрэнк Заппа, и даже проучаствовал в двух песнях. Я бы сказал, что самый сильный альбом "Grand Funk" после "We’re an American band" – это первый сольный альбом Марка Фарнера 1977 года, он так и назывался – "Mark Farner". Дон Брюэр и Мэл Шекер сделали группу, которую незатейливо назвали в честь родного города "Flint", она просуществовала не более одного долгоиграющего диска. В 1981 году Дон Брюэр и Марк Фарнер собрались вновь под маркой "Grand Funk" с другим бас-гитаристом, выпустили неплохой альбом "Lives" в 1981 же году, и совсем плохой альбом "What’s Funk?" в 1983-м, потом опять разошлись, с начала 80-х годов Крэйг Фрост, их клавишник, играл у Боба Сигера, еще одного их знаменитого земляка, там же у Боба Сигера ненадолго появлялся и Дон Брюэр. Марк Фарнер в середине 70-х ударился, стал таким истым христианином, заиграл христианский рок, и в одном из его составов (группа называлась "Vision"), с ним играл клавишник "Lynyrd Skynyrd" Билли Пауэлл тогда. Мэл Шекер отошел в то время от музыки, и заделался таким коллекционером-продавцом винтажных моделей автомобиля "Jaguar". Самый заметный реюнион "Grand Funk" произошел в 1996 году, ну, многие знают эту пластинку, она называлась "Bosnia", сбор от этой пластинки пошел в фонд пострадавшим от войн в Югославии, на этом реюнионе участвовали все, кроме Крэйга Фроста. "Grand Funk" играли свою классику с симфоническим оркестром, тот же Питер Фрэмптон там погостил, на некоторых концертах того турне играл с ними Лесли Вест из "Mountain", в общем, развитие истории примерно такое же, как у всех звезд 70-х годов. Последняя историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: Пластинка "Phoenix" 1972 года ознаменовала новый этап в карьере "Grand Funk". Сырой пролетарский хард-рок – наследие улиц индустриального Среднего Запада, понемногу уступал место более солидному, многогранному и слаженному звучанию. Именно этим новым курсом и продиктован приход в "Grand Funk" четвертого участника – клавишника Крэйга Фроста. Настоящим прорывом для перегруппировавшейся команды стала спродюсированная Тоддом Рандгреном пластинка 1973 года "We’re an American band". Не будет преувеличением сказать, что полноценное студийное воплощение музыка "Grand Funk" впервые за всю историю группы получила лишь на этом релизе. Этот рок-шедевр и по сей день служит одним из эталонных примеров идеального сочетания необузданного драйва, крепкого хитового материала и ярких аранжировок. Достигнув пика популярности к середине 70-х, во второй половине десятилетия группа чувствовала себя менее уверенно, и, записав в 1976 году под продюсерским руководством Фрэнка Заппы альбом "Good Singin’, Good Playin’", группа распалась. С тех пор "Grand Funk Railroad" пережили несколько реюнионов, которые, к сожалению, представляли главным образом ностальгическую ценность. При этом энтузиазм первых дней "Grand Funk" в некоторой мере унаследовала сольная карьера Марка Фарнера, начавшаяся в 70-х, и стабильно продолжающаяся по сей день. Что касается Мэла Шекера и Дона Брюэра, то в наследство от одной из самых горячих групп в истории рока им досталось название, под которым они время от времени выступают и сегодня. АРУТЮНОВ: Ну, вот нет у меня ответа на вопрос: "Почему же "Grand Funk" так резко потеряли в популярности, особенно у нас, в наши дни. Нет ответа на вопрос, я был бы рад, если бы мне самому кто-то это объяснил. Во всяком случае, группа "Grand Funk" отличается от, скажем, английских команд, и это надо понимать. Отличается даже драйвом – все, конечно, тогда играли очень горячо, но "Grand Funk" – это просто совершенно бешеные были музыканты, возможно, это самая драйвовая команда своего времени, ну уж, по меньшей мере, одна из. И отличались они от англичан вот чем: в английских хард-роковых группах всегда находилось место для таких мрачноватых персонажей – Тони Айомми, предположим, или Ричи Блэкмор, а "Grand Funk" – это что-то, наверное, принципиально другое – это музыка, это рок-н-ролл с душой нараспашку, это вот такие буйные, веселые дикари. И я бы хотел, чтобы вот этот образ оставался всегда с нами, вот такой образ этой группы – группы "Grand Funk". Ну, с нами, конечно же, останутся навсегда их записи, смело можно советовать любую пластинку "Grand Funk" периода с 1970 по 1973 год, наверное. Но лично я, вот собрав волю в кулак и отсеяв кое-что, вам посоветовал бы "Grand Funk" 1970 года, "Phoenix" 1972 года, и "We’re an American band" 1973 года. Пока, да пребудет с нами "Grand Funk"! Во всяком случае, последняя песня здорово называется, в ней все, что нужно – "Rock & Roll Soul". (Звучит песня " Rock & Roll Soul ".) 55:44 no http://finam.fm/archive-view/5703/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 10.03.2012   ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Turn On Your Love Light I Smell Trouble Bobby’s Blues Gotta Get To Know You Friday the 13th Child It’s Not the Spotlight -  Род Стюарт  Let the Good Times RollAin’t No Love in the Heart of the City   НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ:   The Definitive Collection - (1956 -1962) His California Album - 1973 Dreamer - 1974 АРУТЮНОВ: Я с удовольствием приветствую всех постоянных и новых слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM" радио, 99.6, я – автор и ведущий этой программы Николай Арутюнов, предлагаю сегодняшнюю тему: американский певец Бобби Блэнд. (Звучит песня "Turn On Your Love Light".) АРУТЮНОВ: Ну, я надеюсь, вы узнали основную тему этой песни, да и саму песню, я надеюсь, многие из вас это узнали, поскольку эта песня являлась не чем иным, как, так сказать, апофеозом фильм "Братья Блюз", второй серии этого фильма. Вот эту песню внедрил в массовое сознание и в широкий обиход наш сегодняшний персонаж – Бобби Блэнд. Ну, опять же, я надеюсь, вы догадались, что сегодняшняя программа, как всегда, обращается ко всем из вас, но, скорее, она будет интересна любителям соул-музыки и таким особым ценителям вокала,... ]]> Sat, 10 Mar 2012 12:05:00 +0400 Bobby Bland В студии: Николай Арутюнов ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Turn On Your Love Light I Smell Trouble Bobby’s Blues Gotta Get To Know You Friday the 13th Child It’s Not the Spotlight - Род Стюарт Let the Good Times RollAin’t No Love in the Heart of the City НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: The Definitive Collection - (1956 -1962) His California Album - 1973 Dreamer - 1974 АРУТЮНОВ: Я с удовольствием приветствую всех постоянных и новых слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM" радио, 99.6, я – автор и ведущий этой программы Николай Арутюнов, предлагаю сегодняшнюю тему: американский певец Бобби Блэнд. (Звучит песня "Turn On Your Love Light".) АРУТЮНОВ: Ну, я надеюсь, вы узнали основную тему этой песни, да и саму песню, я надеюсь, многие из вас это узнали, поскольку эта песня являлась не чем иным, как, так сказать, апофеозом фильм "Братья Блюз", второй серии этого фильма. Вот эту песню внедрил в массовое сознание и в широкий обиход наш сегодняшний персонаж – Бобби Блэнд. Ну, опять же, я надеюсь, вы догадались, что сегодняшняя программа, как всегда, обращается ко всем из вас, но, скорее, она будет интересна любителям соул-музыки и таким особым ценителям вокала, потому что Бобби Блэнд, безусловно – это один из лучших голосов соул-музыки, блюза, вообще всего, что имеет отношение к рок-музыке, к популярной музыке XX века. Ну, теперь самые такие общие и важные положения касаемо личности Бобби Блэнда. Я думаю, самое важное для нас сегодня – знать, что он жив, и, ну, относительно своего возраста, здоров – ему сегодня 82 года, и он, в общем, даже иногда выступает. Соответственно, мы можем заключить, что его карьера длится уже более 50 лет, она началась еще в начале 50-х годов даже, то есть тут уже, в принципе, о 60 годах речь идет. И надо сказать, что Бобби Блэнд стал звездой первого поколения соул-музыки, и он стоит в одном ряду с Смоуки Робинсоном, Рэем Чарльзом, Сэмом Куком и Джеймсом Брауном. А уже где-то к середине 60-х годов, где-то в 1963-64-ом подтянулся второй эшелон соул-музыки – Айк и Тина Тернер, Джо Текс, Уилсон Пикетт, Отис Реддинг, Соломон Берк, некоторые другие, и, к счастью, мы уже о многих из этих людей говорили. Ну, вот теперь дошла очередь до Бобби Блэнда, давно я уже этого ждал, честно скажу. Ну, вот я говорю о Бобби Блэнде в контексте соул-музыки, но, в общем-то, это не чистый соул, и, вы знаете, блюзмены тоже его считают своим. Мало того, вот в те времена, в 50-е годы, в начале 60-х, тогда он позиционировал себя как блюзмен, как певец блюза. И надо сказать, что до сих пор в концертах он в основном исполняет блюз, ну, естественно, на свой манер, но, тем не менее, блюз, а на пластинках, в свою очередь, уже очень давно, прямо вот с начала 60-х годов, он не поет блюз в чистом виде, он, скорее, соул-певец, и, кстати, достаточно такой балладный, достаточно рафинированный, но так, пожалуйста, не принимайте это прямо буквально, все в музыке Бобби Блэнда пропорционально, и вовсе не надо считать, что это эстрадный певец. Просто он больше, чем кто-либо, вот скажем, самый яркий пример соединения блюз- и соул-чувства – это, конечно, Бобби Блэнд. Да просто потому, что он с детства жил в этой атмосфере, с одной стороны – блюза, с другой стороны – ну, не соула, а тогда еще госпела, и он прямо вот идеальный носитель объединяющего начала этих двух мощнейших музыкальных культур, негритянских, естественно. И еще, конечно, немаловажная вещь, может быть даже, одна из самых главных – это, я сейчас точно совершенно затруднюсь назвать это явление. Вот о чем речь: когда будете слушать песни, те из вас, кто не знал до сих пор Бобби Блэнда, слушайте внимательно, там изредка можно встретить один очень интересный, я не знаю, ну, не вокальный прием, а, скорее, одно интересное такое звуковое явление, которое характеризует пение Бобби Блэнда едва ли не главным образом, и которого не было ни у кого. Понятно, что у Бобби Блэнда потрясающий сам по себе голос, звук его – это тот звук, которого не было ни у кого, и нет до сих пор. И, кстати, этот звук тоже такой, достаточно специальный, я, когда его слушаю, я все время думаю о том, что по Бобби Блэнду плачет не одно поколение отоларингологов в Америке. Ну, и надо сказать, что то, что он так и не дошел до этих отоларингологов – это наше с вами большое счастье, вот, собственно говоря, в этом есть фишка его звука. Но, кроме этого, еще одна есть штука, сейчас попытаюсь это назвать как-то, но научно точно не получится, мало того, может быть, не совсем даже благозвучно это можно определить. Он иногда в процессе пения издавал какой-то такой звук, напоминающий, ну, такое ощущение, что человек собрался отхаркиваться, такое вот отхаркивание, ну, или если уже совсем по прямой звуковой аналогии, то все это напоминает хрюканье. И, вы знаете, это придает совершенно потрясающий эффект его пению, но, между прочим, некоторые над ним надсмехались за этот его, я не знаю, прием или прикол, но у меня ощущение, что, да, конечно, он может этим управлять, вот еще раз хочу сказать вам, что на записях он этим пользуется достаточно редко, а в концерте – гораздо чаще, ну просто потому, что он понимает, на что пришли люди. То есть, люди, конечно, хотят услышать то, что является составной частью, яркой частью его вокального такого вот общего полотна. Я не знаю, наверное, еще я бы сразу вспомнил пару, всего лишь пару людей, у которых были такие же звуковые фантомы, вот такой знаменитый джамп-блюзовый певец, ровесник, кстати, Бобби Блэнда, ну, так относительно ровесник – Эдди Клинхэд Винсон, у него тоже там своя, совсем другая была какая-то звуковая "пуля", ну, или то, что мы с вами более-менее хорошо знаем – пример певца из "Van Halen" Дэвида Ли Рота. Если помните, у него такой вот, иногда его пение сопровождается каким-то таким, что ли, свистом, посвистом каким-то, присвистом, но это он не свистит, это он делает глоткой. Как это получается – одному богу известно, я думаю, что даже сами исполнители не могут это объяснить. Вторая песня в нашей программе, старая запись 50-х годов, 1957 год, это песня "I Smell Trouble". (Звучит песня "I Smell Trouble".) АРУТЮНОВ: "I Smell Trouble", 1957 год, это только самое начало такого вокального и общемузыкального стиля Бобби Блэнда, это, скорее, еще тогда чистый блюз, но все же, наверное, слышите такое отличие от Чикаго-блюза, предположим, здесь все так, чуть более, что ли, окультурено, все так хорошо, очень качественно сыграно, ну, записано на уровне своего времени, там, естественно, вокал с перегрузом, очень характерный такой вокальный звук блюза 50-х годов. Вот давайте начинать потихонечку двигаться по развитию карьеры, по развитию стиля Бобби Блэнда. В этом нам безусловную помощь окажет первая историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Один из величайших чернокожих вокалистов в истории музыки – американский певец Бобби Блэнд, стоял у истоков ритм-энд-блюза, и наряду с такими исполнителями, как Сэм Кук или Рэй Чарльз, во многом определил как развитие этого жанра, так и стандарты его исполнения, причем изначально этот музыкант больше других классиков корневого афроамериканского вокала тяготел к блюзу, став одним из очень немногих блюзменов, прославившихся исключительно пением, а не игрой на гитаре, пианино или губной гармонике. Этой тягой к блюзу, а также характерной как бы слезной манерой пения Бобби Блэнд и заслужил как свое знаменитое среднее имею "Blue", так и менее известное, но очень точное прозвище "Блюзовый лев". При том, что выдающиеся вокальные данные обнаружились у Бобби еще в раннем детстве, а неизбежная в афроамериканском сообществе практика пения в госпел-ансамблях эти данные развила, раннюю карьеру певца никак не назовешь стремительной. Бобби Блэнд родился 27 января 1930 года в городке Роузмарк, штат Теннеси, и юношей перебрался в расположенный неподалеку Мемфис. Несмотря на то, что в конце 40-х музыкальной индустрии в нынешнем понимании в Америке не существовало, мемфисская сцена уже вовсю бурлила идеями, которые вскоре вскружили голову всему остальному миру. Едва устроившись на новом месте, Бобби стал желанным гостем на знаменитой Бил-стрит – главной музыкальной улице города, и начал регулярно выступать в местных клубах в компании молодых единомышленников. Помимо Бобби в этот стихийный оркестр, незатейливо названый "The Beale Streeters", входили многие фавориты локальной сцены, и в том числе – потрясающий молодой гитарист по имени Би Би Кинг. АРУТЮНОВ: И впоследствии – друг, очень близкий друг Бобби Блэнда, и тогда уже, кстати, они начинали дружить. Надо сказать, что Бобби Блэнд, между прочим, был единственным ребенком в и без того малочисленной семье – у него не было отца с детства, и мама им занималась, и мама предприняла очень серьезный и важный шаг, тогда она еще не понимала, для чего, а мы-то с вами знаем – для того, чтобы Бобби Блэнд стал мировым явлением. Она переехала в Мемфис, и, как вспоминал Бобби Блэнд, этот шаг, переезд в Мемфис, поменял коренным образом его жизнь, потому что там, где он жил раньше, никаких возможностей для музыкально одаренного человека не было, и музыканты всегда, в том числе и в Америке – они стремятся в столицы или в какие-то культурные центры, собственно говоря, такая же картина у нас. В детстве Бобби Блэнд слушал музыку, но ничего, кроме дельта-блюза, кроме Блайнд Лемон Джефферсона он не слушал, и впервые он услышал медные инструменты – саксофоны, трубу, уже вот в Мемфисе, и впервые он там понял, что блюз можно играть с помощью и этих инструментов тоже. Мемфис, конечно, был одной из столиц блюза тогда, тут вам и Би Би Кинг вовсю уже на местном радио музицирует, и на местном же радио имеет свою программу Сонни Бой Уильямсон, и Хоулин Вулф записывается в Мемфисе, да, он уже живет в Чикаго, но продолжает пока записываться в Мемфисе, это рубеж 40-х – 50-х годов. Бобби Блэнд быстро очень интегрировался в музыкальную жизнь Мемфиса, стал участвовать во всех возможных любительских конкурсах, вот тусовался на этой самой Бил-стрит, и тогда, в конце 40-х, в начале 50-х годов, еще не будучи профессиональным музыкантом, попробовал разные работы, в том числе – работу ассистента и шофера у местной звезды – Роско Гордона, и у того же Би Би Кинга, между прочим. Вот так вот. Следующая песня нашей программы – это уже 60-е годы, ну, как часто у нас, несовпадение истории и набора песен. Тем не менее, "Bobby’s Blues", 1963 год, пластинка называлась "Call On Me". (Звучит песня "Bobby’s Blues".) АРУТЮНОВ: "Bobby’s Blues", 1963 год. Однако вернемся к самому началу. Первые две сорокапятки Бобби Блэнда вышли в 1951 году. И, между прочим, на них аранжировщиком был Айк Тернер, и кое-что он там записывал. Айк Тернер в то время тоже был в блюзовых кругах, и там на Юге он был очень востребованным блюзовым музыкантом, Тина Тернер еще впереди для него. Ранние записи Бобби Блэнда – конечно, это такой поиск индивидуальности вокальной и, в общем-то, музыкальной. Затем армия, призыв в армию, и вернувшись в 1954 году в Мемфис, Бобби Блэнд обнаружил, что ребята, с которыми он там тусовался на Бил-стрит, уже вовсю наслаждаются успехом, и его это вдохновило, и он начал наверстывать упущенное. Тогда он познакомился с антрепренером, композитором и, мало того, хозяином фирмы "Duke Records", которого звали Дон Роби, но этот человек еще известен тем, что написал очень многие известные песни, давайте сейчас не будем отклоняться, называть эти песни, и кто их впоследствии исполнял, но, поверьте мне, это был очень влиятельный и очень музыкально одаренный человек, Дон Роби. Так вот, Дон Роби свел Бобби Блэнда с местным бэнд-лидером и уважаемым уже музыкантом – трубачом Джо Скоттом. Джо Скотт, в свою очередь, был художественным руководителем в ансамблях некоторых людей, и, в частности, у Джуниора Паркера – это человек, который играл на гармошке у Хоулин Вулфа. Тогда он начинал свою карьеру, этот Джуниор Паркер, он еще и пел прилично очень, и вот эти все люди – они как бы стали опекать Бобби Блэнда, объединив свои усилия. Они работали там, там, там, и вместе с тем, у них было какое-то свое дело, и до конца 50-х годов, объединив Бобби Блэнда в одно ревю с Джуниором Паркером, Джо Скотт добился увеличения, какого-то бешеного совершенно увеличения количества концертов, где-то до конца 50-х годов их норма концертная равнялась примерно 300 в год. Кроме того, вот этот самый Джо Скотт был музыкальным руководителем, помните, я говорил, что у него много было таких работ – он еще был музруком у Джонни Эйса. Вот этот Джонни Эйс был тогда главной звездой Бил-стрит, вот этой знаменитой музыкальной улицы Мемфиса, и, соответственно, всего Мемфиса. Но карьера его длилась недолго, он однажды сыграл в "русскую рулетку" неудачно, так что Джо Скотт стал в основном концентрироваться на карьере Бобби Блэнда. Джо Скотт писал для него музыку вместе с Доном Роби, и, кстати, с другими музыкантами их даже не группы, а бэнда, и самые любопытные из вас найдут такую фамилию в списке авторов для Бобби Блэнда, кроме Дона Роби и Джо Скотта – Дедрик Мэлоун, это объединяющий всех музыкантов группы псевдоним. То есть, вот видите, важная вещь, в самом начале карьеры проявилась – Бобби Блэнд не писал, почти не писал для себя материала, и ему писали окружающие его люди, или впоследствии – какие-то специально нанятые. Четвертая песня нашей программы, как быстро все летит. "Gotta Get To Know You", это уже 1969 год, с пластинки "Spotlighting The Man" (Звучит песня "Gotta Get To Know You".) АРУТЮНОВ: Это была песня "Gotta Get To Know You" 1969 года. Вторая историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: К началу 50-х Бобби Блэнд был весьма заметным артистом мемфисской сцены, и даже успел записать несколько синглов, однако в 1952-м неожиданную подножку его карьере поставила повестка в армию. Послушно отслужив два года, певец вернулся в Мемфис и стал регулярно выступать в составе оркестра местной легенды Джуниора Паркера. Звукозаписывающая карьера Блэнда значительно осложнялась тем фактом, что певец не сочинял и не владел ни одним музыкальным инструментом, что делало его зависимым от правильно подобранного материала и удачной аранжировки. Такой выигрышной комбинацией для Блэнда стал сингл 1955 года "It’s My Life Baby", обеспечившей артисту первый серьезный успех. За дебютной сорокапяткой последовали такие шедевры вокального биг-бэндового блюза, как "Farther Up the Road" или "I Pity The Fool", а также визитная карточка Блэнда – раскаленный госпел "Turn On Your Love Light", что обеспечило артисту высокие места в ритм-энд-блюзовых чартах. В результате к началу 60-х по Бобби Блэнду сходила с ума буквально вся чернокожая Америка. АРУТЮНОВ: Ну, и в результате, кстати, и некоторая часть белокожей Америки, и очень многие белые музыканты то же самое делали по отношению к Бобби Блэнду – сходили с ума. "Farther Up the Road" – я надеюсь, многим из вас знакомо это название песни, которую прославил Эрик Клэптон, но давайте так, вот поверьте мне на слово – очень много кавер-версий песен Бобби Блэнда существует, одну из них мы с вами сегодня обязательно употребим. В конце 50-х, я думаю, вокальный стиль Бобби Блэнда более-менее сформировался. То есть, видите, вокальный стиль более-менее еще формировался, а слава его уже точно сформировалась, я уже об этом говорил. Надо сказать, что вокальный стиль во многом сформировался благодаря его, так сказать, худруку – Джо Скотту. Вот что вспоминает сам Бобби Блэнд по этому поводу, вот что он говорит, буквально: "Работа в студии тогда была очень строгой. Все решал Джо Скотт. Именно он научил меня многому, чего я не знал. Раньше я просто ощущал, что у меня есть голос, но толком не понимал, как с ним обращаться. Джо Скотт показал мне много. Хотя он пел плохо, я понимал, чего он от меня добивается. Он придал мне уверенность в поиске моего собственного стиля". Напоминаю, это были слова Бобби Блэнда. И после этих слов мы со спокойной совестью переходим к следующей песне нашей программы, это уже 70-е годы Бобби Блэнда, это песня с его альбома "His California Album", а песня написана другим великим соул-певцом, белым человеком – но соул-, джаз-роковым, я не знаю, каким угодно, но великим, безусловно, певцом Дэвидом Клейтон-Томасом из группы "Blood, Sweat & Tears". Песня называется "Friday the 13th Child". (Звучит песня "Friday the 13th Child".) АРУТЮНОВ: Это была "Friday the 13th Child" пера Дэвида Клейтон-Томаса. Я надеюсь, вы слышите, во-первых, потрясающее пение Бобби Блэнда, и можно на примере этой песни проследить, как он влиял на других певцов, в частности, на того же Дэвида Клейтон-Томаса, наряду с Рэем Чарльзом. И таким образом к началу 60-х годов вокальное искусство Бобби Блэнда расцвело уже пышным цветом, надо сказать. Он тогда, я бы так выразился, играл блюз, но пел соул. Вы понимаете, о чем я, да? Тогда он стал звездой национального масштаба, я уже это говорил. И, наконец, в 1962 году вышла первая его долгоиграющая пластинка "Here’s The Man!" Очень характерное название для тогдашнего, да и для всегдашнего Бобби Блэнда. Вы, наверное, спросите: почему так поздно вышла первая пластинка? И я отвечу: во-первых, тогда, так сказать, лонгплей был редким явлением, это такое было, вы знаете, как сейчас мы говорим: "Этого человека показали по Первому каналу телевидения", а тогда, наверное, в Америке говорили: "У этого человека есть лонгплей". Сорокапятки – это был обычный формат и, собственно говоря, долго-долго это продолжалось, до конца 60-х годов. И это касалось и Бобби Блэнда, в том числе. Вот я только что сказал, что название первого диска "Here’s The Man!" было такой заявкой, что ли, на его основной имидж – такие мачо-мотивы весьма характерны были тогда для Бобби Блэнда, да и собственно до сих пор, но с поправкой на возраст. Надо сказать объективно, что он не был, наверное, самым красивым среди соул-певцов. Сэм Кук в этом смысле всем фору давал тогда. Кстати, пока не забыл, насколько велик был авторитет Бобби Блэнда: он играл на похоронах Сэма Кука в 1964 году. Ну, ладно, вернемся к его красоте. Нельзя сказать, что он был красавец такой. В общем, я думаю, что лицом он немножечко напоминал Мадди Уотерса. С другой стороны, Мадди Уотерс для нас всех красавец, конечно. Но, тем не менее, это был импозантный мужчина, такой статный, очень высокий, крупный, знаете, как говорят – крупный мужчина, степенный такой. У Бобби Блэнда был один козырь – его голос, и собственно, его музыка, его вокальная манера. И вот это все приводило к такому же успеху, и в том числе у женской части аудитории, как у других соулменов, как у того же самого Кука. Его такой мягкий, интеллигентный, но в нужный момент взрывной вокал женщин сводил с ума, это точно совершенно. Все это называется в нашем обиходе так – проникновенное пение, вот применительно к соул-блюз-певцу, это и есть Бобби Блэнд. Он не торопясь выходил на сцену, так с достоинством, при галстуке, в костюме, все очень чинно, все очень культурно. Но стоило ему посмотреть в зал с характерной улыбкой, и все таяли. И галстук буквально через минуту снимался, Бобби Блэнд тут же давал понять, что – да, он респектабельный, но вместе с тем он свой, он наш. И, соответственно, преподносилось его знаменитое вокальное искусство. Но такого шоу в общепринятом понимании не было никогда у него, даже когда он был молодым, все это было достаточно спокойно, внешне спокойно. Но вместе с тем, когда он немножко так характерно на высоких нотах, на каких-то напряженных нотах поворачивал немного вправо голову и, соответственно, немножко отводил руку с микрофоном вправо, была видна вся его эмоциональность. И коль скоро мы заговорили о вокальном величии Бобби Блэнда, а, собственно говоря, мы всю программу, в общем-то, об этом и говорим, нельзя не упомянуть степень его влияния на других певцов, и на многих белых певцов. Конечно, все люди, которые запели в Англии в середине 60-х, все, кто так или иначе ориентировались на блюз и соул – все в той или иной степени подражали, но в хорошем смысле этого слова, Бобби Блэнду, давайте не будем перечислять, практически все, кто тогда пел. И многие кто запел чуть позже. Один из таких примеров в нашей стране особо популярен. Я имею в виду Дэвида Кавердейла, певца из группы "Whitesnake". Конечно, любители этой группы и этого певца знают, как он поет песню "Ain’t No Love in the Heart of the City". Сегодня мы не будем слушать версию Дэвида Кавердейла, но в конце программы обязательно послушаем оригинал – Бобби Блэнда. А вот другую кавер-версию Бобби Блэнда послушаем прямо сейчас. Не могу сказать, что это в прямом смысле кавер-версия. Это песня, которую, естественно, не написал для себя Бобби Блэнд, мало того, она не была написана для него людьми из его окружения. Но, во всяком случае, Бобби Блэнд эту песню прославил в 1973 году на пластинке "His California Album", а ровно через два года эту песню еще более прославил некий английский певец, которого зовут Род Стюарт, эта песня была на его диске 1975 года "Atlantic Crossing". "It’s Not the Spotlight". (Звучит песня "It’s Not the Spotlight".) АРУТЮНОВ: Это была "It’s Not the Spotlight", песня из репертуара Бобби Блэнда в исполнении Рода Стюарта. Что тут комментировать? Ничего не буду говорить. Первая половина середины 60-х годов, конечно, это взлет, как Бобби Блэнда, в частности, так и соул-музыки вообще. Но в середине 60-х обозначились некоторые проблемы. Я уже говорил, что Бобби Блэнд очень мало писал песен, и при наличии, безусловно, наличии больших хитов, среднестатистический его материал был, конечно, очень невзрачным. Это объективная реальность. Это – вот как раз следствие того, что певец не пишет материал. Конечно, певцу стоит писать песни для себя, хотя бы для большей вокальной самоидентификации, что ли. И, соответственно, Бобби Блэнд зависел от других авторов, не всегда эти авторы были способны на какой-то серьезный взлет. Его синглы по-прежнему продавались очень хорошо, а вот лонгплеи продавались не очень. И все это привело к распаду его группы и уходу от Бобби Блэнда его, так сказать, постоянного худрука Джо Скотта. Бобби Блэнд тогда, как это все по-нашему звучит – "зо́пил". Ну, не так, чтобы уж совсем, но, во всяком случае, проблема была серьезная с алкоголем. И она даже потребовала от него такого радикального решения – в 1971 году он жестко, совершенно жестко завязал. И слава богу, тем более что, может быть, вследствие этого назревал новый подъем его карьеры. Однако вот в 1972 году случилась еще одна потеря – умер Дон Роби, тоже его, так сказать, близкий друг, напоминаю, один из его основных авторов и хозяин фирмы, на которой издавался Бобби Блэнд, фирмы "Duke Records". И после смерти Роби весь каталог фирмы "Duke Records" вместе с артистами, в общем, как мы говорим "с потрохами", все это выкуплено гигантом звукоиндустрии фирмой "ABC". "ABC" очень активно занялись делами Бобби Блэнда тогда, и придали ему новую команду. Бобби Блэнд – тот певец, который нуждается в хорошей команде рядом. Тогда его продюсером стал Стив Барри, и главное – аранжировщиком и музыкальным руководителем стал Майкл Омартиан. И в то время фирма "АВС" начала позиционировать Бобби Блэнда уже совсем не как блюзмена, а как такого утонченного соул-артиста. И вскоре последовали две пластинки, и я думаю, что это вершина Бобби Блэнда. Я имею в виду диски "His California Album" и "Dreamer", соответственно 1973 и 1974 годов. Новый взлет Бобби Блэнда, конечно, это очень отрадное событие было для всех любителей соул-музыки. Немножко удивительно это было, если мы с вами учтем, что тогда соул-музыка вообще переживала определенный упадок после ухода из жизни некоторых отцов соул-музыки во главе с Сэмом Куком, Отисом Реддингом. В начале 70-х годов соулмены были на распутье, не знали, чем заниматься дальше, это было не лучшее время для отцов соул-музыки. Но не для Бобби Блэнда. Вот как раз у него-то тогда был полный порядок. В 1975-76 годах подъем продолжался уже в компании с другим музыкантом – с его знаменитым другом Би Би Кингом. Эти два года они провели в непрерывных, крайне успешных турах – и по Америке, и по всему миру, и были выпущены две концертные пластинки по результатам этих разъездов. Одну песню из этих пластинок мы скоро услышим. Параллельно в 1975 году вышел сольный диск Бобби Блэнда "Get On Down with Bobby Bland". Это была пластинка в стиле country & western. Но только на первый взгляд это кажется удивительным, вот такой вот поворот в музыке Бобби Блэнда. На самом деле очень и очень многие соулмены любили временно освоить территорию кантри-музыки. Мы с вами говорили об этом – у многих были кантри-пластинки, а у многих и не одна, в частности, у Джо Текса, у Рэя Чарльза. Рэй Чарльз, по-моему, первым из соулменов выпустил кантри-альбом. У Соломона Берка было это, у Бобби Уомэка. В общем, это не так удивительно. Но не могу сказать, что пластинка Бобби Блэнда лучшая в этом ряду. Наконец, в 1977 году целых два диска вышло. Первый из них – "Reflection and Blue", такой неплохой диск, уже в таком стиле респектабельного соула, что ли, я бы сказал. А этот стиль, в общем-то, на-гора, наверное, самый характерный для музыки Бобби Блэнда, так в исторической ретроспективе. Но вот вторая пластинка – это, знаете, такая антирекомендация. Я вам рекомендую в конце программы обычно, что послушать, но вот это я бы вам не рекомендовал точно. Она называлась "Come Fly With Me". Это Бобби Блэнд, вернее, его, наверное, шефы решили, что пора ему заняться диско-музыкой. Но это тихий ужас был, потому что эту музыку лучше оставить для тех людей, кто как бы ее хорошо чувствовал. В общем, все должны исполнять люди профильные. И на этом, между прочим, надо сказать, обжегся из соул-гигантов не один Бобби Блэнд. Но ладно, а вот давайте-ка сейчас мы с вами послушаем, как звучали вместе Бобби Блэнд и Би Би Кинг. Это пластинка "Together Again", вторая из этих двух совместных пластинок 1976 года. Песня называется, естественно, "Let The Good Times Roll". (Звучит песня "Let the Good Times Roll".) АРУТЮНОВ: Это была песня "Let The Good Times Roll", совместное исполнение Бобби Блэнда и Би Би Кинга. Прямо сейчас я должен сказать одну очень важную вещь. Во-первых, наверное, то, что делал на гитаре Би Би Кинг, было очень близко пониманию гитарной музыки Бобби Блэндом, то есть, наверное, если бы он был гитаристом, он играл бы так же. И, наверное, еще и потому что они дружили сызмальства. Во всяком случае, Бобби Блэнд всегда от своих гитаристов добивался того, чтобы они играли в духе Би Би Кинга, обратите внимание, если будете слушать много его музыки. Я бы сказал даже, что музыка Би Би Кинга и Бобби Блэнда похожи, за исключением того, что Бобби Блэнд не был гитаристом, и, конечно, вокалы у них разные. Но, тем не менее, все это похоже. Этот вот такой южный, немного рафинированный блюз с очень сильным элементом соул-музыки, ведь это же характерно и для Би Би Кинга, для раннего, помните его ранние работы? Вернее, вспомните, пожалуйста. Итак – в 1979 году происходит очередная пертурбация с издающей фирмой. В 1979 году супергигант музыкальной индустрии фирма "MCA" купила с потрохами, в свою очередь, эту самую фирму "АВС". И надо сказать, что многие артисты тогда потеряли контракты. Но Бобби Блэнда "МСА" оставила в своем каталоге, начала им активно заниматься, и в 1979 году он выпустил свой первый диск на "МСА", он назывался "I Feel Fine, I Feel Good". Это неплохая пластинка, но уже в таком характерном для того времени стиля для Бобби Блэнда, такой респектабельный поп-соул, надо так сказать. В 1982 году (внимание!) Бобби Блэнд впервые поехал на гастроли в Англию. Вот это очень удивительно, учитывая то, что я говорил, учитывая его влияние на английских музыкантов и большую популярность в среде английских музыкантов и таких серьезных ценителей музыки. Впервые, да, в 1982 году, надо же! В 1983 году вышел еще один лонгплей "Here We Go Again", и надо сказать, что с этой пластинкой был связан такой заметный коммерческий успех Бобби Блэнда. В 1985 году – новая фирма "Malaco Records", но это интересно тем, что эта фирма специализировалась на традиционных корневых жанрах южной музыки, и таким образом Бобби Блэнд как бы вернулся в свою такую природную среду. А дальше все, собственно, как и всегда. То есть, пластинки выходили к сегодняшнему дню все реже и реже, концерты до сегодняшнего дня, они имеют место, но надо учитывать преклонный возраст исполнителя – 82 года, это не шутки. И давайте-ка мы пожелаем ему здоровья. А теперь в конце программы третья и последняя историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: Несмотря на то, что синглы Бобби Блэнда в некотором смысле предвосхитили мэйнстримовый бум в соул-музыке, захлестнувший мир в середине 60-х, а его вокальный стиль вдохновил не одно поколение ритм-энд-блюзовых певцов, карьера самого артиста к концу 60-х стала неожиданно терять обороты. Разумеется, Блэнда всегда выручало высочайшее исполнительское мастерство и крепкий бэнд, а, значит, плотный гастрольный график. Однако с развитием шоу-бизнеса успех артиста все сильнее зависел от продаж пластинок, а с этим у Бобби Блэнда дела зачастую обстояли сложно. Распустив в конце 60-х свой верный биг-бэнд, певец, тем не менее, не собирался сдаваться. В первой половине 70-х годов ему удались две заметные студийные работы: "His California Album" и "Dreamer". А частые в новом десятилетии совместные выступления со старым другом Би Би Кингом послужили основой для удачных концертных пластинок. К началу 80-х годов траектория и карьера Бобби Блэнда окончательно разминулась с рок-мэйнстримом, и вслед за многими корневыми ритм-энд-блюзовыми артистами к 90-м годам он приобрел солидный нишевый статус. Сегодня Бобби Блэнд – патриарх американской музыкальной культуры. Однако, несмотря на 82-летний возраст, певец продолжает выпускать пластинки на небольшом южном лейбле и регулярно поднимается на сцену, чтобы в очередной раз порадовать публику своей неповторимой вокальной манерой. АРУТЮНОВ: Ну, да, и я забыл сказать, что еще в 90-е годы Бобби Блэнд частенько объединял усилия с Би Би Кингом, и там они вдвоем утюжили всю Америку вдоль и поперек. Ну, хорошо, давайте в конце программы традиционно я вам кое-что посоветую. Вы знаете, очень интересный диск, он не был в свое время издан, как лонгплей такой номерной, это сборник его синглов второй половины 50-х – начала 60-х годов. Называется он "The Definitive Collection". А также две вполне номерные, вполне полноценные и вполне выдающиеся пластинки: диск "His California Album", 1973 год, и "Dreamer", 1974 год. В конце программы, конечно же, должна прозвучать "Ain’t No Love in the Heart of the City". Это был великий Бобби Блэнд. (Звучит песня "Ain’t No Love in the Heart of the City".) 53:52 no http://finam.fm/archive-view/5671/ В студии: Николай Арутюнов.  Выпуск от 03.03.2012   ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Open Up Dying to Live Tobacco Road Free Ride -  Дэн Хартман  Keep on Burnin’ Cool Dance Have Mercy Give It Everything You Got   НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Edgar Winter's White Trash - 1971 Roadwork - 1972 They Only Come Out At Night - 1973   АРУТЮНОВ: Я приветствую слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM"-радио, я – ведущий этой программы Николай Арутюнов, предлагаю вам сегодняшнюю тему: американский музыкант, певец, клавишник, альт-саксофонист, и так далее и тому подобное – Эдгар Винтер. (Звучит песня " Open Up ".)   АРУТЮНОВ: Ну что ж, говорим сегодня с вами об Эдгаре Винтере, будем так его на русский манер называть. Сразу очень хочется сказать об этом музыканте вот что: Эдгар Винтер – это очень необычный музыкант, очень необычный человек, очень яркий, очень нестандартный, человек, который сразу бросается в глаза и уши. Бог наделил его очень нестандартной внешностью, ну, напоминаю, он, как и его родной брат Джонни Винтер – альбинос, и, естественно, со всеми вытекающими последствиями, я сейчас имею в виду его внешность. Кроме того, я думаю, что тот... ]]> Sat, 03 Mar 2012 12:05:00 +0400 Edgar Winter В студии: Николай Арутюнов. ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Open Up Dying to Live Tobacco Road Free Ride - Дэн Хартман Keep on Burnin’ Cool Dance Have Mercy Give It Everything You Got НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Edgar Winter's White Trash - 1971 Roadwork - 1972 They Only Come Out At Night - 1973 АРУТЮНОВ: Я приветствую слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM"-радио, я – ведущий этой программы Николай Арутюнов, предлагаю вам сегодняшнюю тему: американский музыкант, певец, клавишник, альт-саксофонист, и так далее и тому подобное – Эдгар Винтер. (Звучит песня " Open Up ".) АРУТЮНОВ: Ну что ж, говорим сегодня с вами об Эдгаре Винтере, будем так его на русский манер называть. Сразу очень хочется сказать об этом музыканте вот что: Эдгар Винтер – это очень необычный музыкант, очень необычный человек, очень яркий, очень нестандартный, человек, который сразу бросается в глаза и уши. Бог наделил его очень нестандартной внешностью, ну, напоминаю, он, как и его родной брат Джонни Винтер – альбинос, и, естественно, со всеми вытекающими последствиями, я сейчас имею в виду его внешность. Кроме того, я думаю, что тот же бог наделил его гениальными музыкальными способностями. Да-да-да, дело в том, что, ну конечно, есть в рок-мире музыканты, и их довольно много, которые могут сказать, что они достигли большей популярности, чем Эдгар Винтер, большего коммерческого успеха. Есть музыканты, которые даже могут сказать, что они буквально изобрели, внедрили какой-то новый стиль, таких музыкантов поменьше, но они тоже есть, и они будут по-своему правы, поскольку Эдгар Винтер так кардинально ничего нового не придумал, он просто синтезировал все, что было до него. Но я думаю, что не найдется в мире музыканта, который взял бы на себя смелость утверждать, что он музыкально одарен больше, чем Эдгар Винтер. Потому что любой мало-мальски выдающийся музыкант, и, соответственно, адекватный, знающий себе цену, знает прекрасно цену и другим музыкантам, и эти люди понимают, слушая музыку Эдгара Винтера, что здесь они имеют дело, да и мы все с вами, имеем дело с фантастическим музыкальным талантом. Кроме того, я должен вам сказать, что мы как бы исподволь, может быть, даже неосознанно, готовили вас и сами готовились к этой программе, и вы можете вспомнить, что имя Эдгара Винтера мы упоминали очень часто. Ну, во-первых, мы упоминали о нем, когда у нас была программа про Джонни Винтера, но это совсем давно было, затем, так сказать, в обозримом прошлом мы говорили об Эдгаре Винтере косвенно в контексте таких людей, как Ронни Монтроуз, помните, мы говорили, Ронни Монтроуз – выходец из группы Эдгара Винтера. Также мы говорили о Рике Дерринджере – человеке, который был долгое время партнером Эдгара Винтера в его команде. И, наконец, сравнительно недавно мы говорили о Джерри Лакруа – выдающемся певце, который долгое время пел с Эдгаром Винтером. Все эти люди, так или иначе, могут сказать, что они, ну, если не воспитанники Эдгара Винтера, потому что сами по себе они очень сильные и значимые музыканты, то, по крайней мере, его друзья и его партнеры. И, конечно же, они всегда отмечают то, что Эдгар Винтер на них очень серьезно повлиял. Эдгар Винтер в чем-то напоминает совсем недавнего нашего с вами персонажа Алексиса Корнера, а именно – в своей, я бы сказал, такой вокальной скромности. Он очень часто и очень охотно уступал место у микрофона своим партнерам, и если, скажем, в случаях с Джонни Винтером или с Джерри Лакруа это было понятно, это равновеликие певцы Эдгару Винтеру, то, скажем, такие люди, как Дэн Хартман или Рик Дерринджер – да, они, конечно, неплохо очень поют, но это американские музыканты, в Америке почти все музыканты владеют вокалом в той или иной степени, но все же, конечно, они вокально не чета Эдгару Винтеру. Тем не менее, Эдгар Винтер, наверное, получал какое-то удовольствие, давая возможность петь этим людям, этим и другим. Можно сказать, нам еще с вами повезло, что Ронни Монтроуз вообще не поет, а так бы он тоже пел в группе Эдгара Винтера. И так же, как Алексис Корнер, Эдгар Винтер получал всегда колоссальное удовольствие от сильного партнера в своем коллективе, и любил очень открывать новые дарования, новые таланты. Ну все, давайте двигаться дальше, давайте послушаем знаменитую балладу Эдгара Винтера "Dying to Live", это его второй альбом 1971 года, который назывался "Edgar Winter’s White Trash". ( Звучит песня "Dying to Live".) АРУТЮНОВ: Ну, я так подозреваю, что это последняя баллада в сегодняшней программе, но остальные песни вам тоже понравятся, и я надеюсь, что кое-кто из вас их знает. Первая историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Американский певец, саксофонист, клавишник и композитор Эдгар Винтер относится к тем немногим музыкантам, чье творчество служит красноречивым свидетельством того, что самые смелые новации нуждаются в крепких корнях. Гений Эдгара Винтера с немыслимой легкостью объединяет полярные на первый взгляд вещи – передовые музыкальные идеи, глубочайшее понимание и блестящую интерпретацию истоков рок-н-ролла – джаза, соула и блюза. Этот артист в некотором смысле предопределил судьбу корневых направлений в истории рока. Если бы не революционные пластинки Винтера начала 70-х, палитра современного белого блюзового музыканта была бы куда более скудной. Эдгар Винтер родился 28 декабря 1946 года в городе Бомонт, штат Техас, вторым ребенком в благополучной и музыкальной семье. В том, что и Эдгар, и его старший брат Джонни стали суперзвездами, во многом заслуга их родителей. С ранних лет братья просто-напросто следовали примеру своего отца, который пел и играл на саксофоне в нескольких местных коллективах. Еще подростками младшие Винтеры прославились во всей округе, регулярно работая в тех заведениях, где по техасским законам были еще слишком молоды отдыхать. Братья росли, и если Джонни со временем все больше манила гитара и блюз, то Эдгар, попав под влияние джазовых титанов Кэннонбола Эддерли и Хэнка Кроуфорда, всерьез взялся за альт-саксофон и увлекся соул-музыкой. Впрочем, к тому времени молодой человек довольно ловко управлялся с пианино, а также с гитарой и даже барабанами. АРУТЮНОВ: Ну да, что было, то было. Вот видите, талант, чрезмерная одаренность Эдгара Винтера дали о себе знать очень рано. Добавлю к справке, что после освоения техасских земель, братцы отправились на север, и уже где-то в первой половине 60-х осели в Чикаго и производили там фурор в чикагских блюзовых клубах. И надо сказать, что там они были буквально белыми воронами, причем, едва ли не в прямом смысле этого слова, потому что тогда в Чикаго, в колыбели блюза, никто из белых музыкантов блюз не играл, только-только на горизонте появился наш с вами опять же старый друг Пол Баттерфилд, там Чарли Масселвайт, Майк Блумфилд, но эти двое уже просто приковывали к себе внимание чикагской блюзовой общественности. После этого они сместились в Нью-Йорк, уже это я имею в виду середину и вторую половину 60-х, где тоже прогремели, пока они еще вдвоем. Кстати, их ранние опусы можно услышать на пластинке Джонни Винтера "Johnny Winter Story", там как раз записи Джонни Винтера, в которых помогал Эдгар Винтер, того периода – чикагского и нью-йоркского. Дальше Джонни Винтер, напоминаю, первым из братьев, ну, он постарше на два года, подписал контракт с "CBS", и в 1969 году вышла его первая пластинка, а в 1970-м – второй альбом "Second Winter", и вот на нем-то Эдгар Винтер сыграл очень здорово на альт-саксофоне и на рояле, и тоже привлек к себе внимание, и, соответственно, тоже вскоре получил контракт с тем же "CBS". Первый альбом Эдгара Винтера назывался "Entrance", и вышел в 1970 году, и, в общем-то, произвел сильное впечатление, ну, скорее, может быть, на околомузыкальную общественность, не могу сказать, что это была такая очень яркая какая-то, доступная широким кругам музыка, но все, кто имел отношение к профессиональному музыкальному бизнесу, конечно, поняли, что появился новый очень сильный музыкант. Достаточно сказать, что, хотя на пластинке были указаны музыканты, которые ее записывали, но подавляющее большинство треков всех инструментов записал сам Эдгар Винтер. Брат поучаствовал в пластинке, он там эпизодически на губной гармошке, кстати, играл, и написал почти половину всего материала, братец Джонни. Хорошая пластинка, тем более, хороша она для дебюта, но такая немножечко эклектичная. Вообще, эклектика, конечно, в лучшем смысле этого понятия – это то, что сопровождает Эдгара Винтера на протяжении всей его карьеры, но тогда это было так, может быть, чересчур, там и джаз, и блюз, и рок, и все что угодно, и даже немножечко там психоделии, арт-рока – ну, 1970 год, не забывайте. Мне лично эта пластинка напоминает работы Стиви Уандера того периода, и вокально Эдгар Винтер немного напоминал тогда Стиви Уандера, но главное, просто он выплеснул тогда все, что у него накопилось за 60-е годы, продемонстрировал свою музыкальную эрудицию. Сейчас давайте послушаем песню, давайте не будем слушать первый альбом, давайте будем слушать то, что потом. Послушаем песню с его третьего альбома, это его группа "White Trash", альбом 1972 года, назывался он "Roadwork", давайте послушаем оттуда фрагмент песни "Tobacco Road", это классический блюз, послушайте, что там вытворяет вокалом Эдгар Винтер. (Звучит песня " Tobacco Road " .) АРУТЮНОВ: Это были фрагменты песни "Tobacco Road", напоминаю вам, это концертная запись, то есть это запись, в которой ничего не подправлено, не дописано, не переписано, ничего не усовершенствовано. И вот, вы знаете, я вам хочу сказать, я очень хорошо помню свои впечатления, давно еще, в 70-е годы мне приятель дал послушать этот диск, и у меня, когда я дошел до этого фрагмента, просто глаза из орбит вылезли, и там, я не знаю, уши трубочкой свернулись, то есть я не понимал, как вообще человек может это делать. Потом, когда я уже стал профессиональным музыкантом, я понял, что человек этого делать не может. То есть, до сих пор, когда я слушаю вообще этот диск, этот фрагмент и другие записи Эдгара Винтера, я иногда просто не понимаю, как существо, сделанное из той же плоти и крови, что и мы с вами, способно на такие вещи, какие-то запредельные возможности музыкальные, вокальные, что там с вокалом происходит, вы же слышите – то есть какая-то фантастическая динамика, владение ритмикой, бешеный совершенно диапазон, то есть человек скачет буквально в течение одной секунды из одной октавы в другую, из одного характера звука в другой, из фальцета такого кричащего, к реальному баритону. В общем, конечно, у Эдгара Винтера был базовый звук, собственно, и есть до сих пор, такой немножко назализированный, что ли, вот звук человека, который так недавно переболел гриппом, но это его самый характерный, основной звук. Но при этом основном звуке у него еще есть целый ряд вспомогательных, которые позволяют ему придать ну совершенно, опять же, запредельную эмоциональность его пению, рык какой-то его характерный, или, наоборот, фальцетный визг самый натуральный, вот эта высочайшая совершенно вокальная техника. Помните, да, вот в этой записи он продемонстрировал владение этим гитарным пассажем, потом уже ставший стандартом пассаж такой, пентатонический, снизу вверх. И вот Эдгар Винтер все это проделывал голосом, причем, это очень мелкое пение, и вообще его такая мелкая мелизматика – это сейчас этой мелизматикой владеет любой или любая исполнитель R’n’B, это сейчас общее место, а раньше, в начале 70-х, кроме Эдгара Винтера, и, пожалуй, того же Стиви Уандера, никто не владел такой вот мелкой техникой пения. Ну, и еще хочу сказать, что в промежутках между пением человек исполнял потрясающе на альт-саксофоне, что требовало еще, так сказать, серьезных легких, да, потом пересаживался за клавиши, играл на клавишах, и вообще, эта песня – это эпическое произведение, там оно занимает всю сторону альбома, альбом двойной, и кроме этого, Эдгар Винтер там демонстрирует владение вообще всеми стилями, я не знаю, от джаза до хард-рока в процессе этой песни, потому что она состоит из многих очень фрагментов, и присев за клавишный инструмент, за электропиано, он даже использовал чуть-чуть какой-то восточный лад, в общем, вот все что угодно есть в этом произведении, я, естественно, буду вам это все рекомендовать в конце. Вместе с тем, основные киты музыки, уже возвращаясь к музыке Эдгара Винтера, основные киты его музыки – это блюз, соул, фанк и рок. Опять же скажу, что он испробовал почти все, что угодно, почти все направления эпизодически встречались в его музыке, но вот эти четыре кита – это его верные спутники до сих пор. Идем дальше, слушаем песню "Free Ride", это уже 1973 год, альбом "They Only Come Out at Night". (Звучит песня " Free Ride ". ) АРУТЮНОВ: Это была песня "Free Ride" с альбома 1973 года, правильно вы заметили – поет не Эдгар Винтер, но я же вам говорил, что не меньшее удовольствие, чем свое пение, ему доставляло пение рядом стоявших с ним людей. Это поет Дэн Хартман. Ну, конечно, это немножко другой уровень пения – пение Дэна Хартмана, ну просто потому, что так, как Эдгар Винтер тогда, в общем-то, я уже говорил, мало кто мог петь, пение Эдгара Винтера – это типичный пример такого инструментального подхода к вокалу, когда в некоторых фрагментах мы понимаем, что человек поет так, как он бы сыграл это все на гитаре или на альт-саксофоне. Такого рода пение, обращаю ваше внимание еще раз – это удел очень и очень немногих, избранных. Ну хорошо, вернемся к карьере Эдгара Винтера. Записав в Нью-Йорке свой первый альбом "Entrance", он поехал на родину, и продемонстрировал своим дружбанам – тем ребятам, с кем он играл там у себя в Техасе, свою запись, они были впечатлены, и он им сказал, что вот он хочет теперь играть с ними, и пригласил их всех в свою новую группу, которую назвал "Edgar Winter’s White Trash". Одним из этих ребят был Джерри Лакруа, и таким образом группа была сформирована, и начала свое, к сожалению, очень короткое существование группа "White Trash". Они записали осенью 1971 года альбом, одноименный – "Edgar Winter’s White Trash", и он занял очень скромное 111-е место в Америке, это странно, но, с другой стороны, большое видится на расстоянии. В 1972 году вышел второй их альбом, двойной альбом "Roadwork". Вот эти два альбома группы "White Trash" – это просто термоядерная смесь соула, фанка, блюза, рока, и все это подавалось с не менее термоядерным драйвом. И все это еще с дудками, с виртуозной игрой, с виртуозным же пением и Эдгара Винтера, и Джерри Лакруа. Но, к сожалению, после двух лет активнейшей гастрольной деятельности (по Америке в основном) группа распалась, я уже как-то говорил, они были под впечатлением от нелепой гибели их барабанщика Бобби Рамиреса в какой-то кабацкой драке, и разошлись. Давайте слушать следующую песню, она называется "Keep on Burnin’", это 1975 год, альбом уже другой группы, которая называлась "Edgar Winter Group", альбом назывался "Jasmine Nightdreams". ( Звучит песня "Keep on Burnin’".) *** АРУТЮНОВ: Это была песня "Keep on Burnin’" 1975 года. Вот видите, Эдгар Винтер, конечно же, слушал и британские рок-достижения, в этой песне так рифф напоминает, конечно, рифф "Led Zeppelin", помните их песню "Ocean", ну и звук барабанов тоже такой, ледзеппелиновский. Вторая историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: К концу 60-х Эдгар Винтер был уже сложившимся высокопрофессиональным артистом и ярчайшим представителем техасской сцены – одного из тех региональных музыкальных месторождений, которые вскоре определят лицо американского рока 70-х. Переиграв в немыслимом количестве местных коллективов, наиболее заметными среди которых были "Johnny & the Jammers", "The Crystaliers" и "The Black Plague", Эдгар покорил боссов "CBS" блестящей игрой на пластинке старшего брата, чья карьера пошла в гору чуть раньше, и в 1970-м получил собственный сольный контракт. Пластинка "Entrance", где Эдгар практически в одиночку записал все инструментальные и вокальные партии, стала своего рода манифестом молодого артиста. Ставка на синтез корневых стилей, реализованный с максимальной аутентичностью и актуальной мощной роковой подачей, оправдала себя моментально. Для закрепления успеха Эдгар объединил лучших земляков музыкантов, в том числе и феноменального вокалиста Джерри Лакруа, в проект "White Trash" – беспрецедентный и безупречный по тем меркам состав, положивший американскую публику на обе лопатки. АРУТЮНОВ: Так оно и было. Ну, хорошо, мы с вами уже знаем, что эта группа быстро распалась, и в конце 1972 года Эдгар начал формировать новую, уже такую рок-группу. Он взял барабанщика Чака Раффа, бас-гитариста Дэна Хартмана, и гитариста Ронни Монтроуза. Группа называлась "Edgar Winter Group", и в начале 1973 года они выпустили свой первый альбом, который назывался "They Only Come Out at Night", песню оттуда "Free Ride" мы недавно слушали. Но это все произвело фурор в Америке. Пластинка заняла третье место, а, внимание, инструментал оттуда "Frankenstein" занял первое место, это вообще редчайший случай – первое место в хит-парадах песенных занял инструментал. В Англии тоже эта пластинка уже профигурировала в чартах, и песня "Free Ride" та самая заняла 14-е место, это уже в Америке. Ну, бог с ним, с этими местами, самое главное – вот этот инструментал "Frankenstein", который до сих пор является украшением любого концерта Эдгара Винтера, вначале планировался как такая дописочка, как довесок к песне "Hangin’ Around", тоже великолепная песня с этого альбома, ее хотели выпустить синглом, а B-сайдом планировался этот "Frankenstein", ну, "Франкенштейн" в нашем обиходе, да, но потом все поняли, что уж как-то неожиданно этот инструментал производит сильное впечатление на народ, и в последний момент боссы "CBS" переориентировались, и сделали "Frankenstein" первой стороной сингла. Откуда взялось такое название? Забавная история. Этот трек такой был, в общем-то, достаточно многострадальный при записи, и много в процессе записи они редактировали это произведение, одним словом, так сказать, наложили на него много заплаток, вот откуда ассоциация с Франкенштейном, собственно, откуда и название "Frankenstein". 1973 год – это год взлета новой группы Эдгара Винтера, летом 1973 года они наконец посетили Англию, где играли в одном большом очень концерте с англичанами "Lindisfarne", "Barclay James Harvest", а также со своими земляками "Sly and the Family Stone" и "Canned Heat". В тот период Эдгар Винтер очень увлекся новыми звуковыми возможностями новых клавишных инструментов – синтезаторами, "мугами", и кроме "Frankenstein", у него есть заметный инструментал "Solar Strut" примерно того же времени, и надо сказать, что Эдгар Винтер был одним из первых, если не первым, кто выходил на публику с синтезатором наперевес – он брал как гитару этот инструмент, через плечо закидывал ремень, и, в общем, все это смотрелось крайне эффектно, публика была в восторге. Следующая песня нашей программы – "Cool Dance", 1976 год, альбом "The Edgar Winter Group With Rick Derringer". (Звучит песня " Cool Dance ".) АРУТЮНОВ: Это была "Cool Dance". После пластинки "They Only Come Out at Night" ушел Ронни Монтроуз делать свою группу "Montrose", и вместо него пришел Рик Дерринджер, таким образом, классический состав группы Эдгара Винтера сформировался окончательно. Те годы – это было время американского триумфа Эдгара Винтера. В 1974 году вышел альбом "Shock Treatment". Этот альбом был на 13-м месте в американских альбомных списках, и получил золотой статус со временем, хороший альбом, но на нем доминировал Дэн Хартман – поющий бас-гитарист группы, но он еще на других инструментах тоже играл, вообще, это, скорее, был не инструменталист, а просто участник ансамбля, и такой сопродюсер Эдгара Винтера. Это выдающийся музыкант, мы не сможем, к сожалению, о нем делать программу, поскольку сольная его музыка – она, в общем-то, не нашего профиля, это, скорее, такой диско-поп-рок, но тогда он играл в группе Эдгара Винтера все что нужно, и сочинял все что нужно. К сожалению, этот музыкант в 1994 году умер, но до этого успел стать просто крайне уважаемой фигурой в американском шоу-бизнесе, он очень многих продюсировал, очень для многих писал, и этот человек всегда был способен написать совершенно гениальную песню, достаточно вспомнить песню Джеймса Брауна "Living in America", или песню "Average White Band" "You’re My Number One" и многие-многие другие, и в составе группы Эдгара Винтера он это же проделывал уже тогда, "Free Ride" – это его песня, и, кстати, "Cool Dance", которая только что прозвучала – тоже его песня, но пел ее Эдгар Винтер, а так вот на альбоме "Shock Treatment" в основном пел Дэн Хартман. После этого Эдгар Винтер, собственно, как и его брат Джонни, перешел на фирму "Blue Sky", ну это такое одно из подразделений "CBS", и дальше выпускались они на "Blue Sky". Пластинка 1975 года "Jasmine Nightdreams" – это уже немножко другая по музыке пластинка, "дежурным по диску" на ней был уже сам Эдгар Винтер, если можно так выразиться, он большинство материала написал и спел, тем не менее, влияние Дэна Хартмана ощущалось, это такой был поп-соул-рок. И, наконец, в начале 1976 года еще одна пластинка этой группы, она называлась "The Edgar Winter Group With Rick Derringer". Ну это уже возврат к фанку, но уже на этот раз без дудок, не считая альт-саксофона Эдгара Винтера, и Рик Дерринджер достаточно много пел на этой пластинке. После этого диска сам Рик Дерринджер и Дэн Хартман ушли из группы, ушли в сольную деятельность, и Эдгар Винтер, осиротев немножечко, поехал в огромное всеамериканское турне со своим братом Джонни Винтером, результатом этого турне явилась концертная пластинка "Together", скоро мы песню оттуда послушаем. На следующий, 1977 год, Эдгар Винтер восстановил свою легендарную группу "White Trash", вместе с Джерри Лакруа, саксофонистом Джоном Смитом и с гитаристом Флойдом Редфордом. Другие люди были, новые по сравнению с 1971 годом, была очень неплохая пластинка 1977 года "Recycled", и с этой пластинки мы взяли песню в начало нашей сегодняшней программы, песню "Open Up". Да, это была фанковая пластинка, в традициях "White Trash", но появились такие первые, тревожные для нас с вами попсовые намеки на этом диске, и, к сожалению, эти намеки в полный рост уже перестали быть намеками, стали музыкой на пластинке 1979 года, которая называлась "The Edgar Winter Album", к сожалению, не лучшее завершение 70-х годов для Эдгара Винтера, такой настоящий диско-поп. В 1981 году попытка реабилитации в глазах рок-н-ролльной общественности, диск так и назывался – "Standing on Rock". Не могу сказать, что это лучшая работа в карьере Эдгара Винтера. Затем длительная многолетняя пауза в его работе, в 80-е годы фактически только сессионная работа Эдгара Винтера с Дэном Хартманом, его другом, с небезызвестным Мит Лоуфом, с Бетт Мидлер не менее небезызвестной, ну мы с вами, в России, да и, наверное, люди во всем мире, лучше всего запомнили Эдгара Винтера образца 80-х по песне, и, соответственно, по клипу Тины Тернер "Simply the Best", помните, там запоминающаяся картина – Эдгар Винтер стоит в центре цирковой арены, дует в свой альт-саксофон, играет свое историческое, я бы сказал, соло в этой песне, наверное, вы помните это все. В 1989 году первая после паузы пластинка "Mission Earth", слабый диск, но еще надо сказать, что он тогда увлекся сайентологией, и все тексты были продиктованы этим учением. В 1990 году еще один диск, тоже не очень сильный – "Harlem Nocturne", но не это интересно. В 1990 году состоялся такой реюнион-тур, мировой тур вместе с Риком Дерринджером, по результатам которого была пластинка "Live in Japan". А результатом этой пластинки был иск, который подали Дерринджер и Винтер, поскольку эту пластинку выпустили без их ведома. Наконец, в 1992-1993 году очень много гастролей в Америке, после долгого, опять же, перерыва, со старшим братом Джонни, а также в компании с группами "Poco" и "John Kay’s Steppenwolf". И, наконец, в 1994 году очень сильная работа, впервые за многие годы полноценный сильный диск – "Not a Kid Anymore". Ну и дальше все, так сказать, как положено, с известной периодичностью пластинки вплоть до наших дней. К сожалению, с конца 80-х годов Эдгар Винтер играет уже совсем с другими музыкантами, они часто меняются, и это обычные такие, я бы сказал, американские, в основном хард-роковые музыканты, очень надежные, очень хорошего профессионального уровня, но не корневитые, вот эта корневитость в проектах Эдгара Винтера держится фактически сегодня на нем одном, и этого, наверное, недостаточно для такого музыканта, как он. Его возможности, мы знаем, почти безграничны, вот это слово "почти" как раз относится к его составу. Давайте послушаем совместную работу Эдгара и Джонни Винтеров 1976 года с альбома "Together", песня называется "Mercy, Mercy" или "Have Mercy", во всяком случае, это знаменитая соул-классика. (Звучит песня "Have Mercy" .) АРУТЮНОВ: Это была песня, которую написал в свое время Дон Ковэй – "Mercy, Mercy" Последняя историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: История проекта "White Trash" оказалась недолгой, что характерно для любой супергруппы, и к 1972 году участники этого ритм-энд-блюзового смерча разошлись с сольными дорогами. Что касается Эдгара Винтера, то он вновь воспользовался проверенным рецептом, и, собрав вокруг себя сильнейшую команду, куда вошли Ронни Монтроуз и Дэн Хартман, записал, возможно, свою лучшую студийную работу – пластинку "They Only Come Out at Night". Альбом мгновенно стал классикой современного блюз- и соул-рока, а такие песни, как "Free Ride" или "Frankenstein", до сих пор составляют золотой фонд репертуара Эдгара Винтера. Тогда же музыкант одним из первых в мэйнстримовом роке стал использовать экзотический по тем временам синтезатор, подвешивая его на шею на гитарном ремне, что также служит украшением любого современного шоу Винтера. Вышедшая в 1974 году пластинка "Shock Treatment" стала, пожалуй, последним мощным кроссоверным хитом музыканта, хотя до конца десятилетия ему удавались крепкие работы с ярко-выраженным фанк-роковым напором. Дальнейшая карьера Эдгара Винтера пролегала вдали от чартовой суматохи, однако круг почитателей музыканта, как и его популярность, достаточно велики, чтобы вплоть до наших дней обеспечивать его пластинкам стабильные продажи, а его выступлениям – неизменные аншлаги. АРУТЮНОВ: Ну, и в конце программы немного о личных впечатлениях. В прошлом году у меня была возможность сравнить воочию обоих братьев. Эдгара Винтера мы все с вами, наверное, видели в Москве в составе группы Ринго Старра "All Starr Band", конечно, бросалось в глаза, что он энергетически превосходит всех остальных участников ансамбля. К сожалению, противоположная картина была на концерте Джонни Винтера, на котором я побывал в прошлом году. Я прекрасно понимал, что я увижу, что я услышу, но вот, видите, два брата, два человека, между которыми всего два года разницы, но, тем не менее, разница в их кондиции, что ли – физической, энергетической – просто полярна. Мы с вами знаем, что Джонни Винтер злоупотреблял всем, чем только можно, вот результат совершенно очевиден на его концерте, то есть там нет речи о какой-то игре на гитаре, о каком-то пении, а речь есть только о том, чтобы увидеть живого Джонни Винтера, собственно, я лично за этим и приехал, и подозреваю, что все люди в зале, в общем-то, пришли с той же целью. В очень плохом он состоянии, я это говорю с очень большой болью и с печалью. Но, тем не менее, все мы, кто был на этом концерте, можем сказать, что мы видели Джонни Винтера, собственно, больше ничего об этом концерте сказать нельзя. А вот о концертах Эдгара Винтера можно сказать совершенно другое. Слава богу, много очень есть видео и 90-х, и 2000-х годов, он в потрясающей форме, сохранил вот эту свою живость, те, кто видел, понимают, о чем речь, такой вот совершенно нестандартный человек, я имею в виду его физическую оболочку – очень подвижный, забавный, где-то корявый, ну, его такая неплавность движении – она обусловлена тем, что он тоже, в общем-то, не самый здоровый от рождения человек, альбинос, плохо видит, и, конечно, наверное, это накладывает отпечаток на его ощущение пространства, вот отсюда такая немного нелепая манера передвижения. Но все это жутко трогательно, народ его любит просто потрясающе. У меня была счастливая возможность пообщаться с Эдгаром Винтером, дело в том, что он был в нашей стране первый раз очень давно – в 1989 году, но многие запомнили его по участию в популярной тогда программе "Музыкальный ринг", тоже, в общем, как такой посланец из других миров он там выглядел – и физически, и музыкально, ментально. Он участвовал в каком-то концерте, я не знаю, какая-то очередная борьба была то ли за мир, то ли против наркотиков, в "Олимпийском" был какой-то сборный концерт, Латойя Джексон там выступала, и Эдгар Винтер, тогда он приехал в компании с Леоном Расселом и со своей командой. Нашу страну представлял достойный такой фанк-роковый ансамбль "Ласковый май". Но должен признаться, я отказал себе в удовольствии послушать эту группу, поскольку, когда они вышли на сцену, я в тот момент сидел в гримерке и общался с Эдгаром Винтером – я со своей женой, со своим совсем тогда еще маленьким сыном Сергеем. Вот к чему я вам это говорю. Мы сидели, долго разговаривали в гримерке, Эдгар Винтер – человек потрясающего обаяния, интеллигентности и мягкости, и какого-то магнетизма, совершенно естественного, не наигранного. Он спокойно общался со мной, даже дал мне пару, так сказать, певческих советов, и вот представляете картину: сидит Эдгар Винтер, как бы вам это, тем, кто его не очень хорошо знает внешне, донести?.. Ну, еще раз повторю, ну такое необычное существо – он альбинос, кожа у него совсем белая, и вот он сидит, положил руки на спинку кресла, и его ладони, с такими длиннющими пальцами, совсем тонкими, и все это такого перламутрового, что ли, оттенка, все такое очень тонкое, совсем белое-белое, едва ли не прозрачное. И вдруг я вижу, что в процессе разговора подходит ребенок, мой сын, и кладет руку вот на эту самую волшебную руку Эдгара Винтера. Вот эта картина до сих пор у меня перед глазами. То есть, видно, у ребенка возникла в тот момент какая-то интуитивная потребность прикоснуться к этому совершенно необычному человеку. Ну, ладно, я думаю, в общем-то, достаточно, и я надеюсь, что вам ясно, о чем шла сегодня речь, и о ком, и вы теперь смело, ну, те из вас, кто до этого не сделал этого, можете зачислять Эдгара Винтера в список лучших музыкантов 70-х годов. Согласитесь, это очевидно и ушеслышно. Для подкрепления такого мнения о нем, рекомендую вам такие пластинки: "Edgar Winter’s White Trash" 1971 года, пластинка этой же группы "White Trash" – "Roadwork", двойной концертный альбом 1972 года, и пластинка группы "The Edgar Winter Group" 1973 года, она называется "They Only Come Out at Night". Ну, и в конце программы давайте еще раз окунемся в этот прекрасный музыкальный шабаш от Эдгара Винтера, в компании с Джерри Лакруа и группой "White Trash". Эта песня потрясает и пробивает до костей. "Give It Everything You Got", и уж поверьте мне, эти люди отдавали все – и музыке, и публике. ( Звучит песня "Give It Everything You Got".) 57:16 no http://finam.fm/archive-view/5631/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 25.02.2012     ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: I Got a Line On You She Smiles Dark Eyed Woman Nature’s Way Cadillac Cowboys Open Up Your Heart Pick It Up Mr. Skin НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: The Family That Plays Together - 1969 год Twelve Dreams of Dr. Sardonicus - 1971 год   АРУТЮНОВ: Я рад приветствовать в очередной раз всех слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM"-радио, меня зовут Николай Арутюнов, я – автор и ведущий этой программы. Сегодня нам с вами предстоит еще раз погрузиться в такой интересный мир West Coast-рока – сегодня мы говорим о группе из США "Spirit".   ( Звучит песня "I Got a Line On You".)   АРУТЮНОВ: Вы знаете, я вот сейчас, предлагая вам сегодняшнюю тему – группу "Spirit" из Лос-Анджелеса, немного загрустил, и скажу вам, почему. Я просто обнаружил, что мы уже почти обо всех героях West Coast-рока с вами говорили. Осталась, ну, может быть, я не знаю, группа "Love", может быть, "Moby Grape", а так в нашей программе по форматным нашим, так сказать, рок-н-ролльным соображениям мы не можем говорить о "Mamas and Papas", а так, я не знаю, "Great Society" – мы не можем о них говорить, потому что, ну,... ]]> Sat, 25 Feb 2012 12:05:00 +0400 "Spirit" В студии: Николай Арутюнов ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: I Got a Line On You She Smiles Dark Eyed Woman Nature’s Way Cadillac Cowboys Open Up Your Heart Pick It Up Mr. Skin НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: The Family That Plays Together - 1969 год Twelve Dreams of Dr. Sardonicus - 1971 год АРУТЮНОВ: Я рад приветствовать в очередной раз всех слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM"-радио, меня зовут Николай Арутюнов, я – автор и ведущий этой программы. Сегодня нам с вами предстоит еще раз погрузиться в такой интересный мир West Coast-рока – сегодня мы говорим о группе из США "Spirit". ( Звучит песня "I Got a Line On You".) АРУТЮНОВ: Вы знаете, я вот сейчас, предлагая вам сегодняшнюю тему – группу "Spirit" из Лос-Анджелеса, немного загрустил, и скажу вам, почему. Я просто обнаружил, что мы уже почти обо всех героях West Coast-рока с вами говорили. Осталась, ну, может быть, я не знаю, группа "Love", может быть, "Moby Grape", а так в нашей программе по форматным нашим, так сказать, рок-н-ролльным соображениям мы не можем говорить о "Mamas and Papas", а так, я не знаю, "Great Society" – мы не можем о них говорить, потому что, ну, вспомните, мы договаривались, чтобы у группы было хотя бы три пластинки – у них было две. Может быть, "Blue Cheer", но это географически West Coast-рок, а эстетически это немного другое. Может быть, о них поговорим, не знаю, я буду на эту тему очень серьезно думать. Ну вот давайте пока довольствоваться тем, что осталось – группа "Spirit". Да, группа "Spirit" – это West Coast-рок, рок Западного побережья Америки, знаменитая плеяда этих музыкантов, вторая половина 60-х, мы должны с вами уже все это хорошо знать, вспоминаете, очень о многих мы говорили из этой серии, из этой славной когорты. Тем не менее, West Coast, давайте так освежим основные положения нашей с вами науки, West Coast делится, конечно, на две подгруппы – это лос-анджелесская группировка, и сан-францисская. Сегодня говорим о Лос-Анджелесе. И, вы знаете, вот эти две группировки – они отличались друг от друга, вот чем: в Сан-Франциско народ был все-таки чуть-чуть более сплоченный, что ли, и более однородный. При всем том, что эти великие сан-францисские музыканты второй половины 60-х, конечно же, каждый сам по себе являет целую планету, помним, да – "Grateful Dead", "Jefferson Airplane", "Quicksilver Messenger Service", "Big Brother and the Holding Company" и многие другие, но они все же чуть-чуть родственники были музыкально, ну согласитесь, чем-то они друг друга, все эти группы, напоминали, и дружили, это исторический факт. В Лос-Анджелесе, не подумайте сразу, что я хочу сказать, что они не дружили – нет, конечно, тоже все, наверное, это тусовка была, тоже все между собой общались, но у них таких крепких родственных, что ли, связей не было между собой, да и группы в Лос-Анджелесе совсем были разными, ну вспомните – "Doors", и что общего в музыке тех же "Doors" и "Mamas and Papas"? Группа "Love", повторюсь, наверное, мы о них будем говорить. Ну, более-менее дружили и были как-то похожи так относительно – "Byrds" и "Buffalo Springfield". Во всяком случае, группа "Spirit", о которой сегодня идет речь – она как бы, да, она в Лос-Анджелесе, но она как бы немного в стороне от всего этого, нет исторических фактов, подтверждающих жесткую такую сцепку группы "Spirit" с остальными командами из этого города, и фактов сессионности какой-то там, совместных выступлений долгих, какой-то музыкантской дружбы с другими музыкантами этого города тоже нет. То есть я имею в виду постоянные какие-то связи. Естественно, они со многими общались, безусловно, но я сейчас говорил о тенденции, да, о некоем таком музыкальном землячестве в прямом и в переносном смысле слова. Вот я сказал, что музыкально "Spirit" весьма отличались от других групп Лос-Анджелеса, но был один аспект, в котором они весьма отличались не только от музыкантов Лос-Анджелеса, а от всех вообще музыкантов рок-музыки того времени. У группы "Spirit" был Эд Кэссиди, барабанщик Эд Кэссиди, по кличке Мистер Скин, и забегая вперед, скажу, что была ему посвящена песня, и эта песня закроет сегодняшнюю программу – "Mr. Skin". Так вот, Эд Кэссиди – уникальная совершенно фигура, уникальная. Во-первых, это, наверное, первый человек в истории рок-музыки, который не носил длинных волос, Эд Кэссиди не носил даже коротких волос – Эд Кэссиди был брит наголо, уже в 1967 году. Это сейчас у нас с вами это такая норма – бритоголовые музыканты, это некий шик такой, я даже думаю, что в рок-музыке это один из самых популярных имиджей сегодня, но не забывайте – середина-конец 60-х годов, никто тогда такую прическу не носил она стала появляться в рок-обиходе где-то, наверное, в конце 70-х годов, помните, был бритоголовый парень у Иэна Гиллана в группе, или вот в Америке, в Канаде, вернее – "April Wine", там кто-то, по-моему, был бритоголовый, потом, в 80-е годы – Тони Левин, и в 90-е годы просто сейчас уже стало нормой, и неизвестно, кого больше в роке – длинноволосых или безволосых. Я, кстати, считаю, что это классный имидж, по крайней мере, на мой личный взгляд, уж лучше, если ты не волосат, то уж лучше ты должен быть лысым, потому что если у тебя просто такая общегражданская прическа, то это как-то не очень рок-н-ролльно, но это чисто мой взгляд. Но это еще не все, и опять же это "не все" касается Эда Кэссиди. Помните, недавно мы с вами говорили про Алексиса Корнера, и говорили о том, что этот человек был генерационно другой, он был на 10-15 лет старше своих соратников в начале 60-х в британском блюзе – Корнер был 1928 года рождения. Эд Кэссиди, внимание – 1923 года рождения, то есть этот человек родился тогда, когда еще был жив Владимир Ильич Ленин, а это в рок-н-ролле очень важно, как вы сами понимаете. То есть вообще, вы вдумайтесь – человек играл в группе с людьми, которые ему на самом деле годились в сыновья, собственно, один из них и был его сыном, об этом впереди. Понимаете, да, вот эту ситуацию, вот середина-конец 60-х, новое поколение, новое поколение не только в музыке, а вообще в культуре, в жизни, принципиально другие люди, и молодежность, молодость ставилась во главу угла, это было едва ли не главным признаком прогрессивности человека – его возраст, 20-летний возраст. И вот с этими людьми играл более чем 40-летний человек. Да, конечно же, там недалеко в Сан-Франциско в 1971 году, по-моему, в 1970-71 году в "Jefferson Airplane" пришел престарелый, опять же по тем меркам, скрипач Папа Джон Крич, мы об этом говорили, но все равно и он был моложе Кэссиди. То есть престарелыми считались люди, которым было за 30 тогда, а здесь просто, ну… Но, вы знаете, это работало, это вызывало к группе повышенный интерес. Ладно-ладно, забегаю вперед. Давайте идти дальше по песням, вот песня из второго альбома группы "Spirit", альбом назывался "The Family That Plays Together", 1969 год, песня "She Smiles". (Звучит песня " She Smiles " .) АРУТЮНОВ: Краткость – сестра таланта. Это была песня "She Smiles" 1969 года, ну, в общем, я хотел сказать, что это просто слепок, один из слепков той эпохи, да? Первая историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Одна из легенд современной американской музыки, и одна из наиболее заметных и уважаемых команд Западного побережья – калифорнийская группа "Spirit" стояла у самых истоков эйсид-рока, и повлияла на становление американского рока в целом. "Spirit" уникальна хотя бы составом, вряд ли можно назвать еще одну классическую рок-группу, где вместе бы играли отец и сын, пусть и приемный, а старший из участников был бы 1923 года рождения. Парадоксально и то, что эта игравшая достаточно забористую психоделию команда самым непосредственным образом участвовала в зарождении и становлении такого далекого, казалось бы, формата, как американский радио-рок 70-х. Странные родственные связи, образовавшие "Spirit", тесно вплетены в генеалогию американского рока. Старший участник коллектива – легендарный барабанщик Эд Кэссиди, которому на момент формирования группы было более сорока лет, до участия в "Spirit" успел поработать в одном из самых многообещающих составов на калифорнийской сцене 60-х – проекте "The Rising Sons", объединившем двух будущих фолк-блюзовых титанов Рая Кудера и Тадж-Махала. Что касается приемного сына Кэссиди – Рэнди Калифорниа, то и его семья имеет самое непосредственное отношение к истории американского рока. Дядя гитариста основал знаменитый лос-анджелесский клуб "Ash Grove", ставший колыбелью местного фолк-движения. Перебравшись в середине 60-х с семьей в Нью-Йорк, боевое крещение юный музыкант получил в коллективе "Blue Flames" самого Джими Хендрикса, тогда предпочитавшего называться Джимми Джеймс. Именно Хендрикс и придумал для напарника, которого на самом деле звали Рэнди Крэйг Вулф звучный псевдоним "Рэнди Калифорниа". АРУТЮНОВ: А, кстати, вы знаете, почему Хендрикс наделил Рэнди Вулфа именем "Калифорниа"? То есть не надо думать, что Джими Хендрикс захотел окрестить своего преемника громким псевдонимом – никто тогда не был ничьим преемником, никто тогда ничего не знал, никто не понимал, что из этой группы в Нью-Йорке выйдет и Джими Хендрикс, и Рэнди Калифорниа. Просто Джими Хендрикс, как руководитель коллектива упростил себе задачу. Было два музыканта в группе по имени Рэнди, и один из них был из Техаса, другой – из Калифорнии, и Джими, знаете, так в простецком разговоре, представляете – рабочий процесс, тут не до околичностей каких-то, не до экивоков и всего такого, надо быстро управляться, и Джими говорил: "Эй, Калифорниа, эй, Тексас". Вот так и пошло. Ну, давайте все-таки посерьезнее, все-таки первый классический состав "Spirit" требует того, чтобы мы его сейчас огласили, состав, который записал первые четыре лучшие пластинки в дискографии "Spirit". Это, естественно, Рэнди Калифорниа – поющий гитарист, это естественно; его отчим Эд Кэссиди – барабанщик, о котором уже мы вам говорили немного; это, внимание – Джей Фергюсон, помните, мы с вами давно уже говорили о группе "Jo Jo Gunne", да-да, это тот самый Джей Фергюсон, это вокалист, который играл и на клавишах и на ритм-гитаре; четвертым был бас-гитарист Марк Эндес, тоже эту фамилию вы должны помнить по рассказу о группе "Jo Jo Gunne"; и, наконец, пятым участником был клавишник, гитарист Джон Локк. Первый альбом "Spirit" вышел в свет в 1968 году. Вот обратите внимание, еще одна особенность – это самые поздние из всех ранних в Лос-Анджелесе, конечно же, к этому году уже все звезды лос-анджелесской сцены имели на своем счету не одну даже пластинку, некоторые не одну. Я думаю, "Spirit" проявились позже всех, но очень быстро они встали вровень со всеми остальными героями их родного города. Первый альбом "Spirit", кстати, продюсировал Лу Адлер – тогда уже известный очень, влиятельный продюсер, и на первом альбоме они абсолютно ответственно и выпукло обозначили свой путь. Ясно, что группа покинула основную массу музыкантов Лос-Анджелеса, основная масса все же тогда занималась фолк-роком, группа шла своим путем, такая смесь блюза, рока, джаза – да, конечно же, джаза, и, конечно же, психоделии, 1968 год, не забывайте. Очень удачно они вкрапляли в свои записи струнные инструменты, медные инструменты, в общем, как бы с самого начала они умели очень хорошо подать свою запись, саранжировать. Та же картина была и на втором альбоме "The Family That Plays Together", который вышел весной 1969 года, и с которого мы уже две песни прослушали. Следующая песня будет со следующего альбома, третьего альбома, тоже 1969 год, диск назывался "Clear Spirit", песня называется "Dark Eyed Woman". (Звучит песня " Dark Eyed Woman " .) АРУТЮНОВ: Мы только что прослушали песню "Dark Eyed Woman". Откатимся к первой пластинке, которая называлась "Spirit", 1968 год. Он была достаточно успешной, она восемь месяцев пребывала в американских чартах, и достигла 31-ой позиции в один из дней этих восьми месяцев. Вторая пластинка "The Family That Plays Together" еще выше поднялась в чартах, она была на 22-ом месте в Америке. Вообще, это высшее достижение "Spirit" в американских, да, собственно, и в других чартах, в английских они почти не бывали никогда, а вот эта песня – "I Got a Line On You", с которой мы начали программу, заняла 25-е место, в песенных списках, естественно. И, наконец, третий альбом, песню с которого только что мы слушали, альбом "Clear Spirit" вышел осенью 1969 года, и был на 55-ом месте. Ну, может быть, кое-кого из вас смущают такие, ну, не первые места, но, поверьте мне, это все очень почетные достижения, потому что конкуренция тогда была сверхплотная, сверхмощная. Третий альбом был, ну, пожалуй, помощнее первых двух, и он еще интересен тем, что в этот альбом в качестве инструментальных кусочков были включены произведения клавишника Джона Локка, которые он написал для фильма "Model Shop". Вот эта вот порция, такая ударная порция из трех альбомов за два года, сделала, конечно, свое дело – "Spirit" стали одной из ведущих групп Америки своего времени. Это не замедлило сказаться на их концертных достижениях, группа была, естественно, как и все тогда, весьма активна в концертной деятельности, уже в конце 1968 года они играли в таком почетном зале, как "Fillmore West" в Сан-Франциско в компании с молодыми англичанами – Родом Стюартом, Ронни Вудом и Джеффом Беком, эти трое играли в группе "Jeff Beck Group", об этой группе мы тоже говорили. Весной 1969 года опять "Spirit" в "Fillmore West", и опять в компании с англичанами, на этот раз с "Ten Years After". И, наконец, летом 1969 года, это я такие самые значительные их достижения концертные, "Spirit" участвовали в знаменитом "Newport Pop Festival". Ну конечно, вначале медиа-интерес к группе "Spirit" в основном фокусировался на лысине Эда Кэссиди, это понятно, но, собственно, почему бы группе не использовать такие вот и внешние какие-то признаки для продвижения вперед, тем более, все это было вполне природно, вполне естественно, и все знали, что Эд Кэссиди уже, так сказать, человек в солидном возрасте тогда. Но не все знали тогда, что Эд Кэссиди не просто был взрослым и лысым, он еще так, на минуточку, до "поступления" в рок-мир, естественно, играл джаз, что еще можно было играть в Америке в 50-е годы? Но Эд Кэссиди играл этот самый джаз в компании с такими людьми, как Кэннонбол Эддерли, Джерри Маллигэн и Телониус Монк. Ну, для любителей джаза эти имена звучат, конечно, очень сладкой песней. Но, вы знаете, достаточно быстро группа "Spirit" заставила, сумела переключить внимание со своего барабанщика на группу в целом, на музыку группы. Музыка вполне заслуживала такого пристального внимания, "Spirit" – это, в первую очередь, зрелая гитара Рэнди Калифорниа, не в последнюю очередь, интересные тексты, такие причудливые, яркие, которые в основном писал Джей Фергюсон, очень качественная игра на "Fender Rhodes"-пиано Джона Локка, клавишника, и, естественно, классный барабанный грув Эда Кэссиди. Слушаем следующую песню нашей программы, это песня "Nature’s Way" со следующего альбома, четвертого альбома "Spirit", который назывался "Twelve Dreams of Dr. Sardonicus" ( Звучит песня "Nature’s Way".) *** АРУТЮНОВ: Согласитесь, вот эта песня "Nature’s Way", конечно, весьма и весьма интересна, там много в этой песне вторых и третьих планов, ну, а вокальная аранжировка, я думаю, сделала бы честь и "Beach Boys", "Beach Boys", кстати, тоже из Лос-Анджелеса, не просто так. Надо сказать, что концертная сторона группы "Spirit" едва ли не интереснее студийной стороны, слава богу, остались видеозаписи, и, вы знаете, это все очень впечатляет, впечатляет набор персонажей, набор характеров музыкантов группы "Spirit". Ну, об Эде Кэссиди мы уже, по-моему, целую песню спели, конечно, этот человек привлекал к себе внимание, как только он где-либо появлялся, тем более, на сцене. Ну ладно там с его этой лысиной уже злополучной и с его возрастом, надо сказать, что ударная установка Эда Кэссиди занимала едва ли не половину любой сцены, на которой играли "Spirit", то есть этот человек, так сказать, страдал таким барабанным гигантизмом, очень много инструментов его барабанная установка насчитывала, и все это музыкально было оправданно. Рэнди Калифорниа, конечно, ну очень тип любопытный, те, кто видел на видео "Spirit", со мной согласятся. Представляете, человек такой стоит, дикой такой немного внешности, и играет на плексигласовой гитаре. И все время копошится в этих своих многочисленных "примочках", все время находится в постоянном поиске с помощью этих "примочек" какого-то более красочного, что ли, более психоделического звука. Ну, а с другой стороны – Джей Фергюсон осчастливливал, так сказать, фэнш группы "Spirit" своим голым торсом. Ну, конец 60-х, тогда это еще было в диковинку. Вообще я думаю, что Джей Фергюсон – это такой вот первый реальный секс-символ в американском роке, да, может быть, не только в американском. Ну, естественно, вы скажете мне, что секс-символами богата всегда была американская популярная музыка, и Фрэнк Синатра, конечно, секс-символ, и Элвис, естественно, Аронович Пресли тоже секс-символ самый настоящий, и многие-многие другие, но я имел в виду, что Джей Фергюсон – это первый секс-символ в смысле 70-х, он такой первый настоящий фронтмен рок-группы, такие персонажи, повторюсь, в 70-е годы уже во множественном числе появились на американской рок-сцене, Джей Фергюсон – такой загорелый под солнцем Западного побережья парень, такой красивый кудрявый блондин, ну, в общем, женщины от него были буквально без ума. И в ансамбле "Jo Jo Gunne", который он вскоре сделал, конечно, он уже пожинал плоды своего имиджа, да, собственно, и пожинал плоды своего таланта, тут не надо, в общем-то, это забывать. Вернемся к музыке, вот этот четвертый альбом "Twelve Dreams of Dr. Sardonicus" – это, наверное, вершина креативных возможностей группы "Spirit". Самое смешное, что в чартах он стоял ниже всех трех своих предшественников, но по продажам он, мне кажется, опередил всех тех же предшественников, вместе взятых, это самый популярный альбом "Spirit". Ну, может быть, значительную роль в этом сыграло то, что они к этому времени перешли на фирму "Epic", гораздо более крупная фирма, и в начале 1971 года выпустили вот этот самый четвертый свой альбом. Я думаю, что на успех альбома повлиял продюсер, продюсером был Дэвид Бриггс – человек, который тогда уже продюсировал и Нила Янга. Ну, и на этом альбоме, наверное, Рэнди Калифорниа, как композитор, достиг своих вершин, а вершина композиторская Джея Фергюсона – она и на этом альбоме была, но главная – она была впереди, в том самом ансамбле "Jo Jo Gunne". Сейчас давайте послушаем песню из их пятого альбома, он назывался "Feedback", песня называется "Cadillac Cowboys". (Звучит песня " Cadillac Cowboys " .) АРУТЮНОВ: Это была песня "Cadillac Cowboys", 1972 год, тут уже немножко другие люди играют, но давайте сейчас об этом альбоме 1972 года чуть позже, после второй исторической справки. НОВГОРОДСКИЙ: В начале 1967 года, после того, как "Blue Flames" распались, а Джими Хендрикс отправился в Лондон покорять мир, Рэнди Калифорниа и Эд Кэссиди, вернувшись на юг, решили собрать собственную группу. Весной того же года к ним присоединились старые друзья – певец Джей Фергюсон и басист Марк Эндес, и в июне группа, поначалу называвшаяся "Spirit Rebellious", стал давать первые концерты в местных клубах. К концу лета, пройдя несколько прослушиваний и сократив название, "Spirit" подписали контракт с лейблом "Ode". Первые лонгплеи "Spirit" – одноименный дебют и вторая пластинка "The Family That Plays Together", принесли группе мощный локальный и солидный национальный успех, а сингл "I Got a Line On You" стал одним из излюбленных радиохитов своей эпохи. "Spirit" не замедлили поддержать чартовые успехи концертами по Штатам, часто в компании заокеанских команд, некоторые из которых, а именно молодая британская группа "Led Zeppelin", охотно и довольно смело перенимали опыт калифорнийских коллег. К концу десятилетия на волне спада психоделического движения дела "Spirit" начали расстраиваться. Не помогали ни смена лейбла, ни запись концептуального прото-арт-рокового альбома "Twelve Dreams of Dr. Sardonicus". Вслед за многими эйсид-рокерами, певец и басист "Spirit" Джей Фергюсон и Марк Эндес решили попробовать себя в более доступных жанрах, и, оставив группу в 1971-ом, вскоре собрали хард-роковый "Jo Jo Gunne". Расстроенный всеми этими неудачами Рэнди Калифорниа практически тут же последовал их примеру, а к 1972-му ушел и старейшина коллектива – Эд Кэссиди. АРУТЮНОВ: Да, вот сейчас любопытная ситуация будет нами с вами обсуждена. Сразу после записи вот этих самых "Двенадцати мечт доктора Сардоникуса", группа раскололась, ну, в общем-то, это назревало, потому что напряжение между музыкантами росло, ну, и плюс сыграли свою роль объективные обстоятельства, или, может быть, субъективные. Одним словом, Рэнди Калифорниа тогда попал в тяжелую аварию, автомобильную, а Джей Фергюсон и Марк Эндес, как мы с вами знаем, ушли и сделали группу "Jo Jo Gunne". Оправившись от аварии, Рэнди Калифорниа уехал в Лондон записывать свой первый сольный альбом, в общем, таким образом, Эд Кэссиди и Джон Локк остались вдвоем в группе, и взяли двоих новых музыкантов – взяли близнецов из Техаса, басиста и гитариста Эла и Криса Стэли. Вот вчетвером эти люди записали пятый альбом – "Feedback", песню с которого мы только что слушали. Неплохой альбом, но музыка уже стала такая совсем другая, она упростилась, что ли, стал более рок-н-ролльной. Хотя все это называлось "Spirit". "Spirit" называлось и все, что последовало за этим альбомом. Вот смотрите, интересно, да: после записи этого альбома ушли и Эд Кэссиди и Джон Локк, и таким образом в группе не осталось ни одного оригинального участника, однако группа "Spirit" уже с этими братьями Стэли и с какими-то еще двумя новыми людьми исколесила всю Америку, поскольку была связана контрактными обязательствами, в общем, конечно, совершенно такая патологическая ситуация, но, вы знаете, такие случаи бывали. Давайте слушать следующую песню, это будет "Open Up Your Heart" 1981 года запись, 1981 года уже – "The Adventures of Kaptain Kopter & Commander Cassidy in Potato Land". ( Звучит песня "Open Up Your Heart".) АРУТЮНОВ: Это была песня "Open Up Your Heart", записана в 1981 году, задумана в начале 70-х. В 1981 году во время очередного их реюниона он сделали запись, и записали песни, которые должны были выпускать в начале 70-х, но тогда "Epic" отклонил их запись, на тот момент сочла ее коммерчески бесперспективной. Ладно, давайте все-таки вернемся к течению их биографии, более-менее плавному. Ну, правда, я хотел вот еще что сказать. Вы знаете, Рэнди Калифорниа – лицо группы "Spirit", их мотор, поющий гитарист, конечно, очень сильный музыкант, очень своеобразный такой, он же, в общем-то, и человек с тяжелой судьбой, вы знаете, вот есть такие люди, которые притягивают к себе проблемы и несчастья, вот он абсолютное воплощение такого типажа, вечно с ним что-то приключалось. Но вообще-то он, так сказать, устройство головы у него было весьма своеобразным, так мягко говоря, во-вторых то он, как мы с вами знаем, попал в автомобильную аварию, затем в 1974 году он упал с лошади и очень сильно повредился, до этого в 1973 году очередной нервный срыв закончился реальной попыткой самоубийства – он в Лондоне сиганул в Темзу с моста, и его там как-то, к счастью, откачали, спасли. Ну и вот все кончилось печально – в 1997 году он утонул, он катался со своими детьми на серфе на Гавайях, и спасал одного из своих детей и сам утонул. Ну ладно, давайте вернемся в середину 70-х. В 1974 году "Spirit" восстановились в более-менее таком приличествующем им виде, то есть это были Эд Кэссиди и Рэнди Калифорниа, они взяли нового бас-гитариста, и некоторое время играли как трио. Уже все это записывалось на фирме "Mercury", тоже на большой фирме. Затем к ним присоединился Марк Эндес, и привел за собою своего брата Мэтта, то есть видите, все время в "Spirit" братья играли – то Эндесы, то Стэли. Но продукция "Spirit" второй половины 70-х, боюсь, была интересна только их таким завзятым фэнам, там были несколько пластинок во второй половине 70-х, они по-прежнему играли такую свою спиритовскую психоделию, причем на всех этих пластинках было по 185 песен, то есть почему-то им тогда нравились такие "развернутые" полотна, и песни длились от полутора до двух с половиной минут. В общем, все это было очень и очень, к сожалению, уже локально, и не очень востребовано тогда. Время психоделического рока, и, к сожалению, время "Spirit" уже ушло. Ну, и опять начались брожения, Марк Эндес, бас-гитарист ушел в группу "Firefall", а затем в группу "Heart", ну, о "Heart" мы с вами говорили, в общем, ушел в такое хард-роковое поле, в то поле, в котором он уже себя уверенно чувствовал еще в группе "Jo Jo Gunne". Рэнди Калифорниа записывал свои сольные альбомы, тоже такие весьма, так мягко говоря, экспериментальные, странные. Лучше всех, наверное, с такой общечеловеческой, да и с коммерческой точки зрения, чувствовал себя Джей Фергюсон. Закончив свою группу "Jo Jo Gunne", он начал в 1976 году сольную карьеру, и очень-очень удачные пластинки у него были в конце 70-х, начале 80-х. Потому что этот человек, элементарно, всегда был способен написать яркую песню, в 80-х годах это уже была такая яркая поп-рок песня. И вы знаете, тогда, несмотря на то, что такой депрессивный персонаж – Рэнди Калифорниа, неоднократно утверждал, тогда – в конце 70-х, что он никогда не будет играть больше со своим отчимом Эдом Кэссиди, он, к счастью, передумал и не сдержал слово. В 1984 году состоялся такой уже крупный реюнион "Spirit", соединились все пять музыкантов, которые начинали эту группу в 1967 году. Они все это, так сказать, этот реюнион увенчали выпуском пластинки, которая называлась "Spirit of ‘84". Да, надо сказать, что в этом названии они обыгрывали название пластинки 1975 года, которая называлась "Spirit of ‘76". Так вот, в 1984 году выпустили пластинку, и, несмотря на то, что там были перезаписаны некоторые старые классические вещи "Spirit", такие, как "Nature’s Way" и "Mr. Skin", но это уже, конечно, было совсем не в духе времени. Да, они пытались соответствовать времени, и играли такой, в общем-то, ну, обычный, стандартный американский хард-рок на этом диске. Поэтому не пугайтесь, песня "Mr. Skin" в конце программы будет не с этой пластинки, а, как и положено, в классическом варианте 1971 года. Потом они опять разошлись, в 1989 году еще один реюнион, на этот раз Рэнди Калифорниа и Эд Кэссиди опять соединились, взяли еще других бас-гитариста и клавишника, в конце 80-х Рэнди Калифорниа участвовал в большом очень гитарном шоу, это все зафиксировано на двойном альбоме "Night of the Guitar", ну, мы с вами несколько раз обращались к памяти этого альбома, там участвовали очень многие замечательные рок-гитаристы, и вот Рэнди Калифорниа был одним из них. В 90-е годы вполне себе группа "Spirit" поигрывала, периодически они играли в клубах в Америке, и вот так потихонечку-потихонечку все сошло на нет, ну, и плюс ко всему мы с вами знаем, что Рэнди Калифорниа погиб, и умер Джон Локк. Так что на сегодняшний день, я думаю, самое актуальное в мире "Spirit" – это ожидание всеми нами 90-летия Эдда Кэссиди, которое случится в следующем году. Ну, будем очень рассчитывать, будем верить в его богатырское здоровье, в его рок-н-ролльную закалку, и его лысина оберегает его от всяческих напастей, ждем 90-летия – 90-летия! – Эда Кэссиди. Но все же давайте послушаем, порядок есть порядок, давайте уж не будем слушать пластинки "Spirit" второй половины 70-х, они действительно не сильные. Давайте послушаем их реюнион – "Spirit of ‘84", пластинка 1984 года, естественно, песня называется "Pick It Up", напоминаю, это уже такой обычный американский рок. ( Звучит песня "Pick It Up".) АРУТЮНОВ: Это была песня "Pick It Up" 1984 года, и вот так я предлагаю, на "бодрячках" потихонечку нам с вами сегодня сворачиваться. Осталась последняя историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: Несмотря на чартовый провал, пластинка "Twelve Dreams of Dr. Sardonicus" полюбилась американской аудитории, и по настоянию лейбла группа "Spirit" продолжала гастролировать даже тогда, когда в ее составе не было ни одного оригинального участника. Впрочем, уже в 1974-ом Кэссиди, Калифорниа и Эндес вновь собрались под знаменами "Spirit", и с некоторыми перерывами группа существовала вплоть до трагической гибели Рэнди Калифорниа на Гавайях 2 января 1997 года. Все это время степень оригинальности состава варьировалась от года к году, неизменными фигурантами оставались, пожалуй, только Рэнди Калифорниа и Эд Кэссиди, которому к началу 90-х было уже под семьдесят. Самым полноценным с точки зрения аутентичности состава, был реюнион 1984 года, увековеченный на пластинке "Spirit of ‘84". При этом практически все оригинальные музыканты "Spirit" состоялись или как сольные артисты, или как участники таких именитых команд, как "Heart" или "Jo Jo Gunne". Несмотря на то, что с уходом из жизни Рэнди Калифорниа история группы "Spirit" закончилась, интерес к команде не пропадает вплоть до наших дней. К счастью, группа оставила после себя богатые архивы, которые, как и классические альбомы, активно переиздаются на радость фанатам. АРУТЮНОВ: Ну, и на вашу радость я вам с удовольствием порекомендую парочку пластинок, их второй альбом 1969 года – "The Family That Plays Together", и, естественно, четвертый альбом, ну, тут, мне кажется, двух мнений быть не может, лучший альбом в дискографии "Spirit" – "Twelve Dreams of Dr. Sardonicus", 1971 год. И вот, наконец, та самая знаменитая, наверное, самая знаменитая песня "Spirit", посвященная их барабанщику по кличке "Mr. Skin", так же песня называется. Пока! ( Звучит песня " Mr . Skin " .) 56:00 no http://finam.fm/archive-view/5604/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 18.02.2012     ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Country Shoes Hoochie Coochie Man -  "Blues Incorporated" Operator - Alexis Korner & Robert Plant Boom Boom -  "C.C.S." Get Off My Cloud King B.B. Captain America НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Rhythm and Blues from the Marquee – 1962 Accidentally Born in New Orleans - 1973 Alexis Korner - 1974   АРУТЮНОВ: Добрый день, дорогие слушатели программы "Историческая справедливость", я – Николай Арутюнов, автор и ведущий этой программы, с огромным воодушевлением представляю сегодняшнюю тему. Помните, я как-то употребил уже в нашей программе цитату из нашего знаменитого фильма, из знаменитой комедии "Берегись автомобиля". Евгений Евстигнеев, его герой, помните, говорил: "А не пора ли нам замахнуться на Вильяма нашего Шекспира"? Так вот, точно, сегодня нам пора замахнуться на реально Шекспира от рок-музыки – это британский музыкант Алексис Корнер. ( Звучит песня "Country Shoes".)   АРУТЮНОВ: Итак, прошу вас не думать, что я что-то преувеличиваю в своих оценках, когда я называю Алексиса Корнера "Шекспиром британского рока". Ну, тем из вас, кто сегодня для себя будет открывать этого музыканта, все вскоре очень станет... ]]> Sat, 18 Feb 2012 12:05:00 +0400 Alexis Korner В студии: Николай Арутюнов ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Country Shoes Hoochie Coochie Man - "Blues Incorporated" Operator - Alexis Korner & Robert Plant Boom Boom - "C.C.S." Get Off My Cloud King B.B. Captain America НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Rhythm and Blues from the Marquee – 1962 Accidentally Born in New Orleans - 1973 Alexis Korner - 1974 АРУТЮНОВ: Добрый день, дорогие слушатели программы "Историческая справедливость", я – Николай Арутюнов, автор и ведущий этой программы, с огромным воодушевлением представляю сегодняшнюю тему. Помните, я как-то употребил уже в нашей программе цитату из нашего знаменитого фильма, из знаменитой комедии "Берегись автомобиля". Евгений Евстигнеев, его герой, помните, говорил: "А не пора ли нам замахнуться на Вильяма нашего Шекспира"? Так вот, точно, сегодня нам пора замахнуться на реально Шекспира от рок-музыки – это британский музыкант Алексис Корнер. ( Звучит песня "Country Shoes".) АРУТЮНОВ: Итак, прошу вас не думать, что я что-то преувеличиваю в своих оценках, когда я называю Алексиса Корнера "Шекспиром британского рока". Ну, тем из вас, кто сегодня для себя будет открывать этого музыканта, все вскоре очень станет ясно, и здесь я имею в виду не только его значение и значимость, как музыканта, но и его общественно-политическую значимость для развития британского рока. Все по порядку. Алексис Корнер – один из отцов-основателей британского блюза, мы уже о многих из этих людей говорили, пожалуй, остался один Лонг Джон Болдри, ну, доберемся до него, конечно. А так мы с вами говорили, естественно, и о Грэме Бонде, и Джорджи Фэйме недавно, и о Манфреде Манне, его тоже, пожалуй, можно причислить к отцам-основателям, и, естественно, о Джоне Мэйолле мы говорили. Тем не менее, у двоих из этих музыкантов было как бы официальное имя "отец британского блюза" – это Джон Мэйолл, он до сих пор, я вам, помните, рассказывал – он выходит на концерт, и его представляют как короля британского блюза уже сейчас, ну, отец, король – где отец, там и король. А вот Алексис Корнер – да, он тоже отец британского блюза, но он же и отец британского рока вообще. Итак, эти люди открывали новый стиль, блюз для Англии в начале 60-х, и открывали, что немаловажно, и не менее важно, новые молодые таланты. Очень многие музыканты, игравшие в группах вот этих отцов британского блюза, впоследствии откололись, и создали свои не менее, а в ряде случаев – и более коммерчески успешные, более знаменитые проекты. И в таком случае надо сказать, возвращаясь к Алексису Корнеру, что он, наверное, отец отцов, потому что вот эти все молодые люди, вот эти все тогда молодые люди, о которых я сейчас говорил, кроме Джорджи Фэйма, играли в его команде "Blues Incorporated". Джон Мэйолл не играл в этой группе, но Джон Мэйолл, безусловно, воспользовался сильнейшим таким толчком от Алексиса Корнера, Джон Мэйолл, вы помните, мы об этом с вами говорили, приехал из своего какого-то Манчестера в Лондон, тогда он уже чувствовал в себе тягу к блюзу, а Алексис Корнер элементарно оформил эту тягу, и дал ряд ценных советов, и буквально внушил ему мысль, что Мэйолл должен идти своим путем, и сделать группу "Bluesbreakers". Но, тем не менее, вы знаете, мне лично немного обидно бывает за Алексиса Корнера, когда говорят о нем, и говорят в основном, к сожалению, как правило, одно и то же – кого он выпестовал, кого он выпустил в большой свет и наставил на путь истинный. Это правильно, и об этом мы будем говорить, но он же музыкант, и одна из задач для меня сегодня – вам это показать. Вот я прямо сейчас начну это делать, и воспользуюсь двумя цитатами самого Алексиса Корнера. Вот слушайте, пожалуйста, внимательно. Первое, вот что говорит Алексис Корнер о себе: "Я люблю играть с хорошими музыкантами. Принцип, по которому я приглашаю музыкантов – они должны быть сильнее меня. Когда я чувствую, что мои музыканты слабее меня, я чувствую себя плохо". Ничего, да? И второй тезис: "Я не умею петь, но умею общаться". Ну, вот видите, вот это, я бы сказал, такая абсолютно естественная, не наигранная, но с моей точки зрения, немного патологическая скромность где-то даже немного вредила Алексису Корнеру, потому что человек должен, конечно, ну, максимально адекватно и объективно уметь посмотреть на себя, на свои возможности. Частенько мы с вами видим обратную картину – многие музыканты не очень адекватно оценивают свое место в мировом процессе музыкальном, в другую сторону, а здесь, видите, какая история. Это ошибка Алексиса Корнера. Во-первых – да, конечно, какие-то из его музыкантов, всегда рядом с ним были сильные музыканты, и какие-то из них изредка при нем, а, как правило, после него поднимались на недосягаемую высоту, вспомните, к примеру, Колина Ходжкинсона из группы "Back Door", мы недавно об этом говорили, и многие-многие другие. Сейчас я речь веду об инструменталистах. Тем не менее, Алексис Корнер очень качественно исполнял на гитаре еще в 50-е годы, я вам скажу, и, в общем-то, это очень стильный, хороший блюзовый гитарист, который знал все сопредельные территории от джаза до кантри и фолка, это абсолютно достоверно. Ну, а о вокале – тут вообще отдельная история. Я допускаю, что Корнер немного стеснялся своей вокальной некоторой неотесанности, ну да, там он интонационно не всегда чисто пел. Но, вы знаете, я вам скажу, опять же сравнивая с другими людьми, то есть нами любимый Джон Мэйолл – пел, и, в общем-то, ничего не стеснялся, ну, вспомните его голос. А Корнер был вокально-одаренным человеком, у него потрясающе интересный голос – это такой баритон, очень низкий, такой очень шершавый, надтреснутый, в общем, он так, сейчас вы в этом убедитесь, пел, мне все время такая аналогия приходит на ум: когда Корнер пел, то создавалось ощущение, что какой-то такой пожилой, умудренный жизнью сказочник нам всем, детям, рассказывает какую-то мрачноватую, таинственную сказку. То есть ну очень интересный вокал, я считаю, великолепный, а самое-то главное – он, пожалуй, первый в Англии пел абсолютно по-черному, абсолютно, я подчеркиваю, еще с конца 50-х, с начала 60-х годов, собственно, он с этим голосом ничего делать не мог, это вот его природный вокал, вот он так, ну, как Мадди Уотерс пел, помните – как говорил, так же и этот. То есть вот в этом, я считаю, его такая непреходящая ценность, и жутко интересно этого певца слушать. То есть абсолютно голос певца из Чикаго 1956 года. Но, тем не менее, вот это мнение его о своем вокале – оно ему, с нашей точки зрения, мешало, и, опять же, в программе будет это сегодня подтверждено – он частенько, иногда чрезмерно часто давал петь другим музыкантам своих ансамблей. Парадокс, да – сегодня передача про Алексиса Корнера, а петь, скажем, две, две с половиной песни сегодня будут другие люди. Но это все я объясню. Вот сейчас мы будем слушать песню с альбома группы, его группы "Blues Incorporated" 1962 года, пару слов об этом альбоме. Альбом назывался "Rhythm and Blues from the Marquee". "Marquee" – это, напомню, тогда уже ставший знаменитым лондонский блюзовый клуб. И про эту пластинку мы частенько говорили, так упоминали ее вскользь, совсем недавно в разговоре о Джорджи Фэйме я немного ошибся – я по запарке оговорился, я эту пластинку называл "Blues Incorporated", группа так называется, естественно, а пластинка называется "Rhythm and Blues from the Marquee". Я, кстати, тогда еще в разговоре о Джорджи Фэйме еще одну ошибку допустил, тоже по запарке, когда я говорил о том, что пластинка Джорджи Фэйма, его первый диск концертный – второй в истории британского рока. Это так, да, но я говорил, что он был выпущен раньше концертного диска "Yardbirds" – "Five Live Yardbirds". Это я оговорился, "Five Live Yardbirds" – это 1964 год, а в 1963 году, в конце, действительно "Yardbirds" выпустили концертный диск, но тогда еще с Сонни Бой Уильямсоном. Все, все расставили по местам. Теперь вот пример того, о чем я вам говорил. Группа Алексиса Корнера "Blues Incorporated", поет другой человек – Сирил Дэвис. "Hoochie Coochie Man", 1962 год. (Звучит песня " Hoochie Coochie Man " .) АРУТЮНОВ: Вот "Hoochie Coochie Man" 1962 года, концертный альбом "Blues Incorporated" "R&B from the Marquee", концертный альбом – это провокация. Вы знаете, это так засело в анналах рок-н-ролльной истории, что это лайв, да, что для меня в свое время было удивлением открыть, что диск – не концертный. Да, он живой, обращаю ваше внимание – он действительно записан в клубе "Marquee" живьем, просто ребята вошли в клуб, когда там никого не было, публики на этой записи нет, это не концертная запись – живая, но не концертная. Чувствуете разницу, да? Вот пел Сирил Дэвис, и давайте сейчас потихонечку погружаться уже в биографию, в мир Алексиса Корнера. Первая историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Один из патриархов британского блюза, и один из наиболее самоотверженных энтузиастов этого стиля – Алексис Корнер, относится к тем немногочисленным музыкантам, которые приложили руку к возникновению и развитию рока, находясь за его рамками и генерационно, и эстетически. Ведь Корнер, сыгравший важнейшую роль как в истории классического британского рока, так и в судьбах его отдельных героев, был старше почти любого из них более чем на десять лет, и совсем не считал себя рокером. Свою великую музыкальную миссию Корнер начинал с пустого места, и практически в одиночку преподнес британской публике азы тогда мало знакомого и малопонятного ей блюза, и в итоге тем, кто перенял эстафету у этого великого пионера, уже было, на что опереться. Основатель британского ритм-энд-блюза, сам Корнер британцем не был. Сын австрийца и греко-турчанки, Алексис Эндрю Николас Корнер родился 19 апреля 1928 года в Париже, и так как семья Корнеров часто переезжала, еще ребенком повидал почти весь мир. В 1939-м, накануне войны, Корнеры осели в Лондоне и приняли британское подданство. На новом месте юный Алексис буквально заболел блюзом, целыми днями осваивал фортепиано и гитару, а ночами слушал ритм-энд-блюзовые пластинки. АРУТЮНОВ: Ну, сейчас, после справки, кое-что забавного. Папа Алексиса Корнера был офицером кавалерии. Ну, этот факт станет нам чуть более понятным, если мы узнаем с вами, что (но это недостоверно, это какая-то легенда) его папа – потомок русских дворян. Но тем ближе к нам Алексис Корнер, тем лучше, даже если он не потомок русских дворян, все равно мы его любим. Так вот, папа, осев в Британии, до Второй мировой войны устроил сына, Алексиса, в какую-то престижную очень школу. Но Алексис с детства уже, так сказать, выказал такую революционность в своих манерах и в поведении, и его быстро из этой школы выгнали. Я вам скажу страшную вещь: его выгнали из школы и его выгнали из скаутов. То есть то же самое, что в свое время меня выгнали из пионеров. Затем отец его определил уже в школу для детей с повышенным IQ. Но там Алексис не смог развернуться уже по объективной причине, вот на беду его семьи тогда же Алексис, в общем-то, и увлекся музыкой, и соорудил свою первую гитару из фанеры и из ножки стола. Ну, в общем, такая типичная история, мы об этом что-то когда-то о ком-то слышали, но не забывайте, что вот это что-то когда-то и о ком-то происходило в основном в 50-е, 60-е, 70-е годы, а здесь дело происходит в самом начале 40-х. Ну, в общем, увлечение музыкой привело его к профессии музыканта. В 1948 году, вы обращайте внимание на цифры, подчеркиваю – не в 1958 и не в 1968 году – в 1948 году Алексис Корнер получил профессиональную работу в ансамбле Криса Барбера. Знатоки джаза, конечно, знают это имя, это, наверное, самый знаменитый джазмен в Англии стиля "трэд", то есть оркестр Криса Барбера играл такой, ну, грубо говоря, диксиленд, вот в английском обиходе 40-50-х это называлось "traditional", "trad". Корнер поступил к Барберу вначале как пианист, затем как гитарист уже был использован в этом оркестре Криса Барбера. Ну, давайте так: что было дальше, мы с вами узнаем после следующей песни. Следующая песня называется "Operator", мы сегодня, конечно, будем очень вразнобой с фактологией идти в наборе песен, песня "Operator", запись 1969 года, поет другой человек. Я вас уверяю, после прослушивания этой песни вам захочется со мной об этом поговорить. (Звучит песня " Operator " .) АРУТЮНОВ: Это была песня "Operator", и вот этот другой человек, который пел в этой песне, он же и на гармошке там играет, и Алексис Корнер скромно там где-то отвечает. Вот здесь я могу понять скромность Алексиса Корнера, вот здесь с этим вокалом, конечно, тогда было очень ответственно рядом стоять и петь. Ну конечно же, вы узнали – это поет Роберт Плант. Я думаю, что это одна из самых первых записей Роберта Планта, это тогда был дуэт – Алексис Корнер/Роберт Плант, очень кратковременный. Я считаю, что это просто одно из высших вокальных достижений, потрясающий совершенно голос, я даже думаю, что настолько люди были потрясены этим голосом, этим стилем вокальным, этим креативом вокальным, и неимоверной какой-то мощью, да всем там – тембром, всем, чем угодно, что они продолжали воспринимать этот голос так же, как и в конце 60-х, в самом начале 70-х, а этот голос изменился, вы помните, с пластинки "Houses oh the Holy", но любовь к этому певцу, к Роберту Планту, у многих была настолько велика, что люди просто или не замечали, или не хотели замечать, что голос, к сожалению, стал другим, потерял основу, и, в общем-то, Роберт Плант здесь не виноват, конечно, я думаю, что это какие-то объективные физические, а может быть, кстати, и химические процессы его организма, это большая беда, и я всегда говорю это – надо отдать честь этому человеку, который, элементарно, силой своего интеллекта отошел от того пения, которого от него требовали, уже остановил эту погоню за ультравысокими нотами, и сейчас поет по-другому, но потрясающе интересно и потрясающе убедительно. Давайте вернемся к Корнеру, к его истокам. Играя в ансамбле Криса Барбера, он в начале 50-х годов встретил Сирила Дэвиса – певца и исполнителя на губной гармошке, и это была большая удача для Корнера, до этого он был в тотальном одиночестве как человек, который уже тогда, в конце 40-х любил блюз, и хотел его играть, а Сирил Дэвис стал его единомышленником, конечно, вдвоем-то легче. В составе группы Криса Барбера эти двое имели свой блок – они выступали как блюзовый дуэт, и они тогда удивляли все свое окружение своим неукротимым желанием сделать блюз более уважаемой музыкой в английской музыкальной действительности. Со второй половины 50-х эти два энтузиаста блюза по собственной инициативе стали привозить в Англию тогда еще совсем никому не известных американских блюзменов, так, на минуточку – Мадди Уотерса, Джона Ли Хукера, очень многих-многих других. Они же им аккомпанировали в этих их английских гастролях, но музыкальная критика по-прежнему, в общем-то, это все не замечала, да и публика была весьма и весьма индифферентна, я имею в виду широкую публику. Чуть-чуть сдвинула дело с мертвой точки, ну совсем чуть-чуть, их сотрудничество с Отилли Паттерсон, она была женой Криса Барбера, их руководителя, да, ну, и кроме всего прочего, она неплохо пела, она была певицей оркестра Криса Барбера, они с ней сделали тоже такой вот небольшой блюзовый блочок. Опять же, заметное историческое событие в 1960 году: в Англию приехал Чемпион Джек Дюпри, один из классиков блюза, буги-пиано-блюза, и записал пластинку в Лондоне, и Алексис Корнер на ней выступил в качестве гитариста аккомпанирующего, и даже автора нескольких произведений. Но тогда это все было очень локально, сейчас эту пластинку не сыщешь днем с огнем. И вот, наконец, мы подбираемся уже к таким решающим и решительным денькам. В начале 60-х Сирил Дэвис и Алексис Корнер решили электрифицироваться, то есть сделать то же, что сделали музыканты Чикаго-блюза в середине 50-х. И вот это-то как раз принесло плоды. То есть, ну, гитары стали электрическими, по-прежнему оставался контрабас, и главное – группа требовала звукоусиливающую аппаратуру, поскольку уже появилась полноценная барабанная установка, не "троечка" там такая, знаете, джазовая, а барабанщик уже, так сказать, месил во всю Ивановскую, ну, насколько это было возможно в 1962 году. Кто был барабанщиком, сейчас узнаете, да я думаю, что многие знают. После этого, естественно, громкость, и, стало быть, доступность и психоделичность ансамбля "Blues Incorporated", а речь идет уже о нем – естественно, все это усилилось, и принесло свои плоды в виде резкого увеличения аудитории. Итак, ансамбль "Blues Incorporated" возник в 1961 году, его основали Корнер и Дэвис, естественно, а в 1962 году ансамбль получил первый ангажемент в "Ealing" – в таком клубе, который считается, ну, наверное, одним из первых блюзовых клубов в Англии. Но их там быстренько закрыли, поскольку над этим клубом, это был подвал – над ним был кинотеатр, и иногда зрители кино не могли расслышать как следует саундтрек фильма из-за творившегося внизу. Итак, кроме Алексиса Корнера и Сирила Дэвиса в первом составе, в первом исторически составе "Blues Incorporated" были, я, почему говорю "исторически" – потому что там вначале были вообще другие люди, но очень быстро там через месяц-два исторически первый состав сформировался: барабанщик – Чарли Уоттс, бас-гитарист – Джек Брюс, саксофонист – Дик Хэкстелл-Смит, певцом очень короткое время, кстати, был Арт Вуд – брат Ронни Вуда и в дальнейшем лидер ансамбля "Artwoods". То есть я-то раньше думал, что трое из "Rolling Stones" имеют непосредственное отношение к Алексису Корнеру, получается, что опосредованное отношение и четвертый из них тоже имеет. И, наконец, вскоре присоединились певцы, не считая того, что певцом был Сирил Дэвис и скромный Алексис Корнер изредка, появился певец очень высокого роста – Лонг Джон Болдри, впоследствии, так сказать, запредельный гигант британского вокала, об этом мы будем говорить. А за этим самым "Длинным" Джоном пришел не такой длинный, и уж совсем тощий Мик Джэггер, да еще, между прочим, в песне "Dust My Broom" к ансамблю присоединялся Брайан Джонс на слайд-гитаре, это тоже было тогда для Англии сенсацией, никто не играл в то время в Англии со слайдом. С лета 1962 года они перекочевали в клуб "Marquee", ну, вот здесь начинается уже новая, другая история – история британского блюза, и, наверное, это начало британского блюзового бума, того самого исторического процесса, о котором мы с вами неоднократно говорили. Через месяц квартирования "Blues Incorporated" в клубе "Marquee" на их концерты приходило уже 200 человек, я думаю, что на первые концерты там было 20, а вот через месяц после 200 в "Marquee" набивался "биток", там от 800 до 1000 человек вмещал этот клуб, и уже дошло до того, что через полгода люди просто закрывали двери, уже никого не пускали, потому что там было действительно столпотворение. Вот оно, начало британского блюзового бума. И в связи с этим песня "Boom Boom". Но это уже отнюдь не начало блюзового бума – 1970 год, ансамбль, в котором верховодил Алексис Корнер – "C.C.S." (Звучит песня " Boom Boom ". ) *** АРУТЮНОВ: Ну, вы, конечно, знаете, это песня Джона Ли Хукера "Boom Boom", запись 1970 года, кстати, вот видите, такая воплощенная одна из слабостей Алексиса Корнера – контрабас. Уже 1970 год, уже вполне Тим Богерт там мечет громы и молнии на своем "Fender", и многие другие, и все, в общем-то, а здесь – контрабас. Алексис Корнер очень любил это дело, и в 80-е годы тоже, и в 70-е он частенько использовал, когда ему нужен был нижний регистр, не бас-гитару, а контрабас. Вторая историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: Алексис Корнер стал полноценным и весьма активным артистом задолго до начала формирования в Англии национальной рок-сцены. При этом ему приходилось нелегко: в массовых вкусах англичан послевоенной эпохи не было ни намека на ту повальную любовь к блюзу, которая накрыла нацию спустя 15-20 лет, а предпочитали соотечественники Корнера традиционный заокеанский джаз, или чуть позже – скиффл местного разлива. В этом смысле не удивительно, что свою первую запись он сделал именно в составе скиффл-команды. В середине 50-х Корнеру посчастливилось встретить своего первого на британской земле настоящего единомышленника – харпера и гитариста Сирила Дэвиса, а еще через пару лет самоотверженных, но не очень востребованных выступлений, они решили открыть собственный блюзовый клуб. В результате "Blues and Barrelhouse Club" стал, во-первых, первым специализированным блюзовым заведением в Англии, а во-вторых – главной площадкой для выступления таких американских классиков жанра, как Мадди Уотерс, Сонни Терри и Брауни Макги, Мемфис Слим и Джон Ли Хукер, иногда и при участии самих учредителей клуба – Корнера и Дэвиса. Именно один из таких концертов дал карьере Корнера долгожданный мощный толчок. В один из своих приездов Мадди Уотерс решил исполнять не популярный у местных студентов-битников акустический дельта-блюз, а относительно новый сорт блюза, выведенный им в Чикаго – электрифицированный, ритмизованный, тяжелый и громкий. Первое знакомство британцев с электроблюзом нельзя назвать удачным. Хозяева помещения в тот же вечер уволили Корнера и Дэвиса, и закрыли клуб, а о Мадди Уотерсе еще долгое время не хотела слышать ни одна лондонская площадка. Удивительно, но самих Корнера и Дэвиса все это нисколько не беспокоило. На том концерте Мадди Уотерс показал им, как надо играть блюз, и теперь молодые британцы решили создать свою собственную группу с Чикаго-саундом – с электрогитарами и барабанами, перегруженными усилителями и громкими соло. Еще через пару лет это взрывное сочетание и ляжет в основу музыки первопроходцев британского блюза. Так что спасибо за тот концерт Мадди Уотерсу могли сказать не только Алексис Корнер и Сирил Дэвис, но и десятки успешных музыкантов и миллионы благодарных фанатов по всему миру. АРУТЮНОВ: Ну так вот, еще пару слов о Брайане Джонсе. Вы знаете, этот молодой человек, который вскоре создал ансамбль "Rolling Stones", был первым из многочисленных молодых музыкантов другого поколения. Все же и Корнер, и Дэвис, и первые участники, самые-самые первые участники "Blues Incorporated" – это, как правило, были люди вокруг ансамбля Криса Барбера, такие, в общем, старперы для Брайана Джонса и его друзей. Но, вот, тем не менее, он был первым, он в 1961 году достаточно случайно оказался на концерте Алексиса Корнера еще в составе Криса Барбера, и услышав эту блюзовую программу корнеровскую, буквально обалдел от увиденного и услышанного. После концерта он пришел к Корнеру в гримерку, познакомился с ним, Корнер дал ему свой телефон. Видите, вот великие люди – они, как правило, просты и доступны. Естественно, Брайан Джонс начал пользоваться этим телефоном и гостеприимством Корнера, он не был лондонец, он приезжал, ну так не очень далеко, но жил не в Лондоне, приезжал специально на все эти концерты, и "зависал" у Алексиса Корнера, как мы сегодня с вами говорим. И не он один потом, вы знаете, дом Корнера иногда напоминал такое общежитие британского блюза и рока. Но Брайан Джонс все же не был в основном составе "Blues Incorporated", он с ними частенько джемовал, и имел свой отдельный номер, я уже об этом сказал. А вот Чарли Уоттс, будущий барабанщик "Rolling Stones" – он был в первом составе "Blues Incorporated". Вот что вспоминает сам Чарли Уоттс: "Blues Incorporated" ошеломили меня, это был гибрид Чикаго-блюза и Чарли Мингуса". Я думаю, что он эти слова говорил Алексису Корнеру, и очень ему трафил этими словами, потому что Алексис Корнер, в общем-то, этого и добивался. Да, они играли такой неотесанный, сырой Чикаго-блюз, с вкраплениями, даже некоторыми произведениями классического джаза, в частности, Чарли Мингуса, очень любил Алексис Корнер этого музыканта. Затем из будущих "Rolling Stones" в "Blues Incorporated" появился певец Мик Джэггер, так вот благодаря Алексису Корнеру они все, эти трое, и познакомились, и Кит Ричардс уже тогда был где-то рядом, и тусовался там. И когда в конце 1962 года Чарли Уоттс ушел из "Blues Incorporated", они его почти сразу заарканили, и вот так начинались "Rolling Stones". Эту историю, она, во-первых, уже другая, во-вторых, вы ее, я думаю, знаете. А почему же ушел Чарли Уоттс? Вот здесь этому человеку можно доверять, все мы знаем, что он такой трезвый, умный и объективный человек. Чарли Уоттс сказал, что в середине 1962 года, играя в "Blues Incorporated", дальше цитата: "Я не мог угнаться за теми музыкантами, которые играли в "Blues Incorporated". Там были потрясающие музыканты, я им уступал". Ну что ж, поверим ему на слово, и надо сказать, что замена была очень и очень достойной: вместо Чарли Уоттса в "Blues Incorporated" пришел Джинджер Бейкер. В 1963 году многие уже птенцы гнезда Алексиса Корнера стали покидать это самое гнездо, вот люди ушли создавать "Rolling Stones", я об этом сказал, ушел Джек Брюс, и Джинджер Бейкер тоже ушел, ушли они, уведенные Грэмом Бондом. Грэм Бонд в конце 1962 года появился ненадолго в качестве клавишника в "Blues Incorporated", и быстро очень почувствовал в себе силы для создания собственного проекта – "Graham Bond Organization", об этой группе мы тоже говорили. И туда же пошел саксофонист "Blues Incorporated" Дик Хэкстелл-Смит. Таким образом, мы можем с вами говорить, что в недрах и "Blues Incorporated", и в дальнейшем в недрах Грэма Бонда созревали будущие "Colosseum" и "Cream", да? Сирил Дэвис в 1963 году ушел от Корнера, и создал свою группу "Cyril Davies All Stars", но, к сожалению, она просуществовала год, в этой группе играл Ники Хопкинс – знаменитый пианист английский впоследствии, к сожалению, в начале 1964 года Сирил Дэвис умер. В общем, началась текучка кадров в ансамбле "Blues Incorporated", и в 1967 году Корнер распустил этот коллектив, и начал свои дуэты с Виктором Броксом, впоследствии вокалистом "Aynsley Dunbar Retaliation", и с Робертом Плантом он пел, мы эту песню слушали. Вы знаете, я бы еще очень много вам приводил здесь разных фамилий, но боюсь я этими фамилиями вас перегрузить. Вывод один: "Blues Incorporated" – это настоящий полигон британского блюза и рока, и оттуда стартовали очень многие звезды этой музыки. Была одна группа, которая не имела прямого отношения к Корнеру, в смысле, кадрово, но одного из этой группы он пестовал, я сейчас говорю о группе "Free", мы недавно о ней говорили – он пестовал их будущего бас-гитариста Энди Фрейзера, и стоял у истоков группы "Free", как организатор – он их всех как бы свел как-то там, и даже присутствовал на их первых репетициях, ну, вспоминайте. Во всяком случае, благодарный Энди Фрейзер отдал ему одну свою песню – в 1971 году Корнер записал песню Энди Фрейзера "Wild Injun Woman". Ну, и опять же возвращаясь к недавним нашим разговорам, Алексис Корнер открыл Колина Ходжкинсона – великого бас-гитариста для группы "Back Door", и впоследствии, в конце 1970-х, своего основного партнера. В 1968 году в скандинавском турне он познакомился вот с тем самым Питером Торупом, датским вокалистом, и создал с ним группу "Snape", и также пел с ним в группе "C.C.S.". Два слова о "C.C.S.". "C.C.S." – оркестр, даже не группа, оркестр, который записал три пластинки в начале 70-х, там Корнер был руководителем коллектива, к счастью, много пел на пару с этим Питером Торупом, это был действительно большой оркестр – там были дудки, и даже, представьте себе – два басиста, один из них в основном играл на контрабасе, другой на бас-гитаре, в общем, они так как-то вперемешку это размещали. Этот ансамбль очень интересный коллектив был, записывал много чужого материала, и записывал очень много песен любимых музыкантов Корнера, вообще, Корнер всех своих воспитанников любил, но всегда выделял три группы – "Free", "Rolling Stones" и "Led Zeppelin". И вот этот ансамбль "C.C.S." Корнера исполняли "Satisfaction", "Sunshine of Your Love" других его любимцев и воспитанников – группы "Cream", и две песни "Led Zeppelin" – "Whole Lotta Love" и "Black Dog". Ну, это, скорее, не песни были, а такие в основном инструменталы, потому что тогда спеть, как Плант, вряд ли кому-нибудь было под силу. Но, вы знаете, очень удачно это все звучало, и даже версия Алексиса Корнера и группы "C.C.S." песни "Whole Lotta Love" стала заставкой на "Top of the Pops" – знаменитом британском ТВ-шоу. А вот сейчас подтверждение любви Корнера к своим любимцам, вот его версия песни "Rolling Stones" "Get Off of My Cloud". Поет Алексис Корнер, а в конце песни маленький дуэт с ним составляет сам Кит Ричардс. В этой же записи участвуют Питер Фрэмптон, Ники Хопкинс, Стив Мэриотт, и многие-многие другие звезды британского рока. 1975 год, альбом "Get Off My Cloud", одноименная песня. ( Звучит песня "Get Off My Cloud".) АРУТЮНОВ: "Get Off My Cloud", вы сами услышали, далековато от оригинала, но не менее интересно. И вот здесь во всей красе тот самый замечательный вокал Корнера. В 1972 году он вместе с все тем же Питером Торупом основал группу "Snape" с ним и с музыкантами из группы "King Crimson", и вот в этой группе "Snape" на бас-гитаре в качестве такого транзитного пункта отметился Боз Баррелл, после этого он ушел в "Bad Company". Вот согласитесь, интересный такой творческий путь от сложного к простому, обычно же наоборот. Все, с группами Корнера покончено. С 1974 года он начал выпускать только сольные пластинки, некоторые очень удачные. В 1974 году – одноименный диск "Alexis Korner", песню из которого мы поставим в конец программы. Потом в 1975 году вот эта "Get Off My Cloud", и так далее, и так далее. В 1979 году вышел диск "Party Album". Диск был записан в 1978 году на концерте, посвященном 50-летию Алексиса Корнера. Ну, и вот здесь опять сказалась излишня скромность Корнера как вокалиста – он умудрился на своем, в общем-то, праздничном альбоме спеть там, по-моему, две или три песни. Но ничего, зато остальной материал пели Пол Джонс, Крис Фарлоу, Зут Мани, Колин Ходжкинсон, и там Эрик Клэптон еще играл, в общем, очень достойная пластинка. С конца 70-х Алексис Корнер в основном выступал в формате акустического дуэта. Он сам был гитаристом, пел, и на бас-гитаре с ним играл Колин Ходжкинсон – его замечательный ученик и верный товарищ. В 1983 году Корнер записал с группой, обращаю ваше внимание, свой последний альбом – "Juvenile Delinquent". Очень хорошая пластинка, и она обращает внимание очень удачным продюсингом вокала. Редкий случай, надо сказать, вообще Корнер – да, он был отец идеи, всех собирал, и, может, у него просто не хватало сил или даже интереса, и не всегда его такой, в общем-то, выдающийся вокал выигрышно стоял в фонограммах, в его же фонограммах. Ну, может, просто потому, что эту пластинку продюсировал его сын – Дэмиэн, а у него еще и дочь была – Сапфо, которая иногда пела с ним, с Алексисом Корнером. Но вот Корнер оставил их сиротами, в 1984 году Алексис Корнер умер от рака легких. Ну, здесь надо уже нам потихонечку заканчивать, я чувствую лимит времени, очень много я не сказал, попытаюсь сейчас сказать, может быть, то, что мне представляется очень важным. Я не могу утверждать, не могу брать на себя смелость говорить, что Алексис Корнер не реализовался, как музыкант, но все же, конечно, может быть, он не лучший композитор рок-музыки или блюза, у него материал, ну, такой, достаточно, что ли, неяркий, но мы можем на его лучших работах услышать очень сильную аранжировочную мысль Корнера, очень добротную игру на гитаре, а главное, я уже говорил – очень интересный вокал, такого вокала вообще ни у кого не было. Главный историзм Алексиса Корнера все же, наверное, в том, что он с любовью пестовал других музыкантов, находил новые таланты, ну и, наверное, при этом немножечко забывая о своем успехе. И главное, представьте себе: вот живет в Англии человек, в 40-50-х годах, он любит блюз, он один такой, никого нет рядом. И вот этот человек силой своей внутренней убежденности и силой любви к этой музыке ситуацию поменял кардинально в 60-е годы. Представьте себе, вот роль личности в истории, вот здесь, мне кажется, в нашей с вами истории – это воплощение этой идеи. Алексис Корнер – это тот человек, который более других приложил руку к тому, чтобы Англия стала великой блюзовой державой. Предпоследняя песня в сегодняшней программе, она называется "King B.B." Поменяйте местами, и вы поймете, о ком эта песня. (Звучит песня " King B . B .") АРУТЮНОВ: Это была песня с альбома "Juvenile Delinquent" 1983 года, с последнего альбома Алексиса Корнера, она называется "King B.B." и, между прочим, герой этой песни очень любил и уважал Алексиса Корнера, они вместе записывались тоже. Третья, последняя историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: В 1961 году Алексис Корнер и Сирил Дэвис собрали команду "Blues Incorporated". Впрочем, "командой" это музыкальное образование можно назвать с натяжкой, скорее, это было постоянно концертирующее сообщество любителей электроблюза. Роль этого проекта в истории британского и мирового рока бесконечно велика, ведь именно в составе "Blues Incorporated" впервые попробовали свои силы такие музыканты, как Чарли Уоттс, Джек Брюс, Джинджер Бейкер и Грэм Бонд, а поддержкой и покровительством Корнера в разные годы пользовались Джон Мэйолл, Род Стюарт и Джимми Пейдж. Многим английским артистам Корнер помог найти единомышленников, и если бы не его кадровая дальновидность, мир, возможно, никогда бы не услышал о "Rolling Stones", "Free" или "Led Zeppelin". Ко второй половине 60-х поглотивший британскую сцену блюзовый бум принес Алексису Корнеру чуть ли не культовый статус, и привлек внимание широкой рок-аудитории к его работам. Между тем, Корнер распустил "Blues Incorporated" еще в 1966-ом, и в то время, как весь мир содрогался от перегруженных блюзовых риффов, занялся более деликатными формами блюза, зачастую с джазовым ароматом и медной секцией. Экспериментаторский дух Корнера не находил покоя и в 70-х. О том, что кругозор этого музыканта не ограничивался почти ничем, свидетельствует хотя бы имена его партнеров. В разное время компанию отцу британского блюза могли составить и Мэл Коллинз с Бозом Барреллом, и Кит Ричардс с Ники Хопкинсом, а постоянным концертным напарником Корнера до самой его смерти был Колин Ходжкинсон – один из самых неортодоксальных музыкантов в истории рока.. К сожалению, Алексису Корнеру не суждено было дожить до благодарных классическому року 90-х, он умер в начале 1984 года, но до самых последних дней этот артист продолжал свое дело с тем непревзойденным энтузиазмом, благодаря которому мы сегодня знаем, что такое британский блюз. АРУТЮНОВ: Ну вот, таков наш, к сожалению, краткий рассказ об Алексисе Корнере. Самое главное – вы знаете, все более-менее просвещенные корневые музыканты во всем мире снимают шляпы перед этим человеком. Я тоже так воспитан, ну, если не с детства, то с отрочества, с юности – точно, что для меня это вообще просто краеугольный камень всего, и, вы знаете, когда я слышу имя "Алексис Корнер", мне хочется просто привстать. Так что вот эту программу я записывал стоя. До свидания, всего хорошего. Ну, и, как всегда, самые, на мой взгляд, репрезентативные и лучшие пластинки Корнера, хотя я уверен, что существуют другие подходы, тем не менее, от меня: "Rhythm and Blues from the Marquee" – 1962 год, первая в мире неамериканская блюзовая пластинка, обращаю ваше внимание. Кстати, вторая песня в сегодняшней программе – "Hoochie Coochie Man", с этого альбома. Сегодня это – более, чем общее место любого блюзового джема, а тогда, я напоминаю, именно Алексис Корнер внедрял ее в широкий британский блюзовый обиход. Дальше, альбом "Accidentally Born in New Orleans", 1973 год, напоминаю, это альбом группы "Alexis Korner, Peter Thorup with Snape". И, наконец, сольный альбом Алексиса Корнера 1974 года, который так и назывался – "Alexis Korner". Ну, все, теперь я могу присесть. "Captain America". (Звучит песня " Captain America ".) 56:39 no http://finam.fm/archive-view/5571/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 11.02.2012     ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: How Do You Think It Feels Satellite of Love Caroline Says Lady Day Sally Can’t Dance Keep Away Sad Song НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Transformer - 1972 Berlin - 1973  Sally Can’t Dance - 1974    АРУТЮНОВ: Я рад приветствовать слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM" радио, напоминаю, я – Николай Арутюнов, автор и ведущий этой программы, мы с вами в этой программе говорим о классическом роке 60-70-х годов. И вот сегодня я бы хотел рискнуть поговорить о человеке, который одними считается, безусловно, классическим рок-музыкантом, а другими считается, прямо говоря, полным нулем и вообще антимузыкой. Вот в этом-то и интерес, мне кажется, к этому человеку, и мы должны этот интерес поддержать и всячески развить. Есть о чем поговорить, конечно, самый, наверное, парадоксальный, самый полярный в смысле оценок его творчества музыкант – Лу Рид из Америки. ( Звучит песня "How Do You Think It Feels".)   АРУТЮНОВ : "How Do You Think It Feels", а? Вот будем сегодня с вами в этом разбираться, будем учиться чувствовать Лу Рида. Для начала скажу, что, конечно, я знаю, что в нашей... ]]> Sat, 11 Feb 2012 12:05:00 +0400 Lou Reed В студии: Николай Арутюнов ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: How Do You Think It Feels Satellite of Love Caroline Says Lady Day Sally Can’t Dance Keep Away Sad Song НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Transformer - 1972 Berlin - 1973 Sally Can’t Dance - 1974 АРУТЮНОВ: Я рад приветствовать слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM" радио, напоминаю, я – Николай Арутюнов, автор и ведущий этой программы, мы с вами в этой программе говорим о классическом роке 60-70-х годов. И вот сегодня я бы хотел рискнуть поговорить о человеке, который одними считается, безусловно, классическим рок-музыкантом, а другими считается, прямо говоря, полным нулем и вообще антимузыкой. Вот в этом-то и интерес, мне кажется, к этому человеку, и мы должны этот интерес поддержать и всячески развить. Есть о чем поговорить, конечно, самый, наверное, парадоксальный, самый полярный в смысле оценок его творчества музыкант – Лу Рид из Америки. ( Звучит песня "How Do You Think It Feels".) АРУТЮНОВ : "How Do You Think It Feels", а? Вот будем сегодня с вами в этом разбираться, будем учиться чувствовать Лу Рида. Для начала скажу, что, конечно, я знаю, что в нашей стране масса поклонников музыки Лу Рида, но сейчас я обращаюсь к тем, кто не очень хорошо знает его творчество, первая песня вполне репрезентативна, если там убрать аранжировочные всякие компоненты, то вот перед вами музыка Лу Рида. И в связи с этим, конечно, напрашивается вопрос: почему вообще мы говорим об этом музыканте, о музыканте, которого едва ли не официально называли в свое время "Мистер Скука"? Мало того, вы же сами услышали – применительно к Лу Риду нет, конечно, речи о каком-то рок-вокале, там, в общем-то, о звуковысотности особо речи-то нет, о попадании в ноты. Об игре – тоже нет никакой речи, собственно, и Лу Риду это не надо было, хотя он всегда там торчал с гитарой на своих концертах, и самое-то смешное – что гитары у него были самые дорогие, вот это, наверное, такой бзик у него, знаете, человек фактически играть на гитаре не особо умеет, но вот ему, наверное, нужно иметь какую-то крутейшую гитару. И аранжировки, вот как в предыдущей песне, писал не он, как правило, его продюсировали другие люди, и, в общем-то, конечно, особой музыкальной одаренности у Лу Рида нет, прошу не путать общую музыкальную одаренность с сонграйтерской, и тем более – с поэтической. Мало того, и вот этот основной сонграйтерский массив, в общем, достаточно заурядный и заунывный, если так, ну, жестко определять все это. И, тем не менее, вот поверьте мне, и сегодня мы будем этим заниматься, среди этого основного массива песен Лу Рида встречаются просто реальные самородки, реально этот человек написал, я думаю, пару десятков, ну, это я так думаю, кто-то из вас думает, может быть, больше, по крайней мере, пару десятков просто шедевральных рок-песен, без которых рок-музыку себе представить просто невозможно. Ну, в общем, короче говоря, при всем этом, да, мы же говорим об этом музыканте, не только мы с вами, этот музыкант имеет колоссальную популярность во всем мире, в определенных кругах, безусловно, и об этом тоже мы будем говорить. Наверное, главное, это вы догадались, что – стиль, идеология, фишка, атмосфера – вот что заставляет людей во всем мире, очень многих, слушать музыку Лу Рида, разбираться в ней, понимать ее и любить. Первая историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Американский музыкант и композитор Лу Рид, чья карьера насчитывает более четырех десятилетий, по праву считается одной из самых влиятельных, и при этом противоречивых фигур в истории рока. С того момента, как он еще школьником взял в руки гитару и до наших дней, этот артист остается великим провокатором, бесстрашным экспериментатором, и, пожалуй, главным идеологом богемно-декадентской составляющей рок-н-ролла. Более того, имя Лу Рида занимает основополагающее место в генеалогии панка и альтернативного рока 80-х и 90-х, это же касается и ретро-роковой волны последнего десятилетия. Льюис Алан Рид родился 2 марта 1942 года в Нью-Йорке, в тихом районе на Лонг-Айленде в состоятельной и благополучной семье. Впрочем, как только мальчик достиг подросткового возраста, этому благополучию пришел конец: Льюис увлекся ритм-энд-блюзом, и обнаружил склонность к беспорядочному образу жизни. Тогда же молодой человек стал пробовать себя в различных любительских составах, среди которых можно отметить дувоповый ансамбль "Jades", записавший в самом начале 60-х две сорокапятки. Музыка, впрочем, никогда не была единственной страстью Льюиса, и осенью 1960-го он поступил в престижный Сиракузский университет, где принялся изучать журналистику и режиссуру. Тогда же Рид попробовал себя и в качестве ведущего ночной музыкальной программы на местной радиостанции. Ближе к середине 60-х молодой человек стал все больше склоняться к музыкальной карьере, и, перебравшись в Нью-Йорк, устроился штатным сонграйтером на небольшой лейбл "Pickwick Records". Именно здесь Рид и встретил Джона Кейла, начинающего композитора-авангардиста из далекого Уэльса, и так на свет появились великие и ужасные "Velvet Underground". АРУТЮНОВ: Ну, напомню, что о великих и ужасных "Velvet Underground", очень точно Юра сказал, и о Джоне Кейле, не менее великом и не менее ужасном, мы отдельно с вами говорили. Вот мы сегодня как бы закрываем вот эту тему, условно говоря – тему этой культуры, культуры "Velvet Underground". Не думаю, что, как бы это сказать… Короче говоря, певица Нико – ей повезло, она не будет объектом нашего внимания. Следующая песня – знаменитая песня "Satellite of Love", она была на втором сольном альбоме Лу Рида 1972 года "Transformer". ( Звучит песня "Satellite of Love".) АРУТЮНОВ: Это была песня "Satellite of Love" с альбома "Transformer" 1972 года. Ну, и надо сказать, что в недрах этой песни и других песен с этого альбома можно обнаружить, легко достаточно, бэк-вокал Дэвида Боуи и гитару Мика Ронсона, и эти люди были продюсерами этого альбома, и очень сильно определяли своим продюсингом звучание Лу Рида тогда. В начале 70-х эти ребята подружились, и дружат до сих пор, но за исключением того, что с Миком Ронсоном дружить сегодня физически невозможно, к сожалению, а с Боуи Лу Рид периодически ссорился, тем не менее, это очевидно совершенно, эти два музыканта влияли друг на друга, и уже непонятно, кто на кого больше. Значит, это был "Transformer", второй альбом Лу Рида, первый был в самом начале 1972 года, назывался "Lou Reed". Ну, такой, достаточно проходной альбом, там на нем в основном он записал песни, которые были предназначены еще для "Velvet Underground". Да, и самое смешное на первом альбоме – это участие Стива Хоу и Рика Уэйкмана из ну просто мегаполярного ансамбля "Yes", мегаполярного эстетике Лу Рида. Ну, тем не менее, эти люди сыграли все, что от них требовалось – сумели сыграть скромно. Лу Рид – ну, конечно же, это такой типичный представитель нью-йоркского декаданса. Ну, надеюсь, что нам с вами более-менее известны обстоятельства нью-йоркской жизни 60-х годов, тогда вот Лу Рид там процветал. То есть Лу Рид не стеснялся представать перед всеми нами таким, ну, порочным наркоманом, я прошу прощения, что есть, то есть, вернее, что было, то было, таким абсолютно равнодушным исполнителем, с сигаретой у микрофона стоящим. Причем, если многие музыканты тратили вообще тонны своего интеллекта на то, чтобы показаться равнодушным, он настолько, мне кажется, ленивый был, индифферентный, что он и об этом не думал, вот он абсолютно такой, как есть – человек, который вовсе никаких усилий не прикладывал к тому, чтобы не то, что нравиться, а и к тому, чтобы быть понятым. Не очень обаятельный молодой человек, прямо скажем, но это он, это его суть. Да, у него не было никогда длинных волос, то есть понятна картина, это такой абсолютно очевидный антихиппи по всем параметрам – и по ментальности, по музыке, по внешности, по всему, что угодно. Его песни, песни Лу Рида, конечно, очень мрачные, такие, нездоровые, странные, да, но мессидж у этих песен, конечно, крайне убедительный, крайне цельный, вот так бы я сказал. И я думаю, что он один из первых рок-музыкантов, или первый музыкант, который еще в середине 60-х запел о таких, в общем-то, не очень светлых сторонах жизни – он запел о героине, о суицидальных наклонностях, о садомазохистских наклонностях, в общем, обо всем этом ужасе урбанизации, обо всем этом ужасе жизни в Нью-Йорке, а может, для кого-то и не ужасе. И все это размещалось в таких абсолютно непретенциозных, примитивных песнях, но согласитесь, изнанка жизни обладает своей известной притягательностью, в общем-то, вот поэтому и музыка Лу Рида обладает все той же притягательностью. И именно поэтому его безоговорочно боготворят одни, и так же безоговорочно отрицают другие. Вот сейчас я предлагаю вам следующую песню, и прошу вас ее внимательно слушать, потому что мы ее потом немножечко обсудим, и ее, и этот альбом, и все, что за этим стоит. Это песня из того же альбома, с которого была первая песня нашей сегодняшней программы – "How Do You Think It Feels". Сейчас послушаем песню "Caroline Says", это альбом "Berlin", по-нашему говоря, "Берлин", 1973 год, прошу вашего внимания. (Звучит песня " Caroline Says " .) АРУТЮНОВ: Это была песня "Caroline Says" 1973 года, альбом "Berlin". Не терпится сказать, наверное, многие из вас услышали – ведь это, фактически, я не знаю, сиквел некоторых песен Дэвида Боуи 1967-68 годов. Мне кажется даже, что Лу Рид с его продюсером, об этом продюсере сейчас отдельно пару слов – мне кажется даже, что они специально, то есть им захотелось такой вот привет Дэвиду Боуи, друг Дэвиду передать вот в этой песне – очень похоже на Боуи. Поговорим о диске "Berlin". Кстати, я сейчас слушал и смеялся, потому что, ну, надеюсь, опять же, многие из вас распознали бас-гитариста – Джек Брюс на басу играет. Вообще, можете себе представить такого минималистичного исполнителя Лу Рида и таких просто титанов вообще рок-культуры, рок-инструментария – Джек Брюс на бас-гитаре, Стив Винвуд на клавишах в этой записи участвовал, на барабанах молотит Эйнсли Данбар. Больше скажу, тут играют будущие звезды джаз-рока – братья Брекеры, Майкл и Рэнди. Плюс ко всему, тут впервые Лу Рид записывался со своими будущими гитаристами, неразлучным дуэтом: Стив Хантер и Дик Вагнер – это люди, которые после Лу Рида пошли к Элису Куперу, и, в общем, тогда уже играли сверхтехнологично, в общем, все это как бы так совершенно не оттуда, относительно музыки Лу Рида, а в результате – вот сейчас мы будем говорить, что было в результате. В результате получился, по общепринятому мнению, один из самых депрессивных альбомов в истории рок-музыки. Я с этим мнением соглашусь. Но позвольте мне еще от себя кое-что добавить, вдогонку. Лично я считаю, что "Berlin" – это просто один из лучших дисков в истории рок-музыки. Надеюсь, вам не смутит такая восторженность? Все начиналось с того, что Лу Рид познакомился с Бобом Эзрином. Всем снять шляпы. Я считаю, что Боб Эзрин – это просто гениальнейший продюсер, который пестовал многих, многим музыкантам реально помогал, и придавал им то, чего им не хватало и то, чего бы они сами хотели. Боб Эзрин, коль скоро речь зашла о нем – это продюсер с очень характерным продюсерским и аранжировочным почерком, человек, который мог придать любой записи такой гигантизм. Иногда это работало, а иногда – нет. Я, например, много слышал работ Боба Эзрина, даже, по-моему, в шутку как-то я упоминал его работы с ансамблем "Poco" и с певцом с юга Америки Доктором Джоном. Ну там, конечно, скорее, юмористическое было сотрудничество, по крайней мере, мне так кажется. Более эффективное сотрудничество и гораздо более продолжительное, случилось у Боба Эзрина с Элисом Купером и с группой "Kiss". Ну, я думаю, что вы все знаете результаты этого сотрудничества, действительно, он поднял этих людей, безусловно, они ему обязаны, и, мало того – он попадал в их эстетику стопроцентно. Боб Эзрин был в состоянии все ярчайшим образом, индивидуальнейшим образом саранжировать, спродюсировать, записать, сыграть при этом еще на клавишах, где надо – подпеть, подыграть на гитаре, то есть человек, который отвечал за весь процесс, и реально отвечал. Что касается, вот я упомянул группу "Kiss", вы будете смеяться, ну, те, кто не знает – в 1981 году "Kiss" записали, мне кажется, очень интересный альбом, очень недооцененный – "The Elder", вот на этом альбоме Лу Рид несколько песен с ними совместно написал, совместно с "Kiss". Ну, и вы помните, что гитаристы Лу Рида – Вагнер и Хантер, потом ушли к Элису Куперу, в общем, это такой был большой котел, через Боба Эзрина все эти связи тогда налаживались и укреплялись. Боб Эзрин, познакомившись с Лу Ридом, предложил тому написать концептуальный альбом, собственно, Лу Рид сам этого хотел. Но они выработали такой совершенно неожиданный подход. Они как бы решили делать концептуальный альбом, как фильм какой-то, воображаемый фильм, который они смотрят изнутри собственных голов. Ничего, да, так? Но, во всяком случае, результат – альбом "Berlin", превзошел все ожидания. Вот этот эпический симфонический стиль Боба Эзрина, казалось бы, подавит нашего с вами Лу Рида, с его таким сугубо камерным монологизмом, примитивизмом, да? Ничего этого не произошло, вы знаете, мало того, опять же, я лично считаю, что работа "Berlin" с Лу Ридом – это лучшая работа Боба Эзрина. Еще раз оговариваю за собой право быть субъективным. Вслед за диском "Berlin" 1973 года, вышел в 1974 году альбом "Rock’n’Roll Animal", концертный альбом, первый из, я не побоюсь сказать, думаю, что, по меньшей мере, десяти концертных альбомов Лу Рида, может быть, даже их было больше, но где-то около десяти – точно совершенно. Парадоксальным образом опять же, все время, видите, слово "парадокс" я употребляю, Лу Рид любил концертные и выступления, и, соответственно, концертные записи. Ну, может быть, из чисто практических соображений он любил выпускать концертные пластинки, не важно – их очень много. Ну вот давайте послушаем песню из этого самого "Rock’n’Roll Animal" 1974 года, песня называется "Lady Day". (Звучит песня " Lady Day ". ) *** АРУТЮНОВ: Ну, а вот эта песня, "Lady Day", конечно же, напоминает нам другого персонажа и подопечного Боба Эзрина – Элиса Купера, прямо как продолжение песни "Steven" звучит, помните, да? Ну, тут же, тем более, играют люди, которые определяли звук Купера 1975 года – Дик Вагнер и Стив Хантер, знаменитые гитаристы, пилят, кстати, не знаю, не забывайте – 1974 год, а эти люди уже там такие, шредеры, ну, естественно, по тем временам. В 1974 же году Лу Рид выпустил студийный альбом "Sally Can’t Dance", одноименную песню мы сейчас через минуту услышим с вами. В 1975 году еще один альбом, начиналась череда концертников – "Lou Reed Live", по-прежнему там пилили Дик Вагнер и Стив Хантер, достойно пилили. А затем Лу Рид решил, что он что-то так опопсел, и выпустил пластинку, двойной альбом, который назывался "Metal Machine Music". Честно признаюсь, я в свое время стойко отслушал этот двойной альбом. Я думаю, что всем нам эта пластинка может помочь в определенной жизненной ситуации. Вот представьте себе, к вам пришли гости, и забыли уйти. Вот рекомендую вам предложить всем послушать пластинку Лу Рида "Metal Machine Music". Уверяю вас, очень быстро уйдут. Ну, то есть это такая тотальная какофония, это слишком мягко даже сказано. Ну, все, если будет желание, можете в этом убедиться сами. Во всяком случае, Лу Рид не продолжил эти эксперименты, и в 1976 году выпустил свою обычную луридовскую пластинку "Coney Island Baby", и в том же году, 1976-м – "Rock and Roll Heart", наполовину, естественно, концертный альбом. В 1978 году альбом "Street Hassle", в 1979 году двойник, опять концертный – "Take No Prisoners", там, кстати, можно при желании услышать, как Лу Рид переругивается с аудиторией, и 70-е годы закончились для него пластинкой "Growing Up in Public", 1980 год. Дальше все было достаточно активно, и до сих пор продолжается все, Лу Рид – молодец, регулярно выпускает пластинки, и книги иногда выпускает, первая из них вышла в 1992 году, книга его стихов, которая называлась "Between Thought and Expression". Вторая историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: Участие в "Velvet Underground" навеки вписало имя Лу Рида в историю рока, а к пластинке "Loaded" полностью сформировался и сонграйтерский почерк. Гармонический и аранжировочный примитивизм, позаимствованный Ридом из раннего ритм-энд-блюза и фолка, служил идеальным фоном для маниакально-речитативной вокальной манеры артиста, а главное – нетривиального лирического наполнения его песен. Лу Рид, безусловно, расширил словарный запас рок-поэзии, во многом – за счет повышенного внимания ко всякого рода табу, девиациям и дурным привычкам, и выработал уникальную – отталкивающую, и при этом обаятельную манеру. Нечто похожее можно увидеть и в творчестве многих его современников, но Рид, пожалуй, стал первым настоящим глашатаем маргинальности в роке, а характерное для его песен сочетание натурализма, сарказма и примитивного психологизма вдохновило не одно поколение рок-провокаторов. Несмотря на нынешнюю репутацию провидцев, в свое время "Velvet Underground" не получили массового признания, кроме того, группу раздирали противоречия, и в результате в 70-е Лу Рид шагнул уже сольным артистом. АРУТЮНОВ: Ну хорошо, слушаем ту самую песню "Sally Can’t Dance", 1974 год, одноименный альбом. (Звучит песня " Sally Can ’ t Dance ".) АРУТЮНОВ: "Sally Can’t Dance", такой фанк-рок от Лу Рида. Ну, и такие песни ему удавались, согласитесь. Но их было, конечно, немного. Так вот, Юра упомянул "Velvet Underground", мы о них в свое время много говорили, тем не менее, чуть-чуть давайте освежим самое главное об этой команде, и о Лу Риде, соответственно. Тогда, в середине 60-х, в Нью-Йорке в недрах группы "Velvet Underground" разрабатывался абсолютно новый подход к рок-музыке. Все остальные музыканты, буквально все, и в Англии и в Америке, тогда стремились сделать свой продукт лучше, все упорно работали над вокалами, над инструменталами, аранжировками, тогда же начиналась психоделия, там не за горами был арт-рок, в общем, музыканты хотели быть круче и лучше. А в Нью-Йорке вот эта группка молодых людей из ансамбля "Velvet Underground" этого всего не хотела, хотела даже наоборот. Я думаю, они руководствовались известным тезисом знаменитого рок-н-ролльного исполнителя Мао Цзэдуна, который говорил, помните, да: "Чем хуже, тем лучше". Другие музыканты, напомню, тогда пытались еще улучшить качество продукта, да и пытались все это сделать максимально драйвово, открыто так, доступно, понятно, напористо. Здесь все было принципиально другое – индифферентность, отстраненность – вот что им было важно, такие они были люди. Ну, у них был для этого очень подходящий шеф, для такой идеи – Энди Уорхол, легендарный нью-йоркский авангардный художник, ну, собственно, наверное, вы знаете, кто это такой, давайте я не буду много о нем, но он очень серьезно повлиял на "Velvet Underground". Я думаю, что "Velvet Underground" – это первый пример в истории рока, первый продукт тусовочности. Энди Уорхол привлек для раскрутки "Velvet Underground" весь свой тогда уже недюжинный потенциал, пиаровский в том числе, и свой авторитет. Энди Уорхол – человек, который очень здорово умел преподнести свое искусство, то есть он тогда внушил всем, что вот это искусство – авангардное его искусство, и, так сказать, все, что вокруг него тогда происходило – это и есть откровение, это новое слово, это очень круто, и это подавалось как, предположим: "Старик, ну мы-то с тобой понимаем, что это круто, они, дураки, не понимают, а мы с тобой, и там еще человек сто – вот мы-то все это и понимаем". Богемность, да? Мы с вами прекрасно понимаем, что вхожесть в богемный круг приносит дивиденды, прямые практические дивиденды, потому что богема – это музыканты, художники, и так далее и тому подобное, и еще работники масс-медиа – журналисты, и именно вот этим людям надлежало внушить широким массам, что все, что здесь происходит, в данном случае с группой "Velvet Underground" – это и есть новое слово, и все должны это понимать и любить. Вот это неумение играть и петь музыкантов "Velvet Underground", вот это любительство, любительщина, преподносилась именно как противовес обремененности других музыкантов ремесленными клише. И, вы знаете, это работало. Ну, потому что, давайте так, называть вещи своими именами – снобизм никто никогда не отменял, снобизм разноуровневый, разных видов, но, тем не менее, вот здесь причина популярности "Velvet Underground" тогда в Нью-Йорке – в общем-то, она крылась и в этом свойстве человеческой натуры. И оказалось, что достаточно много людей в аудитории хотели именно такой музыки, именно такого подхода. Другое дело, что потом этот подход некоторые идеологи возвели в абсолют, в норму, как раз те, наверное, кому это было каким-то образом выгодно, да, и здесь мы сталкиваемся с другой крайностью. В 60-е годы, в середине, многие люди творческих склонностей поняли, что рок-н-ролл, и мы с вами неоднократно об этом говорили, об этом явлении, очень удобное поле для самовыражения. Здесь контакт с аудиторией происходит гораздо быстрее, прямо вот здесь и сейчас, гораздо быстрее, чем в некоторых других видах искусства, и отдача в рок-н-ролле гораздо более явная, ну что там говорить – успех гораздо более быстро может придти в рок-н-ролле. Вот почему в рок-н-ролл буквально валом тогда повалили, особенно тогда в Нью-Йорке, художники, актеры, танцоры даже, поэты – очень много поэтов, и такие люди, которых определяют словом "фрики". Начиналась новая эра, и мы с вами в России уже можем вспомнить, что примерно такая же картина была в нашем, в основном питерском, отчасти московском роках в 80-е годы. Очень серьезное подкрепление в рок-ряды являли собой как раз люди из смежных видов искусства, не мне вам об этом говорить, вы все сами знаете. Поэты, очень много поэтов почувствовали серьезный потенциал в рок-музыке для самовыражения, и пришли туда. Ну, собственно говоря, это неудивительно. Да, эти люди, может быть, не были так щедро одарены музыкально, и, тем более, не были образованны музыкально, но вы не забывайте, все же рок-музыка – это, наверное, такой городской фольклор XX века. Фольклор не подразумевает тотального такого музыкального образования его исполнителей, и, возвращаясь к нашим реалиям, конечно же, легко очень услышать влияние Лу Рида на музыку отечественных исполнителей, опять же, вот питерской плеяды 80-х годов. Но, к сожалению, вот это явление имело и свою изнанку. Вы знаете, я заметил, что с тех пор, с 80-х годов да и по сию пору очень многие слушатели рок-музыки, или те, кто пытается в ней что-то понять, думают благодаря вот этим явлениям, что рок-музыка – это маргинализм, что это рупор какого-то человеческого нездоровья, что ли, неблагополучия психического, не без основания, надо полагать, но это не совсем, это же очень одномерно, согласитесь – рок-музыка может быть совсем другая. Да и, в общем-то, основной массив рок-музыки – другой. Но здесь же надо сказать, что существует и другая крайность. Многие в свою очередь думают, что рок-н-ролл должен быть красивым, задушевным, высокоинтеллектуальным и высококультурным. Ну, вот в результате таких подходов мы имеем ансамбль "Earth, Wind & Fire". Извините, это сугубо личное, ничего не хочу сказать плохого про эту группу, просто я хочу, чтобы вы меня поняли, так, ну, максимально. Я просто здесь обозначаю полюса, и это тоже своего рода снобизм, когда люди с высоким музыкальным образованием смотрят свысока на своих необразованных коллег, самоучек, которые, эти самые самоучки, зачастую не менее музыкально одарены, чем эти снобствующие персонажи, и гораздо более интересны и убедительны в своей музыкальной идее. Дальше выбирайте сами. Я вам могу сказать одно: да, я сказал, что основной массив рок-музыки не такой, как музыка Лу Рида, и, так сказать, его "satellites", "satellites of love", но, уверяю вас, она была бы, эта рок-музыка, немного пресная без музыки Лу Рида. Ну, и в таком случае давайте послушаем песню с альбома "Growing Up in Public", который закрывал 70-е для Лу Рида, песня называется "Keep Away". (Звучит песня " Keep Away " .) АРУТЮНОВ: Это была "Keep Away". А сейчас будет третья и последняя сегодня историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Если первый альбом Лу Рида остался незамеченным, то пластинка 1972 года "Transformer", записанная при активном участии Дэвида Боуи и его гитариста Мика Ронсона, обратила на Лу Рида внимание широкой аудитории, причем, главным образом, британской. Следующий опыт – лонгплей 1973-го "Berlin", считается едва ли не высшей точкой в карьере Лу Рида, и служит редким примером рок-пластинки, вдохновленной континентальной европейской эстетикой. Воодушевленный высокими продажами студийных работ, Рид, несмотря на довольно индифферентную манеру держаться на сцене, полюбил ездить в туры, в результате чего живая пластинка "Rock’n’Roll Animal" стала самым продаваемым релизом артиста. Рид продолжал регулярно выпускать альбомы на протяжении всех 70-х, причем, в отличие от многих коллег по рок-цеху, наступление панк-эры не только не отодвинуло его фигуру в тень, но добавило ему новых поклонников. Панки считали Лу Рида одним из своих главных пророков, а он, в свою очередь, как и подобает истинному гуру, категорически отрицал всякую связь с панк-культурой, утверждая, что слишком хорошо для нее образован. Сольная карьера Лу Рида не обрывалась ни в злополучные для рока 80-е, ни в капризные 90-е, причем в последнее время интерес к артисту, похоже, растет. Вне всякого сомнения, сегодня он единолично олицетворяет шоковую эстетику "Velvet Underground", а этот аспект рок-н-ролла всегда был и будет в цене. Именно поэтому манере Лу Рида подражают актуальные молодые группы вроде "Kings of Leon" или "The Strokes", а его собственный голос звучит на пластинках современных королей рок-чартов – "The Killers" и "Gorillaz". При этом Лу Риду до сих пор удаются гениальные, по-настоящему острые и громкие рок-провокации, что красноречиво подтвердит любой фанат группы "Metallica". АРУТЮНОВ: Да-да, ну, я думаю, что вы в курсе, вот эта новость о сотрудничестве Лу Рида и "Metallica", как сейчас модно говорить, взорвала Интернет-сообщество. Но очень многие плевались, очень многие восторгались, мне кажется, главное в этой истории – то, что самим чувакам все это очень нравилось – и Лу Риду, и "Metallica". Результат вы можете услышать, я думаю, вы уже слышали, ну, часть из вас, во всяком случае. Вот я сегодня пытался много умствовать по поводу музыки Лу Рида, ну, посильно, да, но забыл сказать одну, наверное, немаловажную вещь: мне кажется, что музыка Лу Рида, и подобная ей, возможна только в географически определенных местах. Согласитесь, это музыка современных мегаполисов, это декаданс самый обычный, такой вот достаточно европейский по духу декаданс огромных городов, и, как правило, эти города севернее остальных находятся, во всяком случае, музыка Лу Рида абсолютно естественно слушается в Нью-Йорке, я думаю, в Бостоне, в Лондоне, Берлине, может быть, отчасти в Париже, по крайней мере, мне трудно себе представить появление музыканта типа Лу Рида, и тем более, слава этого музыканта где-нибудь в Хьюстоне, ну, или там в Афинах или в Ставрополе. И вот почему абсолютно естественным является тот факт, что в нашей стране цитадель вот этого раздела рок-музыки – Питер, очень органично. Тем из вас, учитывая всю неоднозначность сегодняшней темы, тем из вас, кто, знаете, как, есть такое мое любимое выражение, знаете, как: "Я воспитан на битлах". Так вот, тем из вас, кто воспитан, предположим, на битлах, на "Queen", на "Led Zeppelin", на всем том, что является сутью классического рока, в нашем понимании, вряд ли я осмелюсь посоветовать что-то из Лу Рида. Тем же, кто допускает существование другой рок-музыки, с удовольствием советую послушать "Transformer" 1972 года, "Berlin" 1973 года, и "Sally Can’t Dance" 1974 года, и заканчиваю сегодняшнюю программу песней, к которой я, в общем-то, наверное, всю программу вас и готовил. Попробуйте оценить величие такого сорта рок-музыки, как у Лу Рида. Песня "Sad Song", очень характерное название. Пока! (Звучит песня " Sad Song ".) 55:53 no http://finam.fm/archive-view/5516/ В студии: Николай Арутюнов.  Выпуск от 04.02.2012       ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Getaway Parchman Farm Pink Champagne It’s Got the Whole World Shakin’ Yeh Yeh Do Re Mi Tomorrow Night Get on the Right Track, Baby   НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Rhythm and Blues at the Flamingo - 1964  Fame at Last! -1964 My Favourite Songs - 1983       АРУТЮНОВ: Я рад приветствовать всех слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM"-радио, я – Николай Арутюнов, ведущий и автор этой программы, предлагаю вам сегодняшнюю тему, а именно: классический британский музыкант, поющий клавишник Джорджи Фэйм.   (Звучит песня " Getaway ".)   АРУТЮНОВ: Вот так, со знаменитой песни "Getaway" мы начинаем свой рассказ о Джорджи Фэйме. Ну, согласитесь, вот такого рода музыки у нас, наверное, не было, или была фрагментарно, в общем, такая музыка, с таким звуком, с таким стилем, звучала у нас крайне редко, и вот за счет Джорджи Фэйма я считаю необходимым заполнить этот пробел. Надо сказать, что сам Джорджи Фэйм не всегда придерживался этого стиля, и вот поэтому я сегодня в этой программе решил сконцентрироваться на периоде, который и отражает становление этого авторского... ]]> Sat, 04 Feb 2012 12:05:00 +0400 Georgie Fame В студии: Николай Арутюнов. ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Getaway Parchman Farm Pink Champagne It’s Got the Whole World Shakin’ Yeh Yeh Do Re Mi Tomorrow Night Get on the Right Track, Baby НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Rhythm and Blues at the Flamingo - 1964 Fame at Last! -1964 My Favourite Songs - 1983 АРУТЮНОВ: Я рад приветствовать всех слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM"-радио, я – Николай Арутюнов, ведущий и автор этой программы, предлагаю вам сегодняшнюю тему, а именно: классический британский музыкант, поющий клавишник Джорджи Фэйм. (Звучит песня " Getaway ".) АРУТЮНОВ: Вот так, со знаменитой песни "Getaway" мы начинаем свой рассказ о Джорджи Фэйме. Ну, согласитесь, вот такого рода музыки у нас, наверное, не было, или была фрагментарно, в общем, такая музыка, с таким звуком, с таким стилем, звучала у нас крайне редко, и вот за счет Джорджи Фэйма я считаю необходимым заполнить этот пробел. Надо сказать, что сам Джорджи Фэйм не всегда придерживался этого стиля, и вот поэтому я сегодня в этой программе решил сконцентрироваться на периоде, который и отражает становление этого авторского стиля Джорджи Фэйма, на периоде 60-х годов, и даже, скорее, начала 60-х. Это не значит, что у музыканта не было других работ, я вам скажу больше – он здравствует и очень удачно практикует до сих пор, и были там достойные работы в 70-е, в 80-е годы, но уж очень я хочу, еще раз повторю, чтобы вот этот стиль, вот этот звук полноценно прозвучал в программе, поэтому сегодня в основном Джорджи Фэйм 60-х годов. Для тех, кто не знает, кто это такой, сообщу сразу, чтобы не было никаких сомнений, что Джорджи Фэйм – это один из тех людей, кто поднял британский рок к середине 60-х годов на совершенно новый уровень, на совершенно новую высоту. Это один из самых популярных артистов в Британии 60-х годов, один из самых любимых и публикой, и коллегами-музыкантами. Мы с вами уже много говорили и будем говорить о музыкантах Британии того времени, и к некоторым из них, может быть, ко многим даже, применимо понятие "overnight sensation", то есть, как мы говорим в свою очередь в России – "человек, который проснулся знаменитым однажды". Вот это – не про Джорджи Фэйма, он достаточно долго и упорно, надо сказать, шел к успеху, но когда он пришел к этому успеху, он там, в общем-то, уверено закрепился, и теперь дальше уже идет не к успеху, а просто уже теперь от успеха к очередному успеху, понимаете, да, о чем я? Ну вот так вот. Первая историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Один из настоящих клавишных классиков британского рока, органист, пианист и вокалист Джорджи Фэйм заслуживает отдельного внимания и как сольный исполнитель, и как аккомпаниатор, партнер и соавтор таких артистов, как Вэн Моррисон, Алан Прайс или Билл Уайман. Клайв Пауэлл – таково настоящее имя музыканта, родился 26 июня 1943 года в городке Ли неподалеку от Манчестера, в небогатой, но очень музыкальной семье. Несмотря на то, что заниматься фортепиано мальчик начал еще с семи лет, настоящий вкус к музыке появился у него не сразу. Поначалу гаммы и этюды навевали тоску, и лишь услышав по радио Джерри Ли Льюиса, Фэтса Домино и Литтл Ричарда, молодой человек пересмотрел свое отношение к пианино, и основательно засел за инструмент. Окончив среднюю школу, Клайв, следуя семейной традиции, устроился подмастерьем на хлопкопрядильную фабрику, однако все свободное время играл в местных пабах на радость усталым землякам. В 16 лет молодой пианист, выиграв конкурс юных талантов, получил серьезное профессиональное предложение от одного из первопроходцев рок-н-ролла в Англии – Рори Блэквелла, и перебрался в Лондон. Впрочем, как часто бывает, обманчиво легкий старт неожиданно уступил место суровым будням. Коллектив Блэквелла вскоре распался, и Клайв оказался на улице без средств к существованию. Это не смутило юного артиста, он твердо решил, что ни за что не покинет столицу. АРУТЮНОВ: Ну вот, давайте теперь начинать все по порядку. Первая пластинка Джорджи Фэйма и его группы "Blue Flames" была записана – внимание! – в сентябре 1963 года, вышла в свет в самом начале 1964 года. она называлась "Rhythm and Blues at the Flamingo". Ну, об этой пластинке мы сегодня часто будем говорить, а пока слушаем песню оттуда "Parchman Farm". (Звучит песня " Parchman Farm " .) АРУТЮНОВ: Это была песня "Parchman Farm". Сразу и опять же так, достаточно увесисто вам скажу, что не я считаю, а общепринято считать Джорджи Фэйма одним из отцов британского блюза, на минуточку. Вот эта самая пластинка "Rhythm and Blues at the Flamingo", я думаю, спорит за позицию второй в истории британской блюзовой пластинки. Она спорит со знаменитым диском, о котором мы в свое время говорили – "Five Live Yardbirds", но она была записана раньше, "Five Live Yardbirds" была записана в конце 1963 года, эта – в сентябре. То есть только одна пластинка британского блюза была выпущена до этого диска, это, естественно, знаменитый диск, основополагающий диск Алексиса Корнера "Blues Incorporated", и он вышел в 1962 году, ну, до Алексиса Корнера мы с вами, конечно же, доберемся в свое время. Так же, как "Blues Incorporated" Алексиса Корнера или "Bluesbreakers" Джона Мэйолла, или группа "Manfred Mann", группа Джорджи Фэйма "Blue Flames" – это своеобразная такая кузница кадров. Ну, мы с вами знаем, что через "Bluesbreakers" Джона Мэйолла и через "Manfred Mann" прошли очень многие впоследствии знаменитые музыканты, я уж не говорю про группу Алексиса Корнера "Blues Incorporated", но об этом, опять же, разговор впереди. Так вот, у Джорджи Фэйма тогда, в середине 60-х годов, отметились такие люди, как будущий Махавишну, а именно Джон Маклафлин – знаменитый гитарист джаз-роковый; не менее знаменитый и не менее джаз-роковый, но уже барабанщик – Джон Хайсман, который впоследствии основоположил ансамбль "Colosseum"; и некий барабанщик Митч Митчелл, который своими дробями знаменитыми украшает все лучшие записи гитариста Джими Хендрикса. Кроме того, Джорджи Фэйм, я сейчас перечисляю, так сказать, его исторические заслуги, одним из первых стал высокопрофессиональным клавишником в британском роке, в британском блюзе. В начале 60-х годов появились группы так называемой "первой волны" британского блюзового бума, и среди этих групп было несколько, ведомых клавишниками, и некоторые из них даже назывались именем клавишника: та же группа "Manfred Mann", тот же ансамбль "Graham Bond Organization", о котором мы тоже говорили в свое время, группа "Trinity" Брайана Огера, о ней тоже мы говорили, о Брайане Огере тоже говорили, и вот, наконец, остался последний из неохваченных нами классических британских блюзовых клавишников – Джорджи Фэйм. Но надо сказать, что, в отличие от вышеуказанных господ, Джорджи Фэйм больше все же, наверное, концентрировался на своем пении. Конечно, он был классным клавишником, в этом нет сомнения, но он позиционировал себя и как певец, и как клавишник, в отличие, скажем, от Брайана Огера, который практически не пел, тем более, тогда. Конечно, Манфред Манн вообще не пел, и, конечно, Грэм Бонд пел очень круто, это мы с вами помним. Так что на первой пластинке, той самой "Rhythm and Blues at the Flamingo", Джорджи Фэйм предстал вполне уже сформировавшимся певцом, естественно, и клавишником, и пел он тогда, надо сказать, представьте себе – 1963 год, а человек, молодой англичанин, поет практически как любой заокеанский такой, что ли, эстрадно-джазовый певец, вот в этой манере. Ну, и коль скоро уже слово "джаз" было употреблено, надо сказать, что Джорджи Фэйм составлял, так, условно говоря, джазовое крыло британского блюза середины 60-х годов, вместе с все теми же, видите, мы часто одних и тех же людей упоминаем, вместе с все теми же Грэмом Бондом и Брайаном Огером. Ну конечно, Джорджи Фэйм тогда играл много блюзовой классики, естественно, они исполняли "Baby Please Don’t Go" Сонни Бой Уильямсона, но, вы знаете, строго говоря, это даже тогда уже был не совсем блюз. В музыке Джорджи Фэйма блюз составлял равновеликую долю с другими направлениями – соул, очень много соул играл Джорджи Фэйм, и дальше, вот то, что его отличало от всех – он играл очень много такой вот зародышевой карибской музыки, уже тогда, в начале 60-х. Ну и, естественно, элемент бита был очень силен в музыке Джорджи Фэйма. Но, опять же, вот, наверное, все же больше всего он напоминал такой вот вариант "easy listening jazz". Так что в этом смысле вполне можно рассматривать Джорджи Фэйма и как пионера британского джаз-рока, и опять же и Брайан Огер тогда играл такую, достаточно джаз-роковую музыку, и Грэм Бонд. Так что можно сказать, что в Англии вот этот джаз-рок, в общем-то, наверное, никогда и не рождался из рока, он с самого начала там был, в отличие от Америки, в Америке, мы с вами знаем, где-то в 1967 году стали появляться уже "Electric Flag", и дальше там "Chicago", "Blood, Sweat & Tears", а в Англии вот эта джазовая традиция в рок-музыке – она с самого начала была заложена некоторыми людьми. Следующая песня в нашей сегодняшней программе – это песня "Pink Champagne" 1964 года из второго его долгоиграющего альбома, который назывался "Fame at Last!" (Звучит песня " Pink Champagne " .) АРУТЮНОВ: Это была песня "Pink Champagne" 1964 года, напоминаю. Ну, наверное, в этой песне вы услышали все, о чем я только что вам говорил. Самые искушенные из вас услышали, наверное, да и они, наверное, знают, эти самые искушенные, что Джорджи Фэйм – это, конечно, ну, так очень грубо сказать, калька с Моуза Эллисона. В двух словах, Моуз Эллисон – это знаменитый тогда американский поющий пианист, который как раз играл вот в таком стиле, это джазовый музыкант, который много играл также буги, вот он вокально, да и музыкально очень сильно повлиял на Джорджи Фэйма, и Джорджи Фэйм никогда этого не скрывал, ну, а потом, естественно, как мы уже говорили, Джорджи Фэйм все это переплавил в свой собственный стиль, вот это ориентирование на Моуза Эллисона. И, соответственно, мы слышали песню "Parchman Farm" недавно – это песня Моуза Эллисона, знаменитая, культовая песня Моуза Эллисона. Опять же, наверное, вы услышали, все-таки мы с вами уже достаточно опытные люди, вот этот ритм-энд-блюз Джорджи Фэйма очень серьезно отличается от ритм-энд-блюза остальных британских блюзовых музыкантов того времени. Я думаю, что правильно будет сказать, что ритм-энд-блюз от Джорджи Фэйма – она такой, ну, что ли, наименее агрессивный по сравнению с его собратьями по блюзу, и, грубо говоря, наименее роковый, наверное, наиболее комфортный для восприятия, несколько камерный такой, ну, в общем – расслабленный, но вместе с тем энергичный. Много другого было необычного у Джорджи Фэйма для 1963 года, для британской блюзовой сцены: достаточно большой состав, расширенный за счет, во-первых, двух саксофонистов, это тогда была большая редкость, на саксофоне, как мы с вами знаем, играл Грэм Бонд иногда, ну, там еще кто-то использовал саксофон, но два саксофона – это уже достаточно претенциозно для 1963 года. Но самое главное, я думаю, что группа "Blue Flames" Джорджи Фэйма – это первая группа, в составе которой был штатный перкуссионист. Тогда еще, в общем-то, особо в голову никому не приходило использовать вот этот инструмент, инструменты, а у Джорджи Фэйма, мало этого – человек был в штате. И еще такая интересная фишка – в составе Джорджи Фэйма в тот период некоторое время играли сразу двое чернокожих музыкантов, это, напоминаю, английская команда. В общем, вот так, достаточно необычный, да не то, что достаточно – очень необычный музыкант, очень необычный подход для начала 60-х годов, согласитесь. Ну, а теперь пару слов об этой самой легендарной, это факт совершенный – это легендарная пластинка "Rhythm and Blues at the Flamingo" 1963 года. Дело было так: Джорджи Фэйм и его группа "Blue Flames" квартировали, были хаус-бэндом в знаменитом джазовом таком подвале, джазовом клубе "Flamingo" в Лондоне. Так вот, один из совладельцев "Flamingo" был еще и по совместительству менеджером Джорджи Фэйма, и как вы догадываетесь, вот тут в дело вступили так нам знакомые мотивы кумовства и местничества. Да нет, я думаю, что просто класс Джорджи Фэйма позволял тогда ему играть на любой площадке. Ну, короче, вот этот человек, совладелец "Flamingo", пригласил на концерт Джорджи Фэйма Иэна Сэмвелла, Иэн Сэмвелл – это тогда был один из самых влиятельных продюсеров, композиторов в британском роке, он, напомню, поднимал Клиффа Ричарда и многих-многих других людей. И вот, значит, летом 1963 года этот самый Иэн Сэмвелл пришел на концерт Джорджи Фэйма. Да, надо сказать, что к этому моменту была уже записана первая сорокапятка группы "Georgie Fame & the Blue Flames". Так вот, пришел этот самый Сэмвелл на их концерт, и после нескольких песен он завопил своему приятелю, который его привел в клуб: "Стоп-стоп, все ясно! Слушай, вот ты говорил, что ты записал их первую сорокапятку, тормозни ее, сделаем по-другому – мы запишем их альбом целиком, живьем прямо здесь, в клубе "Flamingo". И в сентябре 1963 года они организовали запись, надо сказать, серьезно к ней готовились, ну, с позиции сегодняшнего дня, конечно, все это слушается весьма наивно, но поверьте мне, была серьезная техническая подготовка к этой записи, и техническую подготовку и саму запись осуществлял некто Глин Джонс – человек, который потом писал неких "Rolling Stones", и многих-многих других. Ну, в общем, они этого сами не понимали, но сейчас-то мы видим, что это был явно такой, что ли, определяющий, один из определяющих моментов британской музыки – запись этой пластинки "Rhythm and Blues at the Flamingo". Ну, давайте сейчас слушать следующую песню нашей программы, это будет "It’s Got the Whole World Shakin’" – это их версия, "их" – это значит Джорджи Фэйма и его "Blue Flames", песни великого соулмена Сэма Кука. Запись 1966 года, она была на пластинке "Getaway". (Звучит песня " It ’ s Got the Whole World Shakin ’" . ) *** АРУТЮНОВ : Это была песня "It’s Got the Whole World Shakin’". Вторая историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: Осенью 1959 года Клайв Пауэлл отправился на прослушивание к Ларри Парнсу – первому настоящему импресарио британского рок-н-ролла. Как только Парнс услышал игру молодого клавишника, он был принят на работу. Однако с одним условием: будущей звезде полагалось новое сценическое имя. У едва сводившего концы с концами юноши не было выбора, и так Клайв Пауэлл стал Джорджи Фэймом. Впрочем, Парнс не остался в долгу, и буквально завалил Клайва работой. Помимо игры в аккомпанирующем составе других подопечных Парнса, молодому пианисту довелось поиграть с такими классиками американского рок-н-ролла, как Джин Винсент и Эдди Кокрэн. В 1961 году Джорджи Фэйм стал участником группы "The Blue Flames". Поначалу этот состав был собран для сопровождения концертов рок-н-ролльщика Билли Фьюри, однако вскоре солист отказался от своих аккомпаниаторов, и группа зажила своей жизнью, уже под руководством Джорджи Фэйма. К 1962 году "Blue Flames" заработали репутацию крепкой команды, и получили постоянную работу в одном из лучших джазовых клубов лондонского Уэст-Энда "Flamingo". Этот ангажемент не только укрепил состав, но и помог Фэйму по-настоящему найти себя в музыке. Среди завсегдатаев "Flamingo" были американские военнослужащие, и они охотно делились с хаус-бэндом клуба последними музыкальными новинками из-за океана. Именно тогда Джорджи Фэйм, на тот момент убежденный пианист, был поражен игрой пионера органа "Hammond B3" Джимми Смита. Последней каплей, по воспоминаниям самого музыканта, стала знаменитая композиция "Green Onions" в исполнении "Booker T. & the MG’s". На следующий же день он купил собственный "Hammond", и вскоре стал одним из первых мастеров этого инструмента в Англии. АРУТЮНОВ: Давайте сейчас я вдогонку справке кое-что прокомментирую. Вот были упомянуты славные американские рок-н-ролльщики Джин Винсент и Эдди Кокрэн. А вы знаете о том, что первая запись, первое воплощение музыки и игры Джорджи Фэйма на клавишах на виниле было отнюдь даже не на его первой сорокапятке 1963 года – это было в 1960 году, тогда Джин Винсент записывал в Англии несколько песен, на одной из них уже сыграл юный тогда Джорджи Фэйм, то есть тот человек, который был как раз на пути от Клайва Пауэлла к Джорджи Фэйму. Дальше, Юра упомянул Ларри Парнса, знаменитого импресарио рок-н-ролльного английского, у него была очень такая забавная особенность, забавное, что ли, хобби, или склонность, не знаю, уж как это назвать – он жутко любил своим подопечным давать псевдонимы. У Ларри Парнса в его "конюшне", выражаясь языком "Формулы-1", уже были "Сильный", "Дикий", "Страстный" и "Яростный", не хватало только "Славного". Ну, это, наверное, скорее, образно, во всяком случае, ну, Джорджи Фэйм – понятно, как фамилия переводится – "слава", также у него был и Билли Фьюри, и Марти Уайлд – это все классики британского рок-н-ролла, мечтают до этого добраться, это очень раритетная штука. Ладно, идем дальше. Кроме того, в справке было сказано, что Джорджи Фэйм – едва ли не пионер "Hammond"-органа на британской сцене. Я хочу вам сказать, что достаточно много инноваций числится за Джорджи Фэймом на этой британской блюзовой сцене. Вот я говорил, что он уже ввел в блюзовый британский обиход, в обычный такой блюзовый рацион "Parchman Farm" Моуза Эллисона, и он так же первым исполнил песню, которую после него едва ли не все заиграли – "Let the Good Times Roll", а эту песню в 50-е годы представил миру вначале Фэтс Домино, а потом уже Би Би Кинг. Дальше, вот нам с вами это будет очень интересно, нам с вами в нашей стране: Джорджи Фэйм – первый музыкант, кто исполнил кавер-версию знаменитой песни "Sunny", тогда это был всего лишь очередной соул-хит американского чернокожего певца, соул-исполнителя Бобби Хэбба. Сразу после Джорджи Фэйма эту песню исполнил и записал также Манфред Манн со своей командой, а потом в 70-е годы эту песню узнала вся наша матушка-Русь, вернее, тогда еще Советский Союз благодаря "блюзовому" ансамблю "Boney M". Вот так вот. Да-да-да, вспомнили, да, эту песню? Вот ее-то как раз на нашу с вами голову стал прославлять Джорджи Фэйм. Потому что я помню, в свое время в 1978 году от нее нельзя было никуда деться, от этой песни, и, естественно, в версии ансамбля "Boney M". Джорджи Фэйм одним из первых в Англии заиграл очень много соул-музыки, соул-стандартов. Уже в 1963-64 годах он много играл, он играл тогда "Do the Dog" Руфуса Томаса, дальше он сделал знаменитую песню Эдди Флойда "Knock on Wood", и, между прочим, обращаю ваше внимание, он одним из первых тоже заиграл, тогда уже, только что вышедшую знаменитую уже фанковую песню Джеймса Брауна "Papa’s Got a Brand New Bag". Кроме того, нам с вами будет интересно, мы недавно говорили о песне "Ride Your Pony", которую написал Ален Тюссен, вот опять же Джорджи Фэйм вместе с "Troggs", "The Who" и "Rolling Stones" исполнял эту песню уже тогда, в 1965-66 годах. Ну, а сейчас давайте, конечно же, нам надо с вами прослушать "Yeh Yeh", песня так называлась, это один из главных хитов Джорджи Фэйма 60-х. (Звучит песня " Yeh Yeh ".) АРУТЮНОВ: Вот очень любопытная песенка "Yeh Yeh". Такая, совсем легонькая, да, боссановочка такая, верно, по ритмическому груву? Но вместе с тем, что-то раз так вдруг – и напомнило "Kinks", что-то раз – напомнило "Yardbirds" по звуку, предположим, по звуку. В общем, вот это все один был котел. Но я думаю, что за такие опыты Джорджи Фэйму досталось косых взглядов таких пуристов блюза того времени. Но я уже говорил, что, имея в своем составе перкуссиониста и двух саксофонистов, вполне мог Джорджи Фэйм заходить на далекие очень территории, и тогда уже он полюбил карибскую музыку, в его опусах того времени можно услышать такой вот, опять же, первородный ска, что ли, или регги даже, но уже потом, в 80-е годы он выпустит целиком регги-пластинку, которая так и называлась – "I Love Jamaica". Что касается вокала. Согласитесь, любопытно? Ну конечно, это такое, чисто микрофонное пение, но не обычное, уж очень стильно все звучит, так, немного в нос, и явно этот певец очень внимательно изучал джазовое наследие, наследие джазовых певцов. Я не знаю, обратили вы внимание или нет, такие вокальные линии достаточно простые, но интонирование, обпевание очень, как мы говорим, фирменное, странно, да, применительно к английскому музыканту это говорить, но поверьте мне, тогда – в начале-середине 60-х высшим шиком для англичан считалось то, что потом у нас появится, именно фирменность, то есть умение воспроизводить американскую манеру, в том числе и вокальную. Карьера Джорджи Фэйма развивалась следующим образом. После выхода первой пластинки, вот этого концерта в "Flamingo", концертная норма ансамбля "Blue Flames" слегка увеличилась. Вот он сам вспоминает, что в те годы они играли 40 концертов в месяц. То есть получается, иногда по два концерта в день, я думаю, что и по три-то было иногда, такие случаи известны. Второй диск, "Fame at Last!" вышел в 1964 году, он уже попал в английские чарты, на 15 месте он был в Англии, наконец, в январе 1965 года вот эта самая песня "Yeh Yeh" заняла в Америке уже подобающее ей место – 21-е, а в Англии – просто-напросто первое место. И была продана, между прочим, количеством более миллиона экземпляров, эта сорокапятка. Вот весной 1965 года было, я считаю, колоссальное достижение, такая звездочка нарисована на фюзеляже группы "Georgie Fame & the Blue Flames". Может быть, не все тогда обратили на это внимание, но сегодня это точно достижение. Весной 1965 года по всей Англии разъезжало сборное шоу звезд фирмы "Tamla Motown", в том числе – "Diana Ross & the Supremes", в том числе – "Martha & the Vandellas", и в том числе, между прочим, Стиви Уандер, и в том числе – Джорджи Фэйм. То есть вы можете себе представить – молодой 22-летний британский музыкант в 1965 году играет в одной обойме с уже тогда классическими музыкантами, в то время вот эти все люди для англичан были просто небожителями, для английских музыкантов. 1966 год пришел, успех продолжался, летом этого года песня "Getaway", с которой мы начали сегодняшнюю программу, заняла опять первое место в английских чартах. На этот раз это была собственная композиция, это первый случай попадания в списки на высокие места авторской песни Джорджи Фэйма. Тем не менее, осенью 1966 года наш неугомонный Джорджи распустил своих "Blue Flames", быстренько собрал новую группу, она называлась незатейливо "Georgie Fame Band", и начал с ней английский тур в компании с уже теперь британскими звездами того времени – с Крисом Фарлоу нам с вами хорошо знакомым, и с Эриком Бердоном из "Animals", который только-только ушел оттуда, и назвал свою новую группу "Eric Burdon & The Animals", так тоже незатейливо. И параллельно с этими движениями, Джорджи Фэйм начал сотрудничать тогда уже с биг-бэндом Харри Саута, то есть это один из лучших биг-бэндов, естественно, джазовых биг-бэндов Англии того времени. Весной 1967 года Джорджи Фэйм, вот тоже обратите внимание, еще одна звезда на его фюзеляже – выступал в самом "Royal Albert Hall" в Лондоне, а его сопровождал оркестр Каунта Бэйси. Вот для джазменов, я думаю, это очень весомая информация. Но начались уже изменения не только в формате составов Джорджи Фэйма, но и в его музыке, и вот в музыке его обозначился крен к еще более такому easy listening, то есть, ну, элементарно говоря, он поплыл в сторону популярной музыки совсем. Январь 1968 года – опять первое место в чартах, но уже с новым для него подходом, в общем, это поп-песня "The Ballad of Bonnie and Clyde". Как видно из названия, эта песня была написана под впечатлением от одноименного фильма, прогремевшего тогда же, и принесла Джорджи Фэйму еще один уровень популярности, безусловно. Но музыка начиналась другая, подчеркиваю. Несмотря на то, что в 1969 году он опять выступал в "Royal Albert Hall", но уже в компании с "Ten Years After" и "Family", он все дальше и дальше уходил от рок-музыки, и вот в таком наборе артистов он уже практически никогда не выступал, он уже потихонечку начал осваивать кабаре-площадки, и начал сотрудничать с другими партнерами, сейчас об этом пару слов скажу. Давайте следующую песню слушать, тем не менее, того периода, золотого периода середины 60-х годов, "Do Re Mi" – это не ноты, это песня так называется. (Звучит песня " Do Re Mi ".) АРУТЮНОВ: Это была песня "Do Re Mi", и заметили – в тексте сам Джорджи Фэйм напоминает о четырех других нотах. С конца 60-х годов в музыке Джорджи Фэйма явственно обозначился крен в поп-поле, крен в такую, что ли, развлекательность, я бы так сказал. Этот крен подкрепил его дуэт с Аланом Прайсом, с начала 70-х годов они сотрудничали, выпустили пластинку с таким предсказуемым названием – "Price of Fame", но это такой уже совсем софт-рок, так очень софт, я вам скажу. Давайте не будем это слушать, хотя, конечно, все было на уровне, безусловно, и, конечно, Алан Прайс – это очень удачный партнер для Джорджи Фэйма. Вообще, Джорджи Фэйм всегда подбирал себе очень правильно партнеров, правильно с точки зрения его энергетического состояния. Всегда это были такие степенные, достойные, классные, но, может быть, не очень угарные, не очень драйвовые музыканты. В 70-е годы Джорджи Фэйм выпускал пластинки, в 1972 году была пластинка "All Me Own Work". Нормальная работа, так же, как и пластинка 1974 года, которая называлась "Georgie Fame", на диске 1972 года, кстати, играл Дик Хэкстелл-Смит – саксофонист "Colosseum". Потом была пауза 4 года, в 1978 году вышла очередная пластинка – "That’s What Friends Are For", ну и далее с известной периодичностью выходили его пластинки, они выходят, собственно говоря, до сих пор. Я бы отметил пластинку 1983 года "My Favourite Songs". На этом диске он перепел, перезаписал в современном тогда уже саунде свои любимые песни, как видно из названия, в том числе и "Getaway", и многие-многие другие. Наконец, в конце 80-х годов началось его сотрудничество с Вэном Моррисоном, тоже очень и очень подходящий партнер по тем параметрам, о которых я только что упоминал, для Джорджи Фэйма. Джорджи Фэйм записал с ним альбом "Avalon Sunset", это был альбом Вэна Моррисона, и тогда он был "худруком" ансамбля Вэна Моррисона. Вот интересная вещь, в 1996 же году Джорджи Фэйм проучаствовал в такой очень этапной работе для развития британского блюза. Вышла пластинка, сборник, тем не менее, из свежезаписанных песен тогда. Для этого сборника свой материал предоставили такие люди, как Клем Клемпсон, Джек Брюс, Пит Браун, Мэгги Белл, Пол Джонс, "Nine Below Zero", и многие другие, вот в том числе и Джорджи Фэйм очень естественно смотрелся в этой пластинке, поскольку, как я сказал, в историю он вошел, как один из отцов основателей британского блюза. Пластинка называлась "Knights of the Blues Table". Ну, и все эти годы, 80-е, 90-е – в общем, всегда Джорджи Фэйм был желанным гостем на ведущих джазовых площадках Англии, ну и, естественно, Джорджи Фэйм всегда был желанен в знаменитом лондонском джазовом клубе "Ronnie Scott’s", и в этом клубе он частенько выступал и до сих пор выступает с ведущими джазовыми оркестрами – с оркестром Каунта Бэйси он это делал, но уже, к сожалению, без самого Каунта Бэйси, и с биг-бэндом Би-Би-Си. Нельзя не отметить, если мы уже заговорили так коротко о относительно современных достижениях Джорджи Фэйма, его участие в группе Билла Уаймана "Rhythm Kings". Наверное, вы знаете, напомню, тем не менее, эта группа, которую создал Билл Уайман, бас-гитарист "Rolling Stones" после ухода из этой команды, составляется по принципу all-stars, эта группа – это такая витрина ветеранов-отцов британского блюза, многие через эту группу прошли, и Джорджи Фэйм, надо сказать, является после Билла Уаймана самым стабильным участником этого коллектива, очень много там поет, этот коллектив выпускает пластинки регулярно, и выпускает DVD, и пользуется устойчивым спросом, и я бы сказал, какой-то особенно трогательной любовью любителей британского рока, британского блюза. Джорджи Фэйм играет там заметную роль, он составляет, так, если смотреть на сцену, от нас с вами – левое крыло ансамбля, он сидит в левом углу сцены, за своим "Hammond"-органом, и иногда даже привстает за "Hammond" и хлопает в ладоши в процессе исполнения, и надо сказать, что это является, наверное, самым зажигательным проявлением этого ансамбля. Ну, учитывая, что в этом ансамбле с другой стороны сцены частенько сидит за роялем Гэри Брукер из "Procol Harum", а в середине сцены стоит Билл Уайман, я надеюсь, вы видели этих артистов, то мы можем понять, что здесь приветствуется такое, так, мягко говоря, спокойное исполнение. Ну там, правда, зажигает один из саксофонистов, ну в общем, короче говоря, вот это все в духе Билла Уаймана. Тем не менее, выглядит все это очень достойно, очень мило, как-то по-домашнему, эти люди уже сегодня, почтенные такие джентльмены – они воспроизводят, наверное, атмосферу своей юности, я бы даже сказал, отрочества, когда они начинают ходить в маленькие пабики, клубики, и когда там в конце 50-х, начале 60-х игралась такая всевозможная музычка, но вокруг рок-н-ролла, и тут вам и скиффл, и рокабилли, и джаз, и блюз, и все, что угодно, а на выходе – "Rhythm Kings", одна из, я думаю, самых почетных групп на сегодняшней британской блюзовой сцене. Давайте послушаем их песню, естественно, в нашей программе эту песню будет петь Джорджи Фэйм, это будет "Tomorrow Night". (Звучит песня " Tomorrow Night ".) АРУТЮНОВ: Я думаю, эта песня, хоть и достаточно современная, тем не менее, в общей канве музыки Джорджи Фэйм вполне уместна. Такой вот расслабон, но вместе с тем, все очень-очень стильно и атмосферно. Давайте послушаем последнюю на сегодня историческую справку, и будем потихонечку закругляться. НОВГОРОДСКИЙ: Помимо успеха в национальных хит-парадах, "The Blue Flames" заработали репутацию одного из самых эффектных, аутентичных и стильных ритм-энд-блюзовых составов на английской сцене, а живая пластинка "Rhythm and Blues at the Flamingo" наряду с "Blues Incorporated" Алексиса Корнера, сегодня служит ярчайшим памятником освоения британскими музыкальными первопроходцами американских ритм-энд-блюзовых земель. В 1966-м Джорджи Фэйм решил начать сольную карьеру, и на следующий год его сингл "The Ballad of Bonnie and Clyde" попал на верхние строчки местных чартов. Конец 60-х и начало 70-х были отмечены сотрудничеством с коллегами по рок-цеху, а к середине 70-х музыкант возродил "The Blue Flames", и в том или ином виде группа существует до сих пор. Если не считать участия в проекте "Rhythm Kings" Билла Уаймана, с середины 70-х и по сей день карьера Джорджи Фэйма протекает в стороне от рок-мэйнстрима. Впрочем, настоящие ценители знают, что артист трудится, не покладая рук, выпускает интересные пластинки, регулярно выступает, а главное – передает свое редкое мастерство молодому поколению. Начиная с позапрошлого года, легендарному клавишнику часто аккомпанируют сыновья – гитарист Тристан и барабанщик Джеймс Пауэлл. АРУТЮНОВ: Давайте заканчивать, ну согласитесь с тем, что я сказал в самом начале программы: вот такого рода музыку мы с вами очень редко слушали, ну вот немножечко восполнили этот пробел, заодно познакомились с Джорджи Фэймом – безусловно, одним из основополагающих музыкантов британского рока, британского блюза. Я бы вам посоветовал в этом лишний раз убедиться, прослушав три пластинки Джорджи Фэйма. Естественно, "Rhythm and Blues at the… Хотел сказать "Marquee", видите, вот сильны стереотипы, потому что в то время основные блюзовые записи были в "Marquee". Не только, и в клубе "Flamingo", итак, пластинка "Rhythm and Blues at the Flamingo", 1964 год; пластинка того же года "Fame at Last!"; и помните, я вам говорил, рекомендую вам диск "My Favourite Songs" 1983 года, здесь на этом диске он перепел, перезаписал свои коронные композиции 60-х годов. До свидания, мы сегодня с вами говорили о Джорджи Фэйме. И в конце программы мой вам совет: "Get on the Right Track, Baby". ( Звучит песня "Get on the Right Track, Baby".) 55:11 no http://finam.fm/archive-view/5483/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 28.01.2012     ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: I Just Want to Celebrate Satisfaction Guaranteed What’d I Say Born to Wander Happy Song Ain’t No Sun Since You’ve Been Gone Is Your Teacher Cool? We’re Gonna Have a Good Time     НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Willie Remembers - 1972 Ma - 1973  Midnight Lady - 1976   АРУТЮНОВ: Рад приветствовать всех слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM"-радио, я – автор и ведущий этой программы Николай Арутюнов. Вот видите, мы с вами уже абсолютно втянулись в режим нового года, нового 2012 года, и уже вполне мы с вами находимся в рабочей форме, верно? Ну, а сегодня мы с вами говорим, естественно, об американской группе "Rare Earth".   ( Звучит песня "I Just Want to Celebrate".)   АРУТЮНОВ: Ну, согласитесь, бодро, оптимистично, ритмично, драйвово, это все – "Rare Earth", американская, естественно, фанк-, отчасти соул-, и отчасти, естественно, рок-группа. Вообще, надо сказать, что выбирая "Rare Earth" в качестве объекта нашей сегодняшней программы, я подумал о том, что, ей богу, не помешало бы и на американских и на европейских радиостанциях сделать программу, которая восстанавливала... ]]> Sat, 28 Jan 2012 12:05:00 +0400 "Rare Earth" В студии: Николай Арутюнов ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: I Just Want to Celebrate Satisfaction Guaranteed What’d I Say Born to Wander Happy Song Ain’t No Sun Since You’ve Been Gone Is Your Teacher Cool? We’re Gonna Have a Good Time НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Willie Remembers - 1972 Ma - 1973 Midnight Lady - 1976 АРУТЮНОВ: Рад приветствовать всех слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM"-радио, я – автор и ведущий этой программы Николай Арутюнов. Вот видите, мы с вами уже абсолютно втянулись в режим нового года, нового 2012 года, и уже вполне мы с вами находимся в рабочей форме, верно? Ну, а сегодня мы с вами говорим, естественно, об американской группе "Rare Earth". ( Звучит песня "I Just Want to Celebrate".) АРУТЮНОВ: Ну, согласитесь, бодро, оптимистично, ритмично, драйвово, это все – "Rare Earth", американская, естественно, фанк-, отчасти соул-, и отчасти, естественно, рок-группа. Вообще, надо сказать, что выбирая "Rare Earth" в качестве объекта нашей сегодняшней программы, я подумал о том, что, ей богу, не помешало бы и на американских и на европейских радиостанциях сделать программу, которая восстанавливала бы историческую справедливость по отношению к этой команде. Я точно знаю, что достаточно людей на Руси знают эту группу и любят, и я даже допускаю, что таких людей не меньше, чем в Америке и в Англии, то есть мне кажется, что как раз вот в Америке и в Англии, в Европе, эта группа недополучала положенной ей популярности и уважения, а у нас, повторю, я думаю, что люди, которые считают себя, как говорится, "in rock", ее любят, ценят, но, конечно же, много людей, которые первый раз, наверное, сегодня услышат эту команду, или знают ее не очень хорошо. Собственно, для этого мы здесь и поставлены, чтобы блюсти рок-н-ролльные интересы, как говорил один популярный персонаж нашей популярной комедии, но только там не рок-н-ролльные интересы были. Ладно, так, "Rare Earth" – я думаю, что это одна из первых белых соул-фанк-групп в Америке, да, соответственно, и в мире. "Rare Earth" году к 1966-му уже точно определились со своим направлением, они решили играть соул-музыку, и, в общем-то, ничего в этом не было бы удивительного, если бы мы не знали, что они белые ребята. Но, с другой стороны, они-то жили в Детройте, а Детройт – это в те годы одна из столиц, а может быть, самая главная столица соул-музыки, и ничего удивительного в том, что и вот "Rare Earth" захотели играть соул-фанк, и ничего удивительного также в том, что в Детройте жил человек, который, наверное, может считаться первым белым соул-исполнителем в Америке, наряду с группой "Righteous Brothers". Я имею в виду Митча Райдера – человека, который, конечно же, впереди у нас с вами, мы обязательно о нем поговорим, ну, в Англии, может быть, еще тогда уже Клифф Беннетт себя провозглашал, как соул-артиста, но, во всяком случае, Митч Райдер непреложно считается пионером белого соула, ну, а где соул, там и фанк вскоре. Митч Райдер выпустил свою первую соул-сорокапятку еще в 1965 году. "Rare Earth", сегодняшние наши герои, еще тогда не имели записей, но, еще раз повторю, уже будучи жителями Детройта и варясь в соул-котле, они уже к тому моменту как соул-исполнители вполне сформировались. Дальше скажу, я думаю, что "Rare Earth" – это, возможно, первый белый фанк в мире вообще. Если иметь в виду, что их пластинка на фирме "Motown", первая пластинка, вышла в 1969 году, а диск того же Эдгара Винтера "White Trash", потрясающий соул-фанк альбом вышел в 1971-м, то здесь как бы первенство налицо, но все же, скорее, если Эдгар Винтер сразу вот этим своим знаменитым альбомом "White Trash" 1971 года сразу как бы дал всем прямо между глаз, и в этой руке, которая била между глаз, было зажато знамя фанка, то "Rare Earth" – все же они были, скорее, рок-группой, у которой был силен элемент соул-музыки, фанк тогда еще был в таком зародышевом виде, и, скорее, их считают первым белым фанком так уже, ну, задним числом, как говорится. "Rare Earth" мало писали своего материала, это отличительная особенность этой команды, но наряду с этим у них был абсолютно четкий свой фанк-стиль, и любые песни, или свои, или чужие, там, или классику, или для них специально написанные песни, они подводили к общему знаменателю, а общий знаменатель был таков: такая весьма насыщенная, практически сплошная вокальная линия, особенно в запевах, которая подпиралась такими весьма разреженными риффами, вот такой, наверное, фанковый стиль им был присущ более чем кому-либо, потому что то, что делали тогда "Sly and the Family Stone", "Meters", Джеймс Браун – это все-таки другой стиль, это фанк, но другой. А здесь такой фанк-рок, я думаю, что вот фанк-рок оттуда начинался, с "Rare Earth". Повторюсь еще раз, все это зиждилось на риффах, и если, вы знаете, мы возьмем риффы в чистом виде, то есть если представить себе группу "Rare Earth" из трех человек, то есть басист, гитарист и барабанщик, поющие, то мы получим не что иное, как такое пауэр-блюз или хард-рок-трио, характерное для конца 60-х – начала 70-х, но у "Rare Earth" в дело вступали саксофоны, один или несколько, клавишные инструменты, и главное – перкуссия, и все это значительно ослабляло тяжесть, которая была природно заложена в риффах, которые играли слитно бас-гитара и гитара. Ну и тут плавно подходим, наверное, к двум самым ярким отличительным особенностям группы "Rare Earth". Ну, во-первых, перкуссионист у них был такой, безумный – Эд Гузман. Ничего удивительного в наличии перкуссионных инструментов в музыке того времени не было, но все же штатный перкуссионист – это редкая штука по тем временам, ну, сразу приходит на ум группа "Traffic" британская, кто-то еще, может быть, но повторюсь, что это все-таки тогда еще было редкостью – штатный перкуссионист, тем более, такой, который определял звучание ансамбля. Ну, и самая главная фишка – в группе "Rare Earth" был поющий барабанщик, вернее, скажем так: певец, который играл на барабанах – Пит Ривера. Ну, конечно, мы знаем многих поющих барабанщиков, но так, чтобы в группе певец играл на барабанах – вот я думаю, это крайне редкий случай. Ну вот сразу Бадди Майлз разве что приходит на ум. Мы подошли ко второй песне. "Satisfaction Guaranteed" с альбома 1970 года "Ecology". ( Звучит песня "Satisfaction Guaranteed".) АРУТЮНОВ : Это была песня группы "Rare Earth" "Satisfaction Guaranteed". Ну, вот вы видите, здесь есть о чем поговорить, так, в двух словах. Во-первых, эта песня подкрепляет все мои мысли, которые только что я высказывал по поводу их стиля, ну, и сразу же отсылает куда-то еще подальше нас с вами. Хочу сказать, что все-таки, видите, путаюсь, певец – все-таки так я его буду называть – певец, который играл на барабанах, Пит Ривера, еще пока не распелся, но ничего, через пару лет он распоется так, что мало не покажется, в полном объеме раскроет свой такой вот глубокий, мощнейший баритон. Вот я сказал, что это, скорее, была рок-группа, которая играла фанк, ну, согласитесь, верно, да – здесь и элементы West Coast, и все, что касается там вот этих гитарных звуков таких, "космических", и мне лично даже припев напомнил английскую группу "Keef Hartley Band", о которой мы с вами говорили. В общем, ясно, что "Rare Earth" были связаны со всеми мировыми рок-н-ролльными процессами 1970 года в то время. Ну, и вместе с тем, это однозначно стиль "Rare Earth", фанковый стиль этой команды. Первая историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Прославившаяся в самом начале 70-х группа "Rare Earth" – одна из команд, сыгравших важнейшую роль в интеграции белой и черной музыкальных традиций на американской сцене. Что интересно, вклад этого коллектива в преодоление расовых барьеров связан не только с музыкальной, но и со звукоиздающей деятельностью. Пусть эта детройтская команда и не была первой белой группой, выпускавшейся на изначально "чернокожей" фирме "Motown", "Rare Earth" стали первыми по-настоящему успешными неафроамериканцами на этом лейбле. История группы берет свое начало в промышленном Детройте еще в 1961 году. Тогда двое ее основателей – саксофонист Гил Бриджес и поющий барабанщик Питер Хурелбеке, предпочитавший более звучный псевдоним Пит Ривера, собрали коллектив "The Sunliners". Команда была весьма активна на местной клубной сцене, и в течение следующих пяти лет в состав подтянулись все участники будущих "Rare Earth". Сперва компанию Ривере и Бриджесу составил басист Джон Пэрриш, а позже к группе примкнули гитарист Род Ричардс и клавишник Кенни Джеймс. Первые попытки "Sunliners" перенести свою музыку на винил были неудачными, однако в 1968-м группа, сменив название на "Rare Earth", получила первый серьезный контракт, и выпустила на лейбле "Verve" свой дебютный альбом под названием "Dreams/Answers". Пластинка провалилась, однако тогда же на группу положили глаз скауты цитадели соул-музыки – лейбла "Motown". Эта звукоиздающая империя в то время переживала небывалый взлет, и вслед за музыкальной модой, начинала претендовать не только на афроамериканский, но и на белый рынок. Для белокожих артистов планировалось открыть специальное подразделение, и "Rare Earth" стали первыми его клиентами. Когда боссы "Motown" признались Ривере и компании, что еще не придумали название для подписавшего их филиала, музыканты в шутку предложили назвать новое подразделение "Rare Earth" – по имени единственного на тот момент клиента. Начальство отнеслось к этой шутке на удивление серьезно, и так на свет появился лейбл "Rare Earth". АРУТЮНОВ: Вот видите, как – группа раскручивала лейбл своим названием, а лейбл своим же названием раскручивал группу, поскольку название у них было одно и то же – "Rare Earth". Между прочим, мудрый такой маркетинговый ход, я думаю. Хочу поправить Юрия Новгородского: он Пита Риверу назвал поющим барабанщиком, мы-то с вами знаем, что Пит Ривера – это певец, который играет на барабанах, а если быть точным, то это барабанящий певец, вот я предлагаю этот термин ввести отныне. Ну ладно, шутки в сторону, третья песня сегодняшней программы – "What’d I Say". Естественно, вы правильно угадали, это их версия знаменитой песни Рэя Чарльза, это то, что они очень любили делать, а именно – играть соул-классику. Эта песня была на пластинке "One World" 1971 года. (Звучит песня " What ’ d I Say " .) АРУТЮНОВ: Это была песня "What’d I Say", согласитесь, очень далеко от оригинала, но не менее круто, ну, очень ритмично, очень грувисто и драйвово, верно? И уже вот вокал, вот это настоящий вокал Пита Риверы, вот постоянно что-то в голове крутится, вот мне лично он напоминает вокал Майка Пинеры, помните, тоже был такой, собственно, почему "был" – он до сих пор поет, он до сих пор поет – человек, который пел в "Iron Butterfly", и во многих-многих других почетных американских группах. Ну и, в общем, все остальное, я думаю, оставлю вам, у вас наверняка своя ассоциация с "Rare Earth" есть. Давайте сейчас поговорим о городе Детройте, вот я бы очень хотел донести до вас такую информацию, это очень важно любителям рока, классического рока. Да, конечно, Нью-Йорк, Лос-Анджелес, Сан-Франциско, 60-е годы, Flower Power, вся эта история – это все понятно. Но я вас уверяю, что в начале 60-х годов, в середине, реальной столицей американской популярной музыки был Детройт, и там обосновалась фирма "Motown" – сокращенное "motor town", потому что Детройт, как мы с вами знаем, город моторов и автомобилей, ну, как у нас Тольятти, предположим. Так вот, вот эта фирма "Motown" образовалась еще в конце 50-х годов, в 1958 году вышел первый сингл на этой фирме, это были не кто иные, как "Smokey Robinson & the Miracles". Ну, Смоки Робинсон – это великий соул-исполнитель, и в начале 60-х фирма "Tamla Motown" – это был реальный такой музыкальный синдикат, огромный, и очень эффективно действующий. Молодые негритянские капиталисты от музыки очень быстро почувствовали коммерческий потенциал, и в первую очередь, конечно, Берри Горди – знаменитый человек, основатель фирмы "Motown", и очень быстро он поднял свое детище на неимоверную капиталистическую высоту, в начале 60-х "Motown" уже вовсю занимались поиском, записями, раскруткой и просто-напросто предоставлением всех возможных ресурсов медийных своим подопечным, и, собственно, они давали колоссальную отдачу, и финансовую – в том числе. Именно фирма "Motown" ввела в широкий обиход такой принцип творческого общения с артистами, как создание таких небольших коллективов, таких бригад, знаете, вот ударных бригад, которые занимались продюсингом, а иногда и сочинительством, все это иногда в одном флаконе было, и раскруткой тоже. Ну, вспомните знаменитое трио – братья Холланды и Дозье – люди писали и продюсировали практически для всех и практически всех клиентов фирмы "Motown", и многих других. И "Rare Earth" в этом смысле не исключение, потому что эту группу поднимал такой выдающийся композитор и продюсер, как Норман Уитфилд – человек, который поднял до "Rare Earth" "Temptations" – на минуточку. Ну, давайте вот я сейчас, чтобы вы понимали все величие фирмы "Motown", перечислю вам вкратце ее ведущих клиентов. Марвин Гэй – на всякий случай; "Gladys Knight & the Pips"; "Four Tops"; "Diana Ross & the Supremes"; те же "Temptations"; между прочим, "Isley Brothers" ненадолго погостили на фирме "Tamla Motown"; ну, все, что мы с вами хорошо знаем – это, конечно, ансамбль "Jackson 5" во главе, тогда еще не во главе со своим знаменитым выходцем Майклом Джексоном; и Стиви Уандер – эти люди тоже были гордостью фирмы "Motown". Естественно, было такое понятие – "Motown sound", и вполне яркое, вполне ощутимое, вполне легко описываемое. То есть все соул-артисты, которые записывались на "Motown" отличались, ну, извините за грубое слово, сладостью подачи своего материала, то есть все перечисленные люди, за исключением, может быть, "Isley Brothers", хотя и они тогда тоже отличались очень приятственным звуком, и как следствие – большим коммерческим успехом. И в этом они, конечно, безусловно, совсем не были похожи на южан, на южных исполнителей соул-музыки. Тогда, в начале 70-х уже, и даже в конце 50-х уже вовсю гремели Джеймс Браун, Отис Реддинг, Уилсон Пикетт, многие другие – сами понимаете, да, сразу вспоминаете их музыку – она, конечно, другая, тот соул, который нам с вами подходит, по крайней мере, в нашем с вами формате. "Rare Earth" тоже, конечно, представители "Motown"-саунда в том, что касается аранжировок, не забывайте, что Норман Уитфилд их пестовал, и некоторые песни он просто целиком для них писал и продюсировал, и делал из их продукта едва ли ни нечто такое симфоническое, то есть все это звучало так развернуто, с серьезным развитием, вот почему очень часто в их репертуаре длинные песни, потому что Норману Уитфилду нужно было поле, чтобы разогнаться, чтобы было, где разгуляться. Ну, в общем, он так все для "Rare Earth" делал так же, как и для своих остальных клиентов, так, ну, я бы сказал, культурненько. Но ничего в этом плохого нет, потому что "Rare Earth" свою первородную дикость сохраняли, и он молодец, тактично давал им это делать. Следующая песня нашей программы из их знаменитого концертного двойного альбома, который назывался "In Concert", 1971 год. В какой-то степени это был такой вот этапный для них альбом, почему этапный, сейчас скажу. Давайте слушать песню "Born to Wander". (Звучит песня " Born to Wander ". ) *** АРУТЮНОВ: Это была концертная версия их достаточно хитовой в свое время песни "Born to Wander". Надо сказать, что группа "Rare Earth" претерпела за свою историю очень много кадровых подвижек, и ядром группы являются фактически два человека, которые были с самого начала, это Гил Бриджес – саксофонист и флейтист, кстати, в предыдущей песне вы слышали его флейту, и барабанящий певец, как мы с вами договорились его называть, Пит Ривера. И из этих двоих только первый, Гил Бриджес, был на всех пластинках "Rare Earth", даже Пит Ривера брал небольшие каникулы в 1975 и 1976 году. Но также, я думаю, могут считаться основными такими, фундаментирующими музыкантами группы "Rare Earth" Эд Гузман – уже упомянутый перкуссионист, он в группе с 1969 года, и Рэй Монетт – гитарист, который играет в команде с 1971 года. Я уже сказал, что "Rare Earth" достаточно мало писали для группы такого калибра своего материала. Вот откуда, кстати, и длинные песни в их репертуаре, это не один раз с ними случалось, песня "Get Ready", одноименная их первому альбому на фирме "Motown", занимала всю сторону на пластинке, и на пластинке 1973 года "Ma", знаменитой пластинке, всего было пять песен, из них одна – вот эта одноименная песня "Ma", длилась 17 минут. Вот это очень характерно для "Rare Earth", ну, и опять же, это все было продиктовано и аранжировочными склонностями их шефа – Нормана Уитфилда, я уже только что об этом говорил. Соответственно, если они мало писали своего, то у них было много чужого, ну и вот этот чужой материал делился, так условно, на, наверное, три раздела. Первый раздел – это песни, специально написанные для группы "Rare Earth", так сказать, специально нанятыми для этого людьми, очень много для них писали дуэт композиторский Зессес-Фекарис, в частности, вот они написали "I Just Want to Celebrate" – первую песню нашей программы, и Деннис Даффи – известный такой сессионный музыкант и композитор "Tamla Motown" тоже для них писал, ну и, само собой разумеется, Норман Уитфилд – их, так сказать, штатный шеф. Второй раздел чужого материала – это соул-классика, очень много они переиграли классических соул-песен: "(I Know) I’m Losing You" из репертуара тех же "Temptations"; кстати, "Get Ready" – тоже из репертуара "Temptations"; дальше они играли, предположим, "Tobacco Road" – это, скорее, блюзовая классика; ну, предположим, они играли "I Heard It Through The Grapevine" – это знаменитая песня Марвина Гэя, кто только ее тогда не играл от "Creedence" до Тины Тернер; "When a Man Loves a Woman" – ну, бессмертная соул-баллада, которую внедрил в широкий обиход Перси Следж, тоже кто ее только не пел, мы с вами ее знаем хорошо в варианте Майкла Болтона; ну и, естественно, давайте упомянем недавно прослушанную "What’d I Say" из репертуара Рэя Чарльза. И, наконец, третий раздел чужих произведений – это рок-песни, их было меньше, но все-таки надо сказать, что они сыграли "Feelin’ Alrihgt" на первом альбоме прямо тогда, когда эта песня прогремела, это песня Дэйва Мэйсона из группы "Traffic". И также, что удивительно, они сыграли песню "Train to Nowhere" британской блюзовой команды "Savoy Brown". Однако, еще раз повторю, все эти песни, все эти чужие песни они подгоняли под свой "Rare Earth"-овский стандарт, под свой стиль. Вот сейчас будет пример такого вот подхода. Песня Денниса Даффи "Happy Song" с альбома 1975 года "Back to Earth". Здесь уже поет другой человек – наш с вами старый друг Джерри Лакруа. (Звучит песня " Happy Song ".) АРУТЮНОВ: Это была песня "Happy Song", ну, согласитесь, вот идеальная соул-песня, стопроцентная. Ну и плюс ко всему это поет такой, я не знаю, вокальный инопланетянин – Джерри Лакруа, и это все становится на места. Ну, значит, надо сказать, что Джерри Лакруа отметился в группе "Rare Earth", он был там в 1975-76 годах, и в общем, надо сказать, что, конечно, с одной стороны с точки зрения вокала это было неимоверное приобретение для "Rare Earth", но, несмотря на все величие Джерри Лакруа, наверное, была в какой-то степени утеряна идентичность команды, потому что когда в группе есть играющий на барабанах певец, то это добавляет какого-то инстинктивного взаимодействия между барабанным грувом и вокалом, ну, я надеюсь, вы понимаете, о чем я говорю, здесь такая тонкая штука, но опять же, с Джерри Лакруа было все в порядке, мало того, с ним они записали очень хороший альбом 1976 года – "Midnight Lady". Вторая историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: В 1969-м "Rare Earth" отправились в студию записывать свой первый альбом для "Motown", и очень скоро столкнулись с проблемой острой нехватки материала. Песен едва хватало на полторы стороны долгоиграющей пластинки, а лейбл, как назло, торопил музыкантов с релизом. Группа выкрутилась вполне в духе времени: весь B-side альбома "Get Ready" занимала 21-минутная версия одноименной песни из репертуара группы "Temptations". Поначалу пластинка не вызывала у американской публики никакого энтузиазма, и тогда руководство лейбла приняло решение сократить "Get Ready" до трех минут, и выпустить синглом. Как показало время, эта хитрость спасла не только вложенные в группу деньги, но и карьеру "Rare Earth". Сингл за считанные дни выстрелил в самый Top-10, подтянув за собой и продажи лонгплея. В итоге к моменту выхода своей второй пластинки на "Motown", альбома "Ecology", "Rare Earth" были сенсацией национального масштаба. С точки зрения рок-эволюции, Ривера и компания вряд ли могут считаться пионерами, ведь первые опыты по скрещиванию соула и фанка с риффовым гитарным роком еще раньше делали такие артисты, как Джими Хендрикс, "Sly & the Family Stone" или "Parliament", однако на этом не паханном тогда еще поле фанк-рока "Rare Earth", безусловно, принадлежит своя неповторимая борозда. Моторный барабанный грув и горячий мощный вокал Питера Риверы с пол-оборота заводили любую аудиторию, а простой, но очень живой саксофон Гила Бриджеса и сдобренные фузом гитары придавали звучанию группы праздничную, джемовую многомерность. На записи все это слегка дополнялось элементами психоделии в виде дилэя на вокалах и экспериментов с планами, а итогом был один из первых и лучших в истории рока образцов утяжеленного белого фанка. АРУТЮНОВ: Ну, Юрий Новгородский, когда употребил слово "планы", он имел в виду умение расположить инструменты с той или иной степенью приближенности в общей панораме звуковой. Ну, давайте сейчас послушаем еще одну песню с вокалом Джерри Лакруа, это будет песня с того самого альбома "Midnight Lady", 1976 год, "Ain’t No Sun Since You’ve Been Gone". Вот она-то написана как раз Норманом Уитфилдом. (Звучит песня " Ain ’ t No Sun Since You ’ ve Been Gone ".) АРУТЮНОВ : Это была "Ain’t No Sun Since You’ve Been Gone". Ну, в 1977 году Питер Ривера вернулся в группу "Rare Earth", до этого, надо сказать, он уходил из группы, в 1972 году, после выпуска концертного двойника, и на его месте появился тоже поющий барабанщик Пит Хурелбеке. Это была шутка, в том-то все и дело, что никто никуда не уходил, это один и тот же человек. Как вы помните, в справке первой было сказано, Пит Хурелбеке, такая, наверное, голландско-норвежская фамилия – это его имя настоящее, а потом он взял псевдоним Питер Ривера, и вот почему-то он после 1971 года решил называть себя в концертах своим настоящим именем, отказался от такого, мне кажется, эффектного псевдонима, но мне кажется, он сам это понял со временем, и вернувшись в 1977 году в "Rare Earth", он вернулся под своим всенародно известным псевдонимом Питер Ривера. Честно вам признаюсь, я долгое время об этом ничего не знал, и я помню очень хорошо, когда я услышал уже пластинки, на которых был обозначен поющим барабанщиком Пит Хурелбеке, я очень сильно удивился и восхитился вот этому таланту группы – найти взамен ушедшему поющему, да еще и барабанщику, тоже поющего барабанщика, да еще и поющего практически так же, как предшественник. И только потом, со временем я узнал, что это один и тот же человек, который просто поменял фамилию на время. Ну, вы знаете, Питер Ривера – он, в общем-то, вернулся в группу, но уже золотые деньки потихонечку уходили. В 1977 году вышла все еще сильная пластинка, которая называлась "Rare Earth", следующая песня будет с этой пластинки. А вот в 1978 году было сразу две пластинки, и сразу две, я бы сказал, неважных пластинки – "Band Together" и "Grand Slam". В общем, начинался такой ощутимый закат "Rare Earth", эти пластинки уже плохо продавались, и в 1981 году состоялось последнее американское турне группы "Rare Earth". После этого там они разбегались, сходились, ну, собственно, здесь уже все то же, что и у всех практически, о ком мы с вами говорим. Группа номинально существует до сих пор, но, скорее, это уже бренд, чем стиль, вот так скажем. Ну вот теперь давайте послушаем песню с альбома "Rare Earth" 1977 года – "Is Your Teacher Cool?" ( Звучит песня "Is Your Teacher Cool?".) АРУТЮНОВ: Это была песня "Is Your Teacher Cool?" Ну, пусть вас не смущает такой, в общем-то, однозначный блюз-роковый грув, ритм блюз-роковый, да, я вам хочу сказать, что на любой пластинке "Rare Earth" находилось место для настоящего такого рокешника, это они тоже играли и любили. И вместе с тем здесь тоже вот много характерного для этой команды, такие, я бы сказал, композиторские излишества, да, здесь присутствуют, то есть много очень навороченных всяких гармоний, в том числе – совсем сладких соул-гармоний, и вместе с тем, все это саранжировано как соул-фанк-песня, видите, вот эти побулькивания, и гитара с эффектом "вау-вау", и Hohner-клавинет, в общем, такая характерная картина для соул-группы, ну, и самое главное – очень яркий хук, это им периодически удавалось, тут ничего не скажешь. То есть, конечно, эклектика, безусловно – это тоже верный спутник музыки "Rare Earth". Хорошо, заканчиваем, третья и последняя историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: Начало 70-х стало для группы "Rare Earth" золотой эрой. После выхода суперуспешного сингла "I Just Want to Celebrate", команда пробилась на передовую американской рок-сцены, и играла на одних площадках с "Black Sabbath", "E.L.P." и "Eagles". Несмотря на начавшиеся еще в конце 60-х кадровые проблемы, группа продолжала набирать форму, и апогеем звучания "Rare Earth" многие считают пластинку 1973 года "Ma", записанную под руководством легендарного композитора и архитектора звука "Motown" Нормана Уитфилда. Впрочем, уже в следующем году коллектив ждал раскол. В результате творческих и административных разногласий Пит Ривера покинул команду, и продолжил карьеру в составе группы "HUB". Вопреки ожиданиям, уход харизматичного певца и барабанщика не остановил остальных участников "Rare Earth". Позвав на подмогу целую обойму новых музыкантов, среди которых был великий певец и саксофонист Джерри Лакруа, группа записала пару приличных лонгплеев, и сохранила бодрый гастрольный темп. Тем не менее, к концу 70-х звезда "Rare Earth" стала понемногу закатываться. Эра настоящего фанка подходила к концу, и спрос на группу падал. В отчаянном стремлении удержать позиции, музыканты решили забыть о разногласиях, и Питер Ривера вернулся в группу. К сожалению, ожидаемого результата реюнион не принес, а полпытки поймать волну диско или коммерческого соула окончились провалом. На этом фоне вновь обострились разногласия между отцами-основателями "Rare Earth" – Гилом Бриджесом и Питером Риверой, и в 1983 году последний покинул команду. Легендарный барабанщик и по сей день продолжает сольную карьеру, выступает в составе ностальгической супергруппы "Classic Rock All-Stars", и недавно записал интересную акустическую пластинку. Что касается собственно "Rare Earth", то под руководством Гила Бриджеса группа продержалась на плаву все 80-е, 90-е, и существует до сих пор. АРУТЮНОВ: Ну вот, заканчиваем. Вы знаете, общепризнанно лучшим диском в дискографии "Rare Earth" считается диск "Ma" 1973 года, ну, я не буду с этим спорить, давайте я от себя еще пару дисков вам посоветую. "Willie Remembers" 1972 года, там еще для тех, кто собирает винил, конечно, потрясающая обложка, такая складная, красивая, в общем, любопытная, ну, кстати, и на CD его можно взять, музыка та же. И альбом уже с Джерри Лакруа – "Midnight Lady" 1976 года. Ну, давайте я сейчас с вами буду прощаться, и давайте сделаем в конце нашей программы то, что, в общем-то, всегда все нормальные люди во всем мире делали под музыку "Rare Earth" – "We’re Gonna Have a Good Time". Пока! (Звучит песня " We ’ re Gonna Have a Good Time ".) 54:34 no http://finam.fm/archive-view/5449/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 21.01.2012     ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Wild World Into White Moonshadow Sitting The Hurt Oh Very Young Bad Brakes Bitter Blue   НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Tea for the Tillerman - 1970 Teaser and the Firecat - 1971 Buddha and the Chocolate Box - 1974     АРУТЮНОВ: Я рад приветствовать всех слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM"-радио, я – автор и ведущий этой программы Николай Арутюнов. Мы уже с вами набираем потихонечку обороты в новом 2012 году, и, мне кажется, сегодняшняя тема позволит нам с вами эти самые обороты набрать еще более уверенно. Сегодня давайте поговорим о британском, да что там – о великом британском музыканте по имени Кэт Стивенс.   (Звучит песня " Wild World ".)   АРУТЮНОВ: Да, конечно, вы узнали, совершенно верно, это песня "Wild World", ну, эту песню, наверное, знают все, но у меня есть некоторое подозрение, что у нас, да, наверное, эту песню знают все, но не в той версии, в которой мы сейчас послушали, то есть не в оригинале, а в, надо сказать, великолепном исполнении американской группы "Mr. Big", ну, конечно, вы помните, в 90-е годы очень часто эта песня звучала на радио, и... ]]> Sat, 21 Jan 2012 12:05:00 +0400 Cat Stevens В студии: Николай Арутюнов ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Wild World Into White Moonshadow Sitting The Hurt Oh Very Young Bad Brakes Bitter Blue НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: Tea for the Tillerman - 1970 Teaser and the Firecat - 1971 Buddha and the Chocolate Box - 1974 АРУТЮНОВ: Я рад приветствовать всех слушателей программы "Историческая справедливость" на "Финам FM"-радио, я – автор и ведущий этой программы Николай Арутюнов. Мы уже с вами набираем потихонечку обороты в новом 2012 году, и, мне кажется, сегодняшняя тема позволит нам с вами эти самые обороты набрать еще более уверенно. Сегодня давайте поговорим о британском, да что там – о великом британском музыканте по имени Кэт Стивенс. (Звучит песня " Wild World ".) АРУТЮНОВ: Да, конечно, вы узнали, совершенно верно, это песня "Wild World", ну, эту песню, наверное, знают все, но у меня есть некоторое подозрение, что у нас, да, наверное, эту песню знают все, но не в той версии, в которой мы сейчас послушали, то есть не в оригинале, а в, надо сказать, великолепном исполнении американской группы "Mr. Big", ну, конечно, вы помните, в 90-е годы очень часто эта песня звучала на радио, и очень часто мы все с вами могли видеть клип, тоже очень интересный клип на эту песню группы "Mr. Big". Так вот, эту песню написал Кэт Стивенс, и об этом музыканте мы сегодня с вами будем говорить, и, опять же, есть у меня тайные такие опасения, что знакомство с Кэтом Стивенсом у некоторой части нашей аудитории ограничивается этой песней. Ну давайте мы этот пробел ликвидируем, уж точно Кэт Стивенс нуждается в нашей с вами программе в восстановлении исторической справедливости, опять же, скорее, не он, а мы с вами, нам это нужно, конечно, надо знать его музыку всем. Так что сегодня говорим о Кэте Стивенсе, а также давайте мы будем сегодня говорить о людях, которые имели прямое отношение к Кэту Стивенсу, о таких людях, как Юсуф Ислам, Стивен Деметр Георгиу, и даже немного о Стиве Адамсе. Да, эти люди все имели прямое отношение к Кэту Стивенсу, я даже могу больше сказать – это и есть Кэт Стивенс, то есть вот под этими четырьмя именами физически стоит один и тот же человек, но надо сказать, что да, одна и та же физическая оболочка связывает все эти четыре имени, но между ними существует кардинальная разница, и нельзя говорить о том, что это один и тот же человек, повторюсь – это физически один и тот же человек на разных этапах своей жизни, карьеры, и вот говоря об этих этапах, надо сказать, что, пожалуй, нет другого такого музыканта в рок-мире, который бы прошел через такие пертурбации в своей и карьере, и главное – жизни, такие ментальные повороты, изменения, но давайте об этом впереди немного, поскольку все же мы будем сегодня из этих четверых больше концентрироваться на человеке, которого звали Кэт Стивенс все-таки. Итак, этот человек здравствует и поныне, и уже перешагнул, естественно, шестидесятилетие, и давно, но то, что нас с вами интересует, а именно его ярко-выраженная музыкальная карьера, длилось всего десять лет. Представляете, и за это время этот человек успел натворить столько такого, и в основном хорошего, что, конечно, наша программа не в силах все это покрыть, и я не скрою, я испытывал очень серьезное затруднение при подборе материала, потому что материала высшей пробы, песен высшей пробы написано Кэтом Стивенсом, по меньшей мере, в пять раз больше наших форматных восьми, то есть, к сожалению, любители Кэта Стивенса поймут всю сложность моей ситуации, к сожалению, я был вынужден отказаться от "First Cut Is the Deepest", от "Here Comes My Baby", от "Music", и даже от "Morning Has Broken". Ну, неважно, я думаю, что сегодняшние песни тоже всех устроят. И, опять же, повторюсь, буду концентрироваться в основном на музыке, да, слава богу, в общем, Кэт Стивенс таких других, что ли, информационных поводов давал крайне мало, крайне мало, как мы сейчас говорим, "желтизны" во всей его карьере, он такой, достаточно был замкнутый человек в себе, самодостаточный, особо не тусовался, да и особо, в общем-то, с музыкантами не контактировал так, как было принято тогда в конце 60-х, в 70-е годы, он в основном играл со своей группой, надо сказать, очень достойной, и только, предположим, вот появление Питера Гэбриэла на флейте на пластинке "Mona Bone Jakon" или Рика Уэйкмана в песне "Morning Has Broken", являются исключениями из образа жизни Кэта Стивенса. Так что, наверное, самый скандальный факт из биографии Кэта Стивенса – это его заболевание туберкулезом, ну, этот факт, кстати, очень серьезно повлиял на его карьеру, до этого мы, конечно, вскоре дойдем. Давайте слушать уже вторую песню, это песня с альбома "Tea for the Tillerman" 1970 года, она называется "Into White". (Звучит песня " Into White " .) АРУТЮНОВ: Это была песня "Into White", ну, согласитесь, конечно, волшебно просто, атмосферно, трогательно. Первая историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Стивен Деметр Георгиу, больше известный всему миру, как Кэт Стивенс, родился 25 июля 1948 года в Лондоне, в семье иммигрантов – грека и шведки. Начав еще в детстве проявлять интерес к музыке, Стивен фактически самостоятельно освоил фортепиано, а с 15 лет под влиянием захлестнувшей страну битломании взялся и за гитару. В своей тяге к искусству молодой человек не ограничивался музыкой, и с малых лет делал незаурядные успехи в графике, что в итоге привело его в Хэммерсмитский художественный колледж, где Стивен собирался выучиться на иллюстратора. Обострившаяся тогда же страсть к музицированию несколько скорректировала его планы, и с середины 60-х, прикрываясь псевдонимом "Стив Адамс" и вдохновляясь примером Боба Дилана, молодой художник начинает пробовать свои силы на сцене и в студии в качестве фолк-исполнителя. После неудачных попыток собрать живой состав, Стивен решил сосредоточить все усилия на поиске лейбла, и уже в 18 лет выпустил первую сорокапятку. Тогда же артист взял свой знаменитый псевдоним, превратив имя в фамилию, и назвавшись любимым животным всех англичан. АРУТЮНОВ: Ну, вот так вот, Кэт Стивенс – выходец из вполне благополучной семьи, папа его был ресторатором, и, в общем, конечно, семья могла себе позволить обеспечить сына хорошим образованием. Первое изменение имени в череде последующих, произошло, как сказано в справке, еще во время его учебы в университете – Стив Адамс, но это было кратковременно, тогда он играл фолк-музыку, ну, может быть, не так осознанно, как позднее. Вообще-то я считаю, что Кэт Стивенс – это все же, наверное, фолк-рок-исполнитель, хотя его достаточно долго считали поп-исполнителем, потом он эту ошибку исправил своей музыкой, и заиграл самый настоящий фолк-рок, но очень и очень авторский, я даже думаю, что это было на стыке фолк-рока и арт-рока. Ну ладно, до этого дойдем. Один из его друзей был впечатлен и его голосом, и умением писать яркие запоминающиеся мелодии, кстати, а мы с вами разве не впечатлены его голосом? Ну согласитесь, это выдающийся вокалист, при том, что человек не обладал какой-то бешеной подачей и ярчайшим тембром, все это было как бы в меру, но уж очень трогает душу, согласитесь, да? Ну вот, значит, этот приятель организовал запись, субсидировал запись одной из песен Кэта Стивенса, это песней была "I Love My Dog", и, записав ее качественно в студии, приятель отнес эту запись к знакомому из фирмы "Decca". Там все это понравилось, и они решили заниматься новым исполнителем. Так началась карьера уже Кэта Стивенса. Но мы с вами уже по этой карьере начинаем достаточно резво продвигаться, давайте послушаем песню из альбома 1971 года, который назывался "Teaser and the Firecat", песня называется, знаменитая песня "Moonshadow", давайте я слово "знаменитая" употреблять не буду, потому что все песни знаменитые. (Звучит песня " Moonshadow " .) АРУТЮНОВ: Это была песня "Moonshadow". Ну так вот, Кэту Стивенсу очень здорово повезло в том смысле, что именно в то время, в 1966 году, фирма "Decca" расширяла сферу своего влияния и искала новые британские таланты. Мало того, фирма "Decca" для этих талантов специально создала новое свое подразделение, свой филиал – "Deram", ну, мы несколько раз эту фирму упоминали, помните, вот "Moody Blues" тоже обязаны "Deram" началом своей карьеры, и многие-многие другие. Так вот, с Кэтом Стивенсом произошло следующее: его сорокапятка, та самая песня "I Love My Dog" – это первый винил фирмы "Deram", и с этой фирмой "Deram" Кэт Стивенс был связан все 60-е годы, он выпустил на ней две или три долгоиграющих пластинки, третья, скорее – это такая компиляция, а две совершенно официальных номерных пластинки вышли на "Deram" в 1967-68 годах, и огромное множество синглов, как правило, весьма успешных. Второй из этих синглов – "Matthew and Son", вышел в самом начале 1967-года, это была вторая сорокапятка Кэта Стивенса, и дальше вот все "покатило". "Matthew and Son" заняла второе место в британских чартах. Вскоре прогремела еще одна песня Кэта Стивенса – "Here Comes My Baby", но на этот раз в исполнении других людей. Это как раз был такой первый случай международного кавер-успеха песен Кэта Стивенса, эту песню сделали "Tremeloes", тоже как нельзя кстати подоспела эта песня для них, они тогда расстались, я напоминаю вам, мы в свое время об этой группе говорили, они расстались тогда с Брайаном Пулом, своим ведущим вокалистом, и им остро был необходим тогда такой хит-сингл, явный, яркий, и вот повезло, все срослось, "Here Comes My Baby" в исполнении "The Tremeloes" заняла четвертое место в Англии. Затем последовало еще одно кавер-исполнение – молодая певица Пи Пи Арнольд, напоминаю, она выходец из коллектива Айка и Тины Тернер, тогда переехала в Англию, ее начали там раскручивать, и она записала впоследствии легендарную песню Кэта Стивенса – "First Cut Is the Deepest", ну, естественно, наверное, многие из вас знают, что эта же песня в 1976 году была исполнена Родом Стюартом, и заняла, на всякий случай сообщаю, в этом исполнении первое место в британских чартах, и до сих пор украшает сет-лист Рода Стюарта. Ну вот и благодаря вот этим самым подвигам, Кэт Стивенс уже в 1967 году имел репутацию выдающегося композитора, ни много, ни мало. Да, собственно говоря, и в его исполнении песни всегда хорошо стояли в чартах. В 1967 же году вышла его первая долгоиграющая пластинка, она называлась "Matthew and Son", и в 1968 году следующая пластинка – "The New Masters". Оба этих диска звучали весьма характерно для того времени, для поп-музыки того времени, да, тогда Кэт Стивенс стал поп-исполнителем, ну вот за него взялись гиганты звукоиздающей индустрии, и сделали из него поп-исполнителя, и снабдили Кэта Стивенса соответствующим продюсингом, арранжементом и все такое, то есть на его записях тогда, ну, они звучали, в общем, наверное, некоторые из вас или многие из вас слышали поп-музыку того времени, между прочим, и Лонг Джон Болдри выпускал тогда такого рода музыку, и Крис Фарлоу даже, и Дэвид Боуи даже. Вообще, у многих музыкантов того времени проскальзывали вот такие продюсерские "прихваты". Что я имею в виду? Значит, все так с пафосом, развернуто, с эхом, на переднем плане, значит, певец, его подпирает оркестр многочисленный, скрипки там, дудки, клавесин тогда очень люди любили, прямо вот очень часто клавесин звучал в такого рода записях, барабаны и бас-гитара где-то там "в котельной", как мы говорим, в общем, такая, особенно сегодня, достаточно замшелая звуковая картина, и уже в 1968 году все это так попахивало анахронизмом, но, тем не менее. Самое смешное другое, я вам сейчас поведаю. Значит, Кэт Стивенс начал активную концертную деятельность, ну, слава богу, в концертах он обходился без всего этого звукового дизайна своих записей, а играл в основном один под акустику. Вот пару раз у него были гастроли в таких компаниях. Первый раз набор артистов такой: Кэт Стивенс, Энгельберт Хампердинк, "Walker Brothers" и Джими Хендрикс. Или второй набор, в Париже вот он с этим набором играл: Кэт Стивенс, "Spencer Davis Group" и "Soft Machine". То есть я вас уверяю, только вот тогда, в 1967-68 годах возможен был такой дикий совершенно набор, эклектичный, это мягко сказано, набор артистов. Слушаем следующую песню, это песня из альбома "Catch Bull at Four", 1972 год, песня называется "Sitting". (Звучит песня " Sitting ". ) АРУТЮНОВ: Ну вот мы с вами послушали песню "Sitting", это 1972 год, а в нашем разговоре мы еще застряли в 60-х, сейчас будем с этим побыстрее расправляться. Тогда, в 60-х, казалось, все шло хорошо, по накату, его пластинки были востребованы, были заполнены такими короткими и вместе с тем яркими песнями, которые, кстати, всегда были у него свои. Кэт Стивенс очень быстро, естественно, с помощью боссов "Deram" и других, стал настоящим тинэйджерским идолом 60-х, ну, все к этому располагало: он такой красивый тогда, особенно тогда, красивый молодой человек, темноглазый и темно же волосый, и длинно же волосый, ну такой, в общем, греческого типа молодой человек, в общем, смотрелся здорово, конечно. Но все это стало его потихонечку тяготить, и благостное течение поп-карьеры еще и прервала болезнь, он совершенно неожиданно в 1968 году серьезно заболел туберкулезом, попал в больницу, долго лечился, долго потом реабилитировался, в общем, история затянулась, и именно тогда, в то время, начались, благо позволяла ситуация, он был свободен, тогда начались его такие глубинные интеллектуальные процессы. Тогда он разочаровался в результате этих процессов в поп-индустрии, и начал тогда примериваться к более серьезной музыке, даже были сведения о том, что он начал писать мюзикл, но все это в результате вылилось в песни для следующей его пластинки, и вылилось в такую резкую смену курса, он ушел из поп-музыки, и, соответственно, из фирмы "Deram". С 1970 года он издавался на фирме "Island", ну, что в Англии, а, соответственно, "A&M" – это в Америке. В 1969 году в конце года вышел сингл с песней "Lady d’Arbanville". Эта песня была посвящена тогдашней его подруге, с которой он расстался незадолго до этой песни – актрисе Пэтти д’Арбанвилл, эта песня еще была сделана как бы так на стыке старого и нового Кэта Стивенса, ну, а вот уже лонгплей на фирме "Island", который назывался "Mona Bone Jakon" – это уже новый Кэт Стивенс, Кэт Стивенс в полный рост. На этом альбоме он предстал уже таким абсолютно зрелым композитором, зрелым автором, зрелым музыкантом, это уже был самый настоящий такой британский фолк-рок, ну, некоторые его классифицировали как софт-рок, что тоже, в общем-то, допустимо, и тогда же он начал проходить по разделу "singer/songwriter", то есть, как мы с вами уже говорили об этом явлении, ну, поющий автор песен. Ну, и ко всему прочему, я лично слышу еще очень заметный элемент арт-рока в его тогдашней музыке, особенно этот элемент усиливался так где-то с 1973 года. Ну, вот сейчас давайте послушаем песню "The Hurt" с альбома 1973 же года, который назывался "Foreigner". (Звучит песня " The Hurt ".) *** АРУТЮНОВ: Это была песня "The Hurt", сейчас вторая историческая справка от Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Конец 60-х был для Кэта Стивенса непростым временем. С одной стороны, молодому композитору не было и 20 лет, когда он написал такие известные сегодня на весь мир хиты, как "First Cut Is the Deepest" и "Here Comes My Baby", с другой – эти песни выстреливали лишь в исполнении других артистов, таких, как певица Пи Пи Арнольд или бит-корифеи "The Tremeloes", в то время как оба записанных в 60-х лонгплея самого Стивенса оставались в некоторой тени его сонграйтерских успехов. К началу 70-х, впрочем, музыканту удалось переломить ситуацию. Пластинка 1970 года "Tea for the Tillerman", выпущенная на волне растущей популярности формата singer/songwriter, стала одним из самых удачных лонгплеев начала 70-х, и одним из классических шедевров рока, а без песни "Wild World" с тех пор и по сей день не обходится ни одна рок-радиостанция. Этот прорыв сразу на несколько лет вперед задал высокий темп карьере Стивенса, его композиции стали неизменными фаворитами радиоэфиров и саундтреков, а публика благосклонно реагировала даже на такие экспериментальные по саунду работы, как пластинка 1973 года "Foreigner". АРУТЮНОВ: Ну, видите, даже мы не смогли обойтись без "Wild World". Ну, хорошо, уже мы сейчас немножечко догоняем набор песен в нашем рассказе. Две пластинки Кэта Стивенса, которые последовали после "Mona Bone Jakon" – это действительно реальный прорыв, это, ну, просто шедевральные работы, я имею в виду "Tea for the Tillerman" – это конец 1970 года, и пластинку 1971 года "Teaser and the Firecat". "Tea for the Tillerman" заняла восьмое место в Англии, а что касается "Teaser and the Firecat", то она заняла третье место в Англии и второе место в Штатах. Между прочим, обложки этих пластинок рисовал сам Кэт Стивенс, и вот еще интересная вещь: тогда же вышел короткометражный мультик, я видел – очень такой милый детский мультик, он тоже назывался "Teaser and the Firecat", и этот мультик он с тех пор очень часто показывал в своих концертах. Эти две пластинки были, ну, вот реально "под завязку" забиты хитами, и мелодии, конечно, этих хитов были уже такие совершенные, яркие, гармонии этих песен были весьма своеобразными, кстати, надо сказать, что в своих песнях Кэт Стивенс частенько использовал и такие вот характерные для греческого фольклора гармонии, что, в общем-то, легко объяснимо, и даже иногда испанские, в общем, да, кстати, между прочим, и на греческом языке он иногда певал, я помню, такая песня "О’ Caritas" была у него в то время. Тексты Кэта Стивенса – это реальная поэзия, такая умная, глубокая, и очень интересно сконструированная. И это при том, что он, в общем-то, обращался, с одной стороны, к широким слоям населения, к широкому кругу слушателей, и это обеспечивало ему по-прежнему огромный успех коммерческий, огромную популярность, даже уже и без поп-музыки, а, с другой стороны, Кэт Стивенс пел очень лично, в своих песнях он тогда уже начал отражать все нам с вами теперь уже известные такие глубинные движения души, мятущейся своей души, выражал в песне свой скепсис по отношению к окружающей жизни, одиночеству, в общем, это были такие тексты, философски-религиозно осмысливавшие тогдашнюю его жизнь и жизнь вокруг него. И, между прочим, вот это настроение, это мироощущение Кэта Стивенса в его текстах, абсолютно адекватно передавалось им в концертах. Кэт Стивенс, напоминаю, это тогда был один из самых популярных артистов рок-музыки, он, в общем-то, был анти-рок-музыкантом, в том смысле, что в его выступлениях, в его музыке не было ни грамма агрессивности такой рок-н-ролльной, которую, тем не менее, мы с вами любим, не было такого рок-н-ролльного напора, и не было работы с публикой в том смысле, к которому мы привыкли, не было никакой спекуляции в работе с толпой, не было никаких призывов, все это было в атмосфере такой, ну, по-нашему говоря, квартирника, что ли, хотя человек играл в больших залах, при огромных аудиториях. Ну, одним словом, все выглядело так, достаточно интимно, доверительно, и романтический образ Кэта Стивенса был абсолютно адекватным. Он часто исполнял сидя, с акустической гитарой или присаживался к роялю, или к Fender-пиано, бэнд у него такой спокойный, весьма качественный был, постоянный в то время, ну и, конечно, довершало картину открытое лицо Кэта Стивенса, такое обезоруживающе-трогательное, что ли, этот человек обладал природным, не наработанным обаянием. Многим артистам мы с вами верим, конечно, может быть, кому-то – напрасно, но в основном наша с вами интуиция нас не подводит, но с Кэтом Стивенсом нет никакой речи о том, чтобы нас интуиция подвела, ему веришь сразу. Вот песня "Oh Very Young" с альбома 1974 года "Buddha and the Chocolate Box". (Звучит песня " Oh Very Young ".) АРУТЮНОВ: Ну, убедились? Ну, конечно же, мы ему верим. В 1972 году вышла следующая пластинка, она называлась "Catch Bull at Four", мы песню оттуда слушали, практически все классические альбомы Стивенса мы сегодня представим, за исключением "Mona Bone Jakon". Вот эта пластинка, "Catch Bull at Four", заняла в Англии второе место, а в Америке уже на этот раз первое, что удивительно, а, может быть, неудивительно, мы же с вами знаем, что многие английские артисты в Америке были сверхпопулярны. Удивительно то, что Кэт Стивенс – это ну просто стопроцентный британский рок, то есть в его музыке, особенно в то время, не было ни грамма американщины, и, тем не менее, вот американцы очень и очень его любили. 1973 год – пластинка "Foreigner", любопытная пластинка, вот недавно мы слушали "The Hurt" оттуда, она заняла третье место в Англии и в Америке тоже третье место, но не суть, суть в том, что первую сторону пластинки занимала "Foreigner Suite" – длинное произведение, еще одно философское произведение от Кэта Стивенса. Именно с тех пор Кэт Стивенс стал выступать все реже и реже. В 1973 году он даже переехал в Бразилию и прожил там больше года, он скрывался тогда от непомерных английских налогов, и вот сэкономленные за счет этого деньги он тогда переводил в фонд ЮНЕСКО и другие разные благотворительные фонды. Вот такой человек. В 1974 году очередной великолепный альбом – "Buddha and the Chocolate Box", песню оттуда только что мы слушали, "Oh Very Young". В 1975 году, наверное, последний из больших туров Кэта Стивенса, ну, этот тур был организован по всем правилам шоу-бизнеса, там, в группе пять человек плюс бразильский перкуссионист, женская бэк-вокальная группа, сложная сценическая конструкция, в общем, все было вот так, но, к сожалению, последний раз. В том же году диск "Numbers", наверное, последний из классических альбомов Кэта Стивенса, это был концептуальный альбом, уже вот ощущалось, что новая музыка Кэта Стивенса тяжела для восприятия тех, кто любил старого, светлого Кэта Стивенса, первый раз, кстати, вот этот диск "Numbers" не попал в английские чарты, и в Америке уже стоял достаточно невысоко. Но самое смешное – я очень хорошо помню, значит, обычно как? На пластинке, на виниле написано – "Первая сторона", переворачиваете – "Вторая сторона". Здесь было написано так: "Нулевая сторона", на другой стороне – "Первая сторона", такой редкий пример юмора от Кэта Стивенса. Хотя, наверное, за этим что-то стоит. Дальше перерыв, в общем, все как бы уже шло на коду, в 1977 году диск "Izitso", опять в Англии никуда этот диск не попал, и вот это легко объяснимо. Вот тут уже легкие американизмы явственно слышны в его музыке, уже там где-то фанк, соул, джаз-рок. И, наконец, в 1978 году – последний диск артиста, которого звали Кэт Стивенс. Мне кажется, удачная работа – "Back to Earth", песню с которой мы вскоре услышим. Ну вот так вкратце, совсем вкратце. Сегодня Кэт Стивенс – это, на мой взгляд, один из наиболее потерявших популярность героев рок-музыки 70-х годов. Но не надо забывать, что он тогда был точно совершенно в одном ряду с Элтоном Джоном, Дэвидом Боуи, группой "T. Rex" и другими героями. Тем более странно осознавать сегодня в России, что Кэт Стивенс не так у нас популярен, зная, что музыкально он как бы должен быть у нас популярен, в общем-то, вы, наверное, сами слышали – в его музыке, ну, во-первых, она просто высшего качества, во-вторых, там, пожалуй, из всех рок-героев того времени в его музыке наиболее явственно слышны минорные гармонии, и плюс абсолютно однозначно слышны средиземноморские гармонии, а это, в общем-то, всегда нашего слушателя привлекает. Но я бы не стал привлекать ваше внимание и вашу любовь к Кэту Стивенсу только за счет этих факторов. Напоминаю еще раз, это один из лучших рок-музыкантов всех времен и народов, уж с вашего позволения я позволю себе позволить так высказаться. Давайте сейчас послушаем песню из его последнего альбома, который назывался "Back to Earth", 1978 год, редкий случай – рокешник от Кэта Стивенса, "Bad Brakes". ( Звучит песня "Bad Brakes".) АРУТЮНОВ: "Bad Brakes". Замечательная музыка и замечательный вокал, да? Последняя историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: Последней пластинкой артиста по имени Кэт Стивенс стал альбом 1978 года "Back to Earth". Последовавшее за этим религиозное обращение, по признанию самого музыканта, решило массу накопившихся личных проблем, однако отдалило его от сцены на долгие 27 лет. Для рок-истории важнее всего то, что жертвой превращения Стивена Георгиу в Юсуфа Ислама стал Кэт Стивенс – настоящая звезда классического рока и один из его лучших хитмейкеров. В течение двух следующих десятилетий о музыканте не было слышно почти ничего, а его общественная активность сводилась главным образом к благотворительности. Артист начал понемногу записываться лишь в 90-е, пластинки выходили уже под именем Юсуф, и содержали довольно специфическую для мэйнстримового рынка музыку. Вплоть до середины 2000-х музыкант избегал пения на английском языке и сторонился шоу-бизнеса. Юсуф Ислам и Кэт Стивенс научились уживаться в одном человеке лишь в последние годы, о чем свидетельствуют, во-первых, недавние релизы, например, пластинка 2009 года "Roadsinger", а во-вторых – исполнение автором своих старых хитов на современных концертах. АРУТЮНОВ: Ну, скажу я вам, для лондонского, греческого по происхождению артиста, перейти из христианства в магометанство – это даже не то же самое, что перейти из "Тоттенхэма" в "Арсенал". Ну ладно, давайте так: давайте будем тактичными, и вот об этом точно говорить не будем, хотя там были совершенно очевидные причины для такого поступка с точки зрения самого Юсуфа Ислама, он пережил какие-то совершенно страшные потрясения, и, в общем, после этого, значит, его озарило вот таким образом. Это его личное дело и его право. Правильно я говорю? Между прочим, трогательный момент, отчасти вернуло Юсуфа Ислама в лоно британской рок-музыки трогательное событие: он в 2007 году участвовал в мемориальном концерте памяти Джима Капалди, он с ним дружил, это, я напоминаю, барабанщик "Traffic", об этой группе мы много говорили, и вот там как-то очень трогательно выступил, какие-то хорошие слова говорил, в общем, будем ждать Кэта Стивенса. Коллизии его пути со стороны, конечно, выглядят странными, но они изнутри, как я уже сказал, они изнутри самого этого человека, там все естественно. И постоянный поиск смысла жизни, который отражался во всех его текстах в 70-е годы, и, кстати, в редких интервью делает ему честь, безусловно, и то движение в его голове, которое еще неявно началось в 60-е годы, набирало силу в процессе его карьеры, и вот кончилось уходом из музыки, он покинул рок-музыку из-за ее греховности и алчности, как он сам говорил. Так что вот это движение, наверное, не имеет обратного хода, и повторюсь, мы с вами должны уважать этот выбор. Все уже на эту тему сказано, вернее, сказано очень много, и должен вам сказать, не нами, и должен вам сказать, что иногда достаточно бестактно, все, закрыли эту тему, мы говорим о музыке, а вот если мы говорим о музыке, то без Кэта Стивенса нам с вами ну никак не обойтись. Тем из вас, кто еще не очень хорошо знает эту музыку, посоветую три пластинки Кэта Стивенса: "Tea for the Tillerman" 1970 года, "Teaser and the Firecat" 1971 года, и "Buddha and the Chocolate Box" 1974 года. Поверьте мне, я глубоко убежден, что Кэт Стивенс – один из самых интересных и сильных музыкантов в истории рок-музыки. Мне кажется, вот это – лучший итог того, о чем мы сегодня с вами говорили, а еще лучше – "Bitter Blue". Пока! (Звучит песня " Bitter Blue ".) 55:50 no http://finam.fm/archive-view/5415/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 14.01.2012     ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Property Line Now She’s Gone Southern Woman Keeps Me from All Wrong Am I The Kind of Man I Should Have Never Started Lovin’ You Take the Highway НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: A New Life - 1974  Long Hard Ride - 1976       АРУТЮНОВ: Я рад приветствовать всех вас первый раз в новом, 2012 году. Мы с вами находимся в программе "Историческая справедливость" на волнах "Финам FM"-радио, все как всегда. Тем не менее, напоминаю, что с недавних пор, да, в субботу мы выходим в 12, это незыблемо, а наши повторы в понедельник теперь с 11 часов, но впрочем, я надеюсь, что за последние пару месяцев вы к этому режиму привыкли. Итак, начинаем нашу с вами такую многотрудную, но интересную и приятную деятельность в 2012 году, поздравляю! Американская группа "The Marshall Tucker Band" сегодня.   (Звучит песня " Property Line ".)   АРУТЮНОВ: Значит, первая группа в новом году для нас с вами – это "Marshall Tucker Band". Для тех, кто не очень хорошо знаком с творчеством этой команды, или для тех, кто вообще с этим творчеством не знаком, могу сообщить сразу, чтобы вы не ломали голову – нет такого музыканта в составе... ]]> Sat, 14 Jan 2012 12:05:00 +0400 "The Marshall Tucker Band" В студии: Николай Арутюнов ПРОЗВУЧАВШИЕ ПЕСНИ: Property Line Now She’s Gone Southern Woman Keeps Me from All Wrong Am I The Kind of Man I Should Have Never Started Lovin’ You Take the Highway НИКОЛАЙ АРУТЮНОВ РЕКОМЕНДУЕТ ДИСКИ: A New Life - 1974 Long Hard Ride - 1976 АРУТЮНОВ: Я рад приветствовать всех вас первый раз в новом, 2012 году. Мы с вами находимся в программе "Историческая справедливость" на волнах "Финам FM"-радио, все как всегда. Тем не менее, напоминаю, что с недавних пор, да, в субботу мы выходим в 12, это незыблемо, а наши повторы в понедельник теперь с 11 часов, но впрочем, я надеюсь, что за последние пару месяцев вы к этому режиму привыкли. Итак, начинаем нашу с вами такую многотрудную, но интересную и приятную деятельность в 2012 году, поздравляю! Американская группа "The Marshall Tucker Band" сегодня. (Звучит песня " Property Line ".) АРУТЮНОВ: Значит, первая группа в новом году для нас с вами – это "Marshall Tucker Band". Для тех, кто не очень хорошо знаком с творчеством этой команды, или для тех, кто вообще с этим творчеством не знаком, могу сообщить сразу, чтобы вы не ломали голову – нет такого музыканта в составе этой группы, которого зовут Маршалл Такер. Я вам больше скажу, даже среди героев гражданской войны Севера и Юга нет такого полководца с таким воинским званием – маршал и по фамилии Такер. Разгадка этого впереди, в исторической справке, которую, как всегда, для вас с любовью и компетентно составляет Юрий Новгородский. Но я хочу сказать, вам придется потерпеть сегодня и дождаться второй исторической справки, вот там-то будет разгадка этого исторического парадокса и этого большого секрета. Ну, а мы с вами сейчас давайте не будем ломать над этим голову, и сразу как бы вербализируем все необходимые вещи о группе "Marshall Tucker Band". Ну, вы, конечно, правильно поняли, прослушав первую песню, что это группа кантри-рока, но не все так просто. Да, она классифицируется, эта группа, "Marshall Tucker Band", как кантри-рок-группа, но она же представляет такое славное и нами с вами любимое явление, как southern-rock или swamp-rock, короче говоря, как южный рок, а по-нашему с вами говоря, как "южняк", мы уже ввели с вами в обиход этот термин. Так вот, "Marshall Tucker Band" – они южане, и они и географически, и, в общем-то, и эстетически примыкают к южному року, и составляют, я бы сказал, его кантри-крыло в компании таких уважаемых людей, как "Charlie Daniels Band", помните, мы о них говорили, и "Outlaws", ну, об "Outlaws" мы обязательно поговорим. К этому же крылу примыкают, но уже так немножко, что ли, поодаль, такие орлы, как "Ozark Mountain Daredevils", честно говоря, я не уверен, будем ли мы о них говорить, но там были группы country-southern-rock. Вот еще раз говорю, самые главные – это "Outlaws", "Charlie Daniels Band" и наши сегодняшние герои "Marshall Tucker Band". Ну хорошо, а вот теперь тоже немаловажная вещь, а главное – очень, я бы сказал, такая, гуманитарно, что ли, по-человечески важная. Вот вдумайтесь, "Marshall Tucker Band" – уникальная группа, она не меняла свой состав вообще никогда, ну, если быть точным, то добровольно эта группа никогда не меняла состав, а все изменения в составе, все очень редкие изменения, были вызваны, к сожалению, прозаическими и грустными причинами, то есть люди выбывали из состава группы и из жизни. Добровольно из этой группы никто не уходил, никого оттуда не выгоняли, да, собственно, я так полагаю, что никому и в голову не могло придти из музыкантов "Marshall Tucker Band" покинуть свою группу. Но я сейчас говорю, я надеюсь, вы понимаете, о классическом периоде, сегодня мы будем говорить, группа существует до сих пор, но уже в весьма отдаленном виде от оригинального, и мы сегодня говорим только о периоде 70-х годов. Мало того, группа тогда могла себе позволить назвать пластинку 1978 года "Together Forever", то есть, представляете, люди брали на себя ответственность таким названием, они действительно были убеждены в том, что их никто никогда не разлучит, ну, кроме тетки с косой, собственно говоря, так оно и было. Это, мне кажется, заслуживает нашего отдельного уважения и заслуживает того, чтобы я сейчас, в начале программы, объявил классический состав группы "Marshall Tucker Band". У истоков группы стояли братья Колдуэллы – Той, поющий гитарист, и Томми – бас-гитарист, а также ведущий вокалист группы Даг Грэй, флейтист и саксофонист, на это я тоже обращаю ваше внимание, и чуть позже об этом мы тоже подробнее поговорим, Джерри Юбэнкс, второй гитарист, ритм-гитарист – Джордж Маккоркл, и барабанщик Пол Риддл. Первая замена произошла в 1980 году, когда один из братьев погиб в автокатастрофе, потом через несколько лет они превратились из секстета в септет, то есть они добавили в свой состав клавишника, а в 70-е годы, когда они испытывали нужду в клавишах, то на записях всегда мог сыграть их продюсер в качестве клавишника – Пол Хорнсби, а иногда с ними играл Чак Лавелл из "Allman Brothers Band", и из этой же группы, из "Allman Brothers Band", с ними частенько играл также Джеймо Джоханссон – перкуссионист, а самое главное – фактически седьмым участником "Marshall Tucker Band" в 70-е годы был наш с вами старый друг Чарли Дэниэлс – знаменитый фиддлер, то есть он практически участвовал на всех пластинках "Marshall Tucker Band", и очень часто с ними выступал. Это просто был их ближайший друг, ну, и где-то каким-то боком и покровитель, потому что он был чуть-чуть поопытнее. Ну вот так, вот такое легкое интро, уже, по-моему, не очень легкое, но оно закончилось. Вторая песня нашей программы, песня из их второго альбома, двойного альбома, наполовину концертного, 1973 года, который назывался "Where We All Belong". Песня "Now She’s Gone". (Звучит песня " Now She ’ s Gone " .) АРУТЮНОВ: Мы говорим о группе "The Marshall Tucker Band", по-русски – "Маршалл Такер Бэнд", почти так же звучит, это была песня с их второго альбома, 1973 год, "Now She’s Gone". А теперь, внимание, исторический момент – первая в 2012 году историческая справка Юрия Новгородского. НОВГОРОДСКИЙ: Несмотря на то, что сегодня о группе "The Marshall Tucker Band" вспоминают лишь, когда речь заходит о так называемом "втором эшелоне" американской рок-сцены 70-х, эта команда, вне всякого сомнения, относится к легендарной героической плеяде первопроходцев южного рока – одного из наиболее самобытных и важных явлений современной музыки. Однако при том, что "Marshall Tucker Band" всегда были и останутся в тени "Lynyrd Skynyrd" или "Allman Brothers Band", нельзя забывать, что у этой команды с самого начала был свой почерк и звук, а главное – репутация едва ли не лучшей живой группы southern-rock. История "Marshall Tucker Band" берет свое начало в городке Спартанберг, штат Южная Каролина. Именно там родились и выросли братья Той и Томми Колдуэллы – будущие гитарист и басист коллектива, и Даг Грэй – его будущий вокалист. Друзья со школьной скамьи, молодые люди поначалу общались не столько на музыкальной, сколько на спортивной почве. Со временем, однако, рок-н-ролл потеснил футбол и баскетбол, и с середины 60-х друзья начали поигрывать в школьных группах, самой заметной из которых была команда "Toy Factory", основанная Тоем Колдуэллом и ставшая прототипом "Marshall Tucker Band". Гипотетически будущие "Marshall Tucker" имели все шансы стать чуть ли не первой группой южной волны, если бы не один малохарактерный для рок-н-ролла эпизод в истории команды: в 1966 обостренное чувство гражданской ответственности побудило Тоя Колдуэлла записаться добровольцем в корпус морской пехоты, и сменить "Telecaster" на "М-14", а улицы Спартанберга – на вьетнамские джунгли. АРУТЮНОВ: Ну, можно, я сейчас прицеплюсь к паре Юриных информаций? Вот он сказал, что "Marshall Tucker Band" имел шанс стать первой группой южного рока, а вы знаете о том, что и фактически, и эстетически, первой группой южного рока являются не южане? Вот согласитесь, в работах второй половины 60-х в работах некоего ансамбля "Creedence Clearwater Revival" вполне сформулирована эстетика южного рока, болотного рока, а ведь они не были уроженцами Юга – они калифорнийцы. Ну, я имею в виду, того Юга, вот нашего с вами, о котором мы сегодня говорим. Но конечно, естественно, мы знаем, что, тем не менее, в 1969 году вышел первый альбом группы "Allman Brothers Band", они-то точно пионеры южного рока. Это первое. А второе – вот Юра в конце сказал, что Той Колдуэлл поехал воевать во Вьетнам. Вот здесь тоже я упомяну группу "Allman Brothers Band", вот разные тогда были люди, вот этот человек решил таким образом отдать долг родине, ну, мы не будем обсуждать, насколько в историческом срезе он был прав, и вообще, права была его родина, бог с ним. А вот другой человек, "южный музыкант" из группы "Allman Brothers Band", их поющий клавишник Грэг Оллмэн – он не захотел во Вьетнам поехать, и поэтому занялся "самострелом" – авточленовредительством, прострелил себе ногу, и таким образом избежал повестки. Ну ладно, люди разные, а, в общем-то, они оба – звезды южного рока, болотного, люди из болот – все они. Сейчас будут опять звучать болотные люди "Marshall Tucker Band" со своей песней, что бы вы думали? Конечно же, "Southern Woman", 1974 год, альбом "A New Life". ( Звучит песня "Southern Woman".) АРУТЮНОВ: Это была песня "Southern Woman". Все, я подчеркиваю – все музыканты "Marshall Tucker Band" родились и выросли в своем родном городе Спартанберге, что в штате Южная Каролина, ну, и сегодня все они являются предметом гордости жителей Спартанберга. Надо сказать, что бацилла рок-н-ролла попала в кровь братьев Колдуэллов очень рано, в подростковом возрасте они уже играли в местных рок-группах, в середине 60-х годов. Я недаром сказал "в рок-группах" – не в группе, они играли в разных группах, то есть братья братьями, а, может быть, тогда музыкальные интересы были разными, а, может, так сложилось. Гитарист Той Колдуэлл играл тогда в группе "The Rants", а бас-гитарист Томми Колдуэлл – в группе "New Generation". Потом пришла армия на порог дома Колдуэллов, причем их обоих призвали, просто старший был во Вьетнаме, а младший нет, но тоже отдал долг родине. И после армии они возвратились в родной город, и Той Колдуэлл возродил группу, которая начиналась до его ухода в армию – "Toy Factory". И потом вот в эту группу уже последовали один за другим будущие участники "Marshall Tucker Band". Короче говоря, в 1971 году собрался классический состав группы "Marshall Tucker Band", а в 1972 году "Marshall Tucker Band" уже вовсю утюжили свой родной штат, свой родной город, да и, в общем-то, уже выезжали в окрестные штаты, и тогда уже, в 1972 году, имели очень серьезную репутацию, имели свою публику, и, в общем-то, большой концертный успех. Но напоминаю еще раз, это уже 1972 год, солнце болотного южного рока вовсю уже готовилось взойти, к 1972 году уже три альбома "Allman Brothers Band" записали, и в 1973 году готовились записать свой первый альбом "Lynyrd Skynyrd", то есть уже все это назревало, вот этот феномен музыкально-культурный, и "Marshall Tucker Band" здорово, в общем-то, в это вписались, в это новое движение. Вскоре "Marshall Tucker Band" стали просто-напросто одной из витрин этой самой знаменитой южной рок-музыки. "Keeps Me from All Wrong" – так называется песня, которую мы сейчас будем слушать, она была на диске 1975 года "Searchin’ for a Rainbow". ( Звучит песня "Keeps Me from All Wrong".) АРУТЮНОВ : Это была песня "Keeps Me from All Wrong". Давайте сейчас послушаем вторую историческую справку, наконец-то мы узнаем секрет названия группы "Marshall Tucker Band". НОВГОРОДСКИЙ: В 1969 году Той Колдуэлл вернулся с войны, и, несмотря на то, что за плечами этого молодого еще человека было тяжелое ранение и не один бой, как ни в чем не бывало, снова занялся музыкой, поначалу под вывеской "Toy Factory". Старые друзья, многие из которых вслед за Тоем вызвались выполнять воинский долг, были снова рядом – брат Томми играл на басу, Даг Грэй взял на себя клавишные и вокал, чуть позже на барабаны и ритм-гитару пришли земляки Пол Риддл и Джордж Маккоркл, а флейтист и альт-саксофонист Джерри Юбэнкс завершил формирование состава. Интересно, что по-южному патриархально и даже героически звучащее название группы родилось совершенно случайно: имя Маршалла Такера, местного настройщика пианино, значилось на двери старого сарая, который молодые люди арендовали для репетиций. К началу 1972 года группа была в прекрасной концертной форме, что моментально оценили представители звукозаписывающей колыбели южного рока "Capricorn Records". Первая же пластинка "Marshall Tucker Band" попала в чарты, песня "Can’t You See" стала национальным радиохитом, а игра на разогреве у "Allman Brothers Band" обеспечила группе знакомство с многотысячной аудиторией фанатов южного рока. АРУТЮНОВ: Ну вот, кстати, вам история названия "Marshall Tucker Band" не напоминает ли историю названия другого почетного южного коллектива? Конечно, "Lynyrd Skynyrd". Видите, вот удивительная вещь, две знаменитые группы южного рока, ну, "Lynyrd Skynyrd" – вообще это одна из лучших групп мира, взяли, позволили себе такую глупость, и увековечили своим названием, в общем, никому не известных, и в случае с "Lynyrd Skynyrd" – не очень симпатичных людей, напоминаю, "Lynyrd Skynyrd" – это такое изуродованное произношение имени их школьного физкультурного учителя Леонарда Скиннера, уж очень он их гонял, а они вот таким образом ему отомстили, но я думаю, что отомстили сами себе. И, конечно же, вот эти истории этих двух названий – это, наверное, говорит о том, что люди просто музицировали, и так типа они просто решили друг с другом пошутить: "А давайте-ка назовемся "Marshall Tucker". То есть, наверное, они не предполагали, что их ждет большой коммерческий успех, и всеамериканская, да и всемирная слава, "Lynyrd Skynyrd" то же самое, ну согласитесь, глуповато. Так что, кстати, между прочим, если вы сейчас начинаете делать свою группу, то не называйте ее именем прабабушки вашей соседки или вашего дворника пресловутого, или какого-то персонажа дворового, лучше назовитесь сразу серьезно, там "Московские герои", или "Слезы богов", или "Отбросов общества блюз-бэнд". Ну вот я сказал о том, что в 1972 году группа уже была мощной концертной такой единицей, и единственное, чего им не хватало – это хорошего контракта с фирмой звукозаписи. Это вскоре пришло. И тут вот в дело вступила такая характерная для южнороковых, да, собственно, для всех рок-музыкантов взаимовыручка, солидарность и такая корпоративная этика, что ли, корпоративная просто, ну, спайка. Есть еще одна известная группа в южном роке, она называется "Wet Willie", может быть, о ней поговорим, кстати, эта группа – наверное, самый яркий и редкий представитель соул-крыла южного рока. Так вот, эти самые "Wet Willie" вначале услышали "Marshall Tucker Band", потом были потрясены их мастерством, обаянием, было чем, в общем-то, быть потрясенными, потом они с ними подружились, и "Wet Willie" им предложили, как говорится, "сдать концы", они очень хорошо, эти "Wet Willie", знали Фила Уолдена, а Фил Уолден – это был тогда хозяин восходящей звукоиздающей фирмы юга США, ныне легендарной "Capricorn Records". На этой фирме практически все "южняки" издавались, кроме, пожалуй, "Lynyrd Skynyrd", ну почти все. Так вот, они познакомили "Marshall Tucker Band" с этим шефом, и шеф был, конечно, потрясен их шоу концертным, и очень быстро их подписал, и в 1973 году вышло аж два диска – первый диск, который назывался "The Marshall Tucker Band", и второй, песню с которого мы в начале программы слушали. Вот так, а дальше уже все прямо помчалось стремительно, это была дорога вверх, 70-е годы – это дорога вверх. Следующая песня нашей программы "Am I The Kind of Man", 1976 год, альбом "Long Hard Ride". ( Звучит песня "Am I The Kind of Man".) *** АРУТЮНОВ : Это была песня "Am I The Kind of Man". Кстати, вот хочу спросить у вас, я, скорее, сейчас обращаюсь к тем из вас, кто считает себя любителем американской группы "Grand Funk Railroad", надеюсь, конечно, уверен, что таких людей много в моей аудитории. Я неспроста это хочу это выяснить, дело в том, что те из вас, кто любит и хорошо знает "Grand Funk", наверное, обратили внимание, что вокалист "Marshall Tucker Band" Даг Грэй напоминает, особенно на своих верхних нотах, Марка Фарнера – нашего любимого поющего гитариста группы "Grand Funk Railroad". Но это ладно, это так вот, как бы походя. Но вот теперь несколько слов об одном из главных козырей группы "Marshall Tucker Band" – о Джерри Юбэнксе, напоминаю, этот человек играл на саксофоне и на флейте. Это редчайший инструмент в южном роке, саксофон был у тех же, кстати, "Wet Willie", а вот флейты, по-моему, не было там ни у кого. И ребята этим пользовались очень удачно. Дело в том, что, с одной стороны, наличие флейты в группе отражало то, что музыканты южного рока очень прислушивались к британскому року тех лет, конечно же, они знали "Jethro Tull", я думаю, что не последнюю роль это сыграло в том, что в составе "Marshall Tucker Band" появился этот инструмент. Но и с другой стороны, надо сказать, что традиция игры на флейте была сильна там, в корневой музыке южных штатов, не надо думать, что, знаете, у нас такой есть стереотип, что старые негры могли дуть только в губную гармошку, вполне в чернокожем фольклоре XIX века использовалась и флейта в качестве мелодического инструмента. Ну так вот, наличие флейты и саксофона очень расширяло арсенал группы "Marshall Tucker Band", и позволяло им придавать их музыке такой джазовый окрас, саксофоном в основном, да, вообще, элемент джаза силен в музыке "Marshall Tucker Band", я скажу, что очень многие их песни построены по джазовому принципу, то есть длинное произведение, состоящее из трех куплетов и трех припевов, и между вторым припевом и третьим куплетом очень большая импровизационная часть, там или все по очереди солируют, или кто-то один, или двое, и так делать позволяло еще и мастерство музыкантов, вообще, надо сказать, вы, наверное, заметили, "Marshall Tucker Band" – очень умелые люди, и гитарист Той Колдуэлл просто очень сильный, реально очень сильный гитарист. Здесь же я хочу сказать об одном парадоксе, который обращает на себя внимание, когда мы с вами слушаем музыку южного рока. При всем таком специальном имидже музыкантов южного рока, таком, ну, имидже бродяг таких, брутальных мужчин, "outlaws", ну ковбоев таких, короче говоря, при всем вот этом имидже, музыканты южного рока явно отличались тщательностью в подходе к своей музыке, скорее даже, не тщательностью, а щепетильностью и высоким классом исполнения. Практически все южнороковые группы – это группы очень высокого среднего уровня, очень высокого качества записи и высокого уровня солистов. То есть это все в высшей степени профессиональные музыканты, очень уверенные в себе, которые играют чисто. И их высший пилотаж – при всем этом выглядеть как просто бандиты с большой дороги. По поводу имиджа "Marshall Tucker Band" не могу сообщить ничего такого специального, это классический имидж группы южного рока – джинсы, country-and-western сапоги, которые мы называем "казаками", кожаные жилетки, клетчатые рубашки, длинные волосы, бороды, на заднем плане в качестве фона – лошадки, паровозики и южноштатовская природа. Ну вот, теперь мы готовы к следующей песне. Она называется "I Should Have Never Started Lovin’ You" с альбома 1977 года "Carolina Dreams". ( Звучит песня "I Should Have Never Started Lovin’ You".) АРУТЮНОВ: Это была песня "I Should Have Never Started Lovin’ You" 1977 год, а теперь последняя в сегодняшней программе историческая справка. НОВГОРОДСКИЙ: К середине 70-х "The Marshall Tucker Band" заработали репутацию настоящих мастеров южного рока. Во-первых, группа с самого начала нащупала свою золотую пропорцию элементов кантри, блюза и джаза, а главное – свой неповторимый саунд, изюминкой которого была воздушная флейта Джерри Юбэнкса, во-вторых, живое звучание "Marshall Tucker Band" признавалось современниками чуть ли не эталонным, и по воспоминаниям Чарли Дэниэлса, выходить на сцену после "такеров" было тяжело. К концу десятилетия, однако, и успех группы, и энтузиазм музыкантов стали понемногу сходить "на нет". Кроме того, весной 1980 года в автокатастрофе погиб басист Томми Колдуэлл, и продержавшись еще три года, команда распалась. К концу 80-х, отдохнув от перипетий шоу-бизнеса, участники группы взялись за старое, но, к сожалению, уже порознь. Той Колдуэлл начал сольную карьеру, возглавив "The Toy Caldwell Band" и записал довольно удачную пластинку, однако его путь прервала внезапная смерть 25 февраля 1993 года. Что касается современной версии "The Marshall Tucker Band", то инициаторами реюниона южной легенды еще в 1988-м выступили оригинальные вокалист и флейтист команды – Даг Грэй и Джерри Юбэнкс. При том, что музыка нынешних "Marshall Tucker Band" рассчитана, скорее, на кантри-аудиторию, в 90-х группа записала несколько коммерчески удачных пластинок оригинального материала, и по сегодняшний день продолжает давать до двухсот концертов в год. АРУТЮНОВ: Ну, дай бог им здоровья в этом! В завершении программы о группе "Marshall Tucker Band" я бы хотел вам вот что сказать. Ну, во-первых, давайте все-таки пару слов о карьере "Marshall Tucker Band" в конце 70-х. Вот эта пластинка 1977 года – "Carolina Dreams", песню оттуда мы слышали недавно – "I Should Have Never Started Lovin’ You", вот она обозначила такой плавный, но все же ощутимый переход. Во-первых, это самый большой коммерческий успех группы, эта пластинка "Carolina Dreams". Во-вторых, эта пластинка объединила их традиционный такой country-southern-rock с зарождавшимся тогда уже поп-роком, и на пластинке 1978 года "Together Forever" они уже окончательно оформили вот этот сплав southern-rock с поп-роком, ну, а потом уже они стали окончательно оформлять уже не сплав, а просто такой четкий переход в поп-рок. Ну, что я могу сказать по этому поводу? Пожалуй, да, вот это "Together Forever" – это последняя пластинка в эстетике southern-rock в дискографии "Marshall Tucker Band". Затем все пластинки выходили, но уже такие, ну совсем безликие, такие стерильные, что ли. Да, там все было правильно, все хорошо было сыграно, как и положено "Marshall Tucker Band", но искры уже не было совсем, не за что зацепиться в дисках "Marshall Tucker Band" после 1978 года, поверьте мне, особенно любителям классического южного рока, ну, может быть, единственное, что приходит на ум из такого оригинального – это инструменталка с диска 1980 года "Tenth", которая называлась "Jimmy", понятно, что это посвящено Джими Хендриксу, и звучит она так же, сделана в духе Джими Хендрикса, а все остальное, конечно, ну очень lights. К сожалению, в этом смысле "Marshall Tucker Band" повторили судьбу практически всех героев южного рока. Надо сказать, что в строгом смысле этого слова, южный рок существовал каких-то пять-шесть, от силы – семь лет, где-то с 1972-73 по 1977-78 годы. Эта музыка, южный рок, идейно зиждилась на вполне понятных вещах, я имею в виду, скорее, текстовое наполнение – все это было сделано в духе героев американского Юга, в духе романтических представлений о гражданской войне XIX века, в духе такого конфедеративного патриотизма, и, конечно, все это было хорошо замешано на патриархальных жизненных устоях Юга Америки. А музыкально – это такая мужская, я бы сказал, мужицкая музыка такая, твердая, активная, абсолютно явная, чуждая какой бы то ни было умеренности, в ней, в этой музыке все явно, все бьет через край. И вот представьте себе, это все стало очень быстро меняться, катастрофически быстро, это удивительно. Где-то с 1977 года все это стало уходить, и все это начало подергиваться таким, ну, рафинированным, что ли, подходом, и как следствие, явно стало терять жизнь, и, повторюсь, этот путь начали тогда где-то в 1977 году практически все – и "Outlaws", и "Atlanta Rhythm Section", и "Charlie Daniels Band", и "38 Special", почти обо всех этих группах мы говорили, и говорили именно об этом. Ну, вы знаете, большую роль в этой метаморфозе сыграли объективные причины. Во-первых, в конце 70-х годов фирма "Capricorn", которая всех их держала на плаву – она загнулась, и, конечно, заработки стали другими, и, ну, знаете, как, вот такой объединяющий момент был "Capricorn", он исчез, и люди были неприкаянны в какой-то степени. Во-вторых, музыканты стали просто уходить из жизни, кто-то погиб, кто-то умер, мы с вами знаем эти страшные истории про "Allman Brothers Band", и про "Lynyrd Skynyrd", и просто кадровый ресурс стал истощаться. Те же "Lynyrd Skynyrd" после знаменитой их трагической авиакатастрофы не играли 10 лет, восстановились только в 1987 году, и потом, кстати, да, пожалуй, "Skynyrd" держали вот эту южнороковую фишку достаточно долго, но, к сожалению, с 90-х годов в музыке "Lynyrd Skynyrd" явно обозначился крен в сторону хард-рока, такого, я бы сказал, обычного, и в 2000-е годы это просто прет изо всех дыр. Никто не говорит, что это плохо, но утеряна, конечно, вот эта болотная история, болотный этот аромат, недаром сами "Lynyrd Skynyrd" выпускают пластинки чистого хард-рока практически, а в концертах продолжают играть классический южнороковый набор, то есть как бы группа о двух лицах, но это не есть хорошо, наверное, при всей нашей любви к ним. Получше дела обстояли у "Allman Brothers Band", но тоже эта группа прошла через совершенно ужасную пластинку 1982 года, не дай бог вам ее слушать, там просто такой вот поп-рок без всяких намеков на южное происхождение, в общем, слава богу, они быстро это поняли, пройдя череду смертей и многочисленных замен, сегодня "Allman Brothers Band" – это точно совершенно единственная реальная надежда южного рока, но надо понимать, что они уже в солидном возрасте находятся. Так что история южного рока достаточно грустная. Есть молодые люди, там, во-первых, вот в этих группах появляются молодые музыканты, но все же уже они не носители корневой идеи, и какие-то молодые команды появляются, географически оттуда, и где-то что-то можно слышать, конечно, но это уже просто мы хотим в их музыке найти что-то южное, а, в общем-то, этого там мало. То есть я хочу сказать, что, к сожалению, в чистом виде сегодня южный рок, за исключением "Allman Brothers Band", не существует, как бы грустно это ни звучало. Ну, и с этой точки зрения метаморфоза наших сегодняшних героев, "Marshall Tucker Band", не выглядит чем-то нестандартным, они – представители южного рока в том, что касается его восхода, и, к сожалению, заката. Ну, опять же, как всегда я говорю в таких случаях, у нас с вами есть возможность держать эту музыку где-то рядом с сердцем, потому что есть записи, и много. Я бы вам посоветовал две пластинки "Marshall Tucker Band", диск 1974 года "A New Life", и 1976 года "Long Hard Ride". Засим хочу попрощаться, и в конце программы пусть прозвучит их самая знаменитая песня и самая характерная – "Take the Highway". Так что, если что, выходите на шоссе, ловите попутку и прямиком в Атланту, ну, или в нашем случае – в Питер. ( Звучит песня "Take the Highway".) 57:45 no http://finam.fm/archive-view/5385/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 09.01.2012   Повтор программы от 10.09.2011г. ]]> Mon, 09 Jan 2012 18:00:00 +0400 ИЗБРАННОЕ: "The Edgar Broughton Band" В студии: Николай Арутюнов Повтор программы от 10.09.2011г. 54:05 no http://finam.fm/archive-view/5384/ В студии: Николай Арутюнов  Выпуск от 08.01.2012   Повтор программы от 05.03.2011г. ]]> Sun, 08 Jan 2012 18:00:00 +0400 ИЗБРАННОЕ: Американский музыкант Доктор Джон (Dr. John) В студии: Николай Арутюнов Повтор программы от 05.03.2011г. 56:07 no